sábado, 23 de enero de 2016

Se recupera cantata perdida de Mozart y Salieri (K. 477a)


Fotograma de la película Amadeus (1984) de Miloš Forman.

En junio de 1785, la cantante italo-inglesa Nancy Storace, que estaría luego en Le nozze di Figaro de Mozart, perdió súbitamente la voz. Era el estreno de Gli sposi malcontenti, obra de su hermano Stephan Storace en el Burgtheater de Viena. Ello obligó a posponer el estreno de La grotta di Trofonio, ópera de Antonio Salieri en la que interpretaría el papel de Ofelia. La noticia de su recuperación, cuatro meses después, fue celebrada por sus amigos con una breve cantata titulada en italiano: 'Per la ricuperata salute di Ofelia'. El libreto estuvo a cargo de Lorenzo da Ponte, mientras que la música era una colaboración entre Mozart y Salieri, junto a un tal "Cornetti" que sería el seudónimo de alguien no identificado.

Esta obra ya estaba consignada por el catálogo Köchel, que ordena las composiciones mozartianas, con el número K. 477a, pero su libreto y partitura se consideraban perdidos. Hace unas semanas, sin embargo, Timo Jouko Herrmann, musicólogo especialista en Salieri, encontró una copia del libreto en el Museo Checo de la Música, en Praga. Su sorpresa fue mayor cuando le preguntaron si también quería la partitura.

La partitura completa será publicada por la editorial musical Friedrich Hofmeister de Leipzig.

El descubrimiento de esta colaboración entre Mozart y Salieri es especialmente significativo para mostrar ciertas afinidades estéticas entre ambos compositores, pero también para insistir en que su supuesta rivalidad fue sólo una idea de ficción de Pushkin, popularizada por la obra teatral de Peter Shaffer y la película de Miloš Forman (Amadeus, 1984).

La Fundación Mozarteum de Salzburgo ha anunciado que la recuperada cantata será estrenada en aproximadamente un mes, mientras que la partitura será publicada por la editorial Hofmeister de Leipzig.

Estudio del descubridor de la cantata sobre la música alemana de Salieri.

Es sabido que Mozart y Salieri compartieron escenario en Schönbrunn, en 1786, durante los estrenos de Der Schauspieldirektor y Prima la musica e poi le parole. Coincidieron después en Fráncfort para la coronación de Leopoldo II y asistieron juntos, en 1791, a una función de Die Zauberflöte en Viena.

lunes, 4 de enero de 2016

Exposiciones de arte destacadas para comenzar el 2016


Habiendo comenzado ya un nuevo año, vale la pena hacer un recuento de las exposiciones de arte que destacan para el 2016. Algunas continúan del año pasado, mientras que otras serán inauguradas en los próximos meses.

Arte renacentista

Hieronymus Bosch: Visiones de un genio
DEN BOSCH (Holanda) - Het Noordbrabants Museum
Del 13 de febrero al 8 de mayo

MADRID (España) - Museo Nacional del Prado
Del 31 de mayo al 11 de septiembre

El carro de heno (c. 1516, Museo Nacional del Prado) es una de las obras que se exhibirán del maestro neerlandés, influido por la filosofía mística de Meister Eckhart.
Con ocasión del quinto centenario de su muerte, el Noordbrabants Museum y el Museo Nacional del Prado organizan la mayor exhibición que se haya hecho de las obras de Hyeronimus Bosch (El Bosco), uno de los más sugerentes y reconocidos pintores flamencos de inicios del Renacimiento. La exhibición, que cuenta con obras prestadas del Museo del Prado (como el tríptico El carro de heno, c. 1516), del Louvre (como La nave de los locos, 1500-1510) y de la Gallerie dell'Accademia de Venecia (como la Visión del Más Allá, c. 1486), tendrá lugar en su pueblo natal, Den Bosch, hasta el mes de mayo, luego de lo cual se trasladará a Madrid. La muestra cuenta además con doce paneles recién restaurados por diversas instituciones en el marco del Bosch Research and Conservation Project, polémico por haber cuestionado la autoría de algunas de las obras antes aceptadas como indudablemente propias de El Bosco. Por último, también de mayo a septiembre, pero en Berlín, se llevará a cabo una muestra de pintores influidos por El Bosco durante los dos siglos siguientes:

Hieronymus Bosch and his Imagery in the 16th and 17th Centuries
BERLÍN (Alemania) - Gemäldegalerie
Del 31 de mayo al 11 de septiembre


In the Age of Giorgione
LONDRES (Reino Unido) - Royal Academy of Arts
Del 12 de marzo al 5 de junio

El atardecer (Il tramonto), 1506-1510. The National Gallery, London.
En la Venecia de principios del siglo XVI, cuando Bellini dominaba en el arte de la ciudad, un grupo de jóvenes empezaron a desarrollar nuevas propuestas mientras eran visitados por Durero y Da Vinci. El más conocido de ellos es Tiziano, pero antes de él estuvo el misterioso Giorgione. Esta exposición busca develar la red de influencias que se generó en ese grupo y que moldearon el nuevo arte veneciano a partir de su primer exponente, muerto prematuramente pero que dejó un intenso legado. Junto a las de Giorgione se exponen obras de Bellini, Durero, Tiziano, Sebastiano del Piombo, Lorenzo Lotto y Giovanni Cariani, entre otros. En esas obras, a través del retrato, la pintura religiosa y el nuevo género de los paisajes, se constituyeron la belleza idealizada, la fuerza expresiva y el uso sensual del color que caracterizaron a la pintura del Renacimiento veneciano.


Adriaen van de Velde: Maestro del paisajismo holandés
AMSTERDAM (Holanda) - Rijksmuseum
Del 24 de junio al 18 de septiembre

Landscape with horses and cattle, 1669. Frits Lugt Collection.
Adriaen van de Velde (1636-1672) es uno de los más grandes artistas del Siglo de Oro holandés. Sin embargo, su nombre es apenas conocido por el público en general. Por eso el Rijksmuseum exhibirá 25 pinturas y 40 dibujos que muestran su maestría y su influencia en el desarrollo del paisajismo, a pesar de su corta vida.


Hubert Robert, 1733-1808
PARÍS (Francia) - Musée du Louvre
Del 7 de marzo al 30 de mayo

WASHINGTON DC (Estados Unidos) - National Gallery of Art
Del 26 de junio al 2 de octubre

Luego de la Revolución francesa, Hubert Robert, pintor cercano a Luis XVI, sobrevivió por suerte al régimen de Robespierre, cuando los guardias mandaron a la guillotina al hombre equivocado. Tras la conversión del Palacio del Louvre en Museo Nacional, se le nombró como asesor artístico.


Beyond Caravaggio
LONDRES (Reino Unido) - National Gallery
Del 12 de octubre al 15 de enero de 2017

"Más allá de Caravaggio" es la primera gran exhibición en Reino Unido dedicada a explorar el influjo de las obras del pintor realista entre sus contemporáneos y seguidores. Artistas como Gentileschi, Valentin y Honthorst, entre otros, bebieron diversos aspectos de su obra, ayudando a consolidar el movimiento que se conoció como "caravaggismo", el cual motivó la respuesta del maniqueísmo.


Arte romántico

Charles Gleyre (1806-1874): the Repentant Romantic
PARÍS (Francia) - Musée d’Orsay
Del 10 de mayo al 11 de septiembre

Les Romains passant sous le joug, 1858. Musée cantonal des Beaux-Arts.
Se trata de la primera exposición enteramente dedicada al pintor suizo en suelo francés, a pesar de ser bien conocido que por el influyente taller de Gleyre en París pasaron jóvenes artistas como Auguste Renoir y Claude Monet. Más allá de su claro academicismo decimonónico, por el cual ha sido a veces menospreciado, la muestra busca resaltar los elementos pasionales, violentos y orientalistas en medio de sus temas mitológicos, como precedentes de la radicalización de esos mismos elementos en el arte de fines del siglo XIX. Así, en lugar de oponer sencillamente modernismo y Romanticismo, la exposición apuesta por una más sutil línea de continuidad.


City of the Soul: Rome and the Romantics
NUEVA YORK (Estados Unidos) - Morgan Library and Museum
Del 17 de junio al 11 de septiembre


The Birth of Modernity: the Art of Drawing in the 19th Century from C.D. Friedrich to Van Gogh
BERLÍN (Alemania) - Kulturforum
Del 23 de septiembre al 15 de enero de 2017


Arte moderno

Andrzej Wróblewski: Verso / reverso
MADRID (España) - Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Hasta el 28 de febrero

Chófer (Chófer azul), 1948. Colección particular, Varsovia.
Andrzej Wróblewski (1927-1957) es, a pesar de su corta vida, uno de los artistas polacos más importantes del siglo XX. Esta muestra, la primera retrospectiva fuera de su país, permite contemplar su obra más allá de los tópicos reduccionistas del realismo socialista o del arte periférico, a través de los cuales se ha estudiado hasta época reciente el arte de los países en la órbita soviética. Wróblewski fue un artista capaz de trabajar en los límites entre la abstracción y la figuración, de combinar la invención formal con el análisis de la vida cotidiana y de sus límites –la degradación de la guerra y de la política dictatorial– a partir de un profundo compromiso humano y político. La exposición se centra en sus pinturas de doble cara (pintadas por ambos lados: recto y verso), y en dos periodos diferentes del trabajo del artista: sus inicios a finales de los años cuarenta, cuando busca un lenguaje propio, y el final, cuando desencantado con la política del socialismo real intenta redefinir su obra tanto formal como temáticamente.


Matisse y su tiempo
TURÍN (Italia) - Palazzo Chiablese
Hasta el 15 de mayo


Decía: "Sueño con un arte equilibrado, puro, tranquilo". Matisse pasó por todas las vanguardias, de un modo menos disruptivo que Picasso, pero dejando igualmente obras intensas, en las que el tema ya no es la figura, sino la línea, delgada y limpia, serpenteando naturalmente entre los colores más puros y sensuales. El Centro Pompidou ha seleccionado 50 obras de Matisse para su exposición en Turín, colocadas junto a otras obras de Picasso, Renoir, Bonnard, Modigliani, Miró, Braque, entre otros. Con ello no sólo se reconstruye el contexto del arte en la primera mitad del siglo, sino que se perfila también su influencia en artistas de generaciones posteriores, incluido el expresionismo abstracto.


Theo van Doesburg: una nueva expresión de la vida, el arte y la tecnología
BRUSELAS (Bélgica) - Palais de Beaux Arts
Del 26 de febrero al 29 de mayo

Contra-Construction Project, Axonometric, 1923. MoMA.
Compañero y también rival de Mondrian, con quien fundó en 1917 el movimiento De Stijl, Theo van Doesburg fue uno de los pilares de las vanguardias de inicios del siglo XX. El Palais de Beaux Arts de Bruselas exhibe una muestra que se propone revalorizar el importante papel artístico y teórico de este incansable promotor de la abstracción, que en París se adhirió a la poesía dadaísta y que en Weimar enseñó nuevos enfoques sobre la belleza a los arquitectos de la Bauhaus, extendiendo su influencia a la pintura, la arquitectura y el diseño de muebles, modas e interiores.


Edgar Degas: a Strange New Beauty
NUEVA YORK (Estados Unidos) - Museum of Modern Art (MoMA)
Del 26 de marzo al 24 de julio

Homme et femme, en buste, c. 1877–1880. British Museum.
Degas es más conocido como pintor y cronista de ballet; sin embargo, su trabajo como grabador revela el alcance de su experimentación artística. A mediados de la década de 1870, se introdujo al monotipo, proceso de dibujo en tinta sobre una placa de metal que luego se ejecuta a través de una prensa y que por lo general resulta en una sola impresión. Cautivado por el potencial del monotipo, Degas se sumergió en la técnica con enorme entusiasmo, llevándola a extremos radicales. Así amplió las posibilidades del dibujo, creó superficies con una mayor sensación de tacto e inventó nuevos medios para nuevos temas, desde bailarines en movimiento hasta el resplandor de la luz eléctrica, desde mujeres en situaciones íntimas hasta efectos meteorológicos. El monotipo también le permitió experimentar con imágenes que podía reelaborar. Este proceso de repetición y transformación le sirvió para extender su estudio de la forma, dejando al descubierto un nuevo tipo de obra que no trata de llegar a un término, sino de innovar permanentemente. La exposición incluye aproximadamente 120 monotipos raramente vistos, junto a unos 50 cuadros, dibujos, pasteles, esbozos y grabados en los que Degas buscó capturar el espíritu de la vida urbana, así como maneras nuevas y atrevidas de representar el cuerpo.


Wilfredo Lam
MADRID (España) - Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Del 5 de abril al 15 de agosto


Paul Klee: la ironía en obra
PARÍS (Francia) - Centre Pompidou
Del 6 de abril al 1º de agosto

Insula dulcamara, 1938. Zentrum Paul Klee.
Paul Klee (1879-1940) es una de las figuras fundamentales del arte moderno. El Centro Pompidou le dedicará una exposición, en colaboración con el Zentrum Paul Klee de Berna, que gira en torno a la ironía romántica. Entender la obra de Klee a través de este prisma, con sus nociones de sátira y parodia, invita a una lectura sin precedentes de su evolución artística y estética en 250 obras, desde los dibujos satíricos y caricaturas de su infancia hasta sus años de crisis (1935-1940), pasando por el cubismo, el constructivismo y la Bauhaus.


Kandinsky, Marc and Der Blaue Reiter
BASILEA (Suiza) - Fondation Beyeler
Del 4 de septiembre al 15 de enero de 2017


Foreign Gods: Tribal Art in the Context of Modernism
VIENA (Austria) - Leopold Museum
Del 23 de septiembre al 9 de enero de 2017

Max Pechstein, Naturaleza muerta con estatuas negras, 1918. Leopold Museum.
El arte tribal ha sido fundamental en el giro que tomó el arte occidental a inicios del siglo XX. Pablo Picasso, Amedeo Modigliani, Emil Nolde, Max Ernst y Max Pechstein, entre otros, fueron notoriamente influenciados por él, tomándolo como un modelo de lo que el arte moderno debía ser o lograr transmitir. El Leopold Museum exhibirá obras de estos artistas en paralelo con 200 objetos de arte tribal de la colección que perteneció a Rudolf Leopold.


Yves Klein
LIVERPOOL (Reino Unido) - Tate
Del 21 de octubre al 12 de marzo de 2017


Arte contemporáneo

Carsten Höller: Doubt
MILÁN (Italia) - Hangar Bicocca
Del 7 de abril al 31 de julio


Carsten Höller (Bruselas, 1961) se inspira en la investigación científica y la experimentación para explorar y transformar el espacio de la exposición a través de instalaciones y esculturas que desafían la percepción del observador y ponen en cuestión la idea misma del arte. Doubt presenta una amplia selección de obras históricas y nuevos proyectos que alteran las sensaciones físicas y psicológicas de los ciudadanos y que desestabilizan las certezas del mundo que les rodea.


Peter Fischli y David Weiss
NUEVA YORK (Estados Unidos) - Solomon R. Guggenheim Museum
Del 5 de febrero al 20 de abril

De la serie de fotografías titulada "Equilibres".


Marcel Broodthaers
NUEVA YORK (Estados Unidos) - Museum of Modern Art (MoMA)
Del 14 de febrero al 15 de mayo

White Cabinet and White Table, 1965. MoMA.
Marcel Broodthaers (1924-1976) es uno de los artistas contemporáneos más apreciados por la crítica de arte y por los propios artistas. Sin embargo, es también uno de los menos conocidos por el público en general. En vista de ello, el MoMA ha querido organizar en Nueva York una retrospectiva del artista, cineasta y poeta belga, con alrededor de 200 obras suyas en distintos medios y formatos.


Christo: The Floating Piers
Lago d'Iseo (Italia)
Del 18 de junio al 3 de julio

The Floating Piers (proyecto para el lago Iseo), 2014.

The Floating Piers (proyecto para el lago Iseo), 2014.
El artista de origen búlgaro, cuyas intervenciones artísticas (creadas con Jeanne-Claude, que murió en 2009) causan no poca sorpresa, especialmente por su carácter efímero, regresa a Italia después de 40 años para hacer un paseo de dos kilómetros en tierra y otros tres en diques flotantes, cubiertos con 90 mil metros cuadrados de tela de poliamida brillante amarilla. Se espera que esta estructura temporal sea utilizable por más de 17 mil visitantes al mismo tiempo.


Cy Twombly
PARÍS (Francia) - Centre Pompidou
Del 30 de noviembre al 24 de abril de 2017

Blooming, 2001-2008. Fondazione Nicola del Roscio.
El Centre Pompidou le dedicó en 1988 una retrospectiva y en 2004 realizó una muestra de 50 años de sus dibujos. En 2016-2017 se prevé una gran retrospectiva de toda su obra. Se trazará toda la carrera del artista estadounidense, que murió en 2011, caracterizado por sus garabatos, caligrafías y grafitis de gran formato.


Robert Rauschenberg
LONDRES (Reino Unido) - Tate Modern
Del 1º de diciembre al 2 de abril de 2017

Monogram, 1955-1959. Moderna Museet.
Moviéndose entre la pintura, la escultura, la fotografía, la impresión, la instalación y la performance, Robert Rauschenberg se negó a aceptar límites convencionales en su arte y en su vida. El Tate Modern albergará una amplia retrospectiva de toda su trayectoria artística.


Fotografía

Martín Chambi
LIMA (Perú) - Museo de Arte de Lima (MALI)
Hasta el 14 de febrero

Víctor Mendívil con Juan de la Cruz Sihuana en el estudio. Cusco, 1925. Copia por Víctor Chambi y Edward Ranney (1978). Archivo Martín Chambi.
El MALI exhibe, desde el año pasado, una gran retrospectiva dedicada al notable fotógrafo puneño Martín Chambi (1891-1973). Son cerca de 400 fotografías y documentos que incluyen autorretratos, retratos de estudio, imágenes del Cusco moderno y de sitios arqueológicos como Machu Picchu. A ello se suman registros etnográficos, postales, cámaras fotográficas y documentos de época. Además de mostrar la evolución de su trabajo fotográfico, la exposición logra inscribir a Chambi, con rigor y precisión, dentro del movimiento indigenista de los años 1920 y 1930.


Kurt Klagsbrunn, un fotógrafo humanista en Río (1940-1960)
RÍO DE JANEIRO (Brasil) - Museu de Arte do Rio
Hasta el 16 de febrero

Pausa para o café. Minas Gerais, 1947. Coleção Marta e Victor Klagsbrunn.


Daido Moriyama
PARÍS (Francia) - Fondation Cartier pour l’Art Contemporain
Del 6 de febrero al 29 de mayo


Moriyama es una de las figuras más importantes de la fotografía japonesa contemporánea. Nacido cerca de Osaka, en 1938, fue testigo de los espectaculares cambios que se desplegaron en Japón en las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial e hizo de ello uno de los principales temas de su obra. Pero Moriyama también inventó un nuevo lenguaje visual en sus trabajos a partir de mediados de la década de 1960. Frenético y atormentado, representó una realidad granulada, borrosa y fuera de foco. En 2004, la Fondation Cartier organizó una exposición individual sobre sus trabajos en blanco y negro. Su menos conocida fotografía en color será la protagonista en esta nueva exposición, en la que revela, en su peculiar mirada, los barrios subterráneos de Tokio.


Robert Mapplethorpe
LOS ANGELES (Estados Unidos)
Del 15 de marzo al 31 de julio - J. Paul Getty Museum
Del 20 de marzo al 31 de julio - Los Angeles County Museum of Art


Diane Arbus: In the Beginning
NUEVA YORK (Estados Unidos) - The Met Breuer
Del 12 de julio al 27 de noviembre

The Backwards Man in his Hotel Room, N.Y.C., 1961. The Estate of Diane Arbus.
Aunque actualmente es ya una fotógrafa reconocida en todo el mundo, la neoyorquina Diane Arbus (1923-1971) tuvo que lidiar con una estética del retrato fotográfico que en su momento era sumamente limitada, tanto respecto del contenido como formalmente. Basta recordar que un visitante escupió sobre una de sus fotografías expuestas en el MoMA en 1967. Se trataba de su "A young man in curlers at home on West 20th Street" (1966). Incluso intelectuales como Susan Sontag rechazaban su obra calificándola de explotadora, inhumana y anti-patriótica. Inspirada por Brassaï, por Weegee y especialmente por su mentora, Lisette Model, Arbus retrató a gemelos, enanos, prostitutas, albinos, travestis, ciegos, parejas extrañas e incluso a personas comunes y normales capturadas en ese preciso gesto o aspecto que acerca a cualquiera a verse extraño, anormal. Arbus no era explícita y por ello sus retratos no caen en la crudeza ni en el ridículo. Hay más bien algo perturbadoramente ambiguo en sus composiciones, que eran siempre muy cuidadosamente preparadas, y en sus sujetos. Ese trabajo de preparación y edición, que se aprecia en sus hojas de contacto, es generalmente desconocido. Lo es también su obra temprana (1956-1962), compuesta por fotografías de moda y pequeños proyectos personales. Esta exposición tiene por objeto mostrar esos primeros retratos, ya independizada de su marido, en los que se aprecia su disciplinado trabajo en busca de un estilo personal. Son alrededor de 105 fotografías, de las cuales muy pocas han sido antes publicadas.

domingo, 1 de noviembre de 2015

La noche embrujada de Charles Ives



Leonard Bernstein decía que nadie había representado el sonido propiamente estadounidense mejor que aquél que lo fundó a inicios del siglo XX: el poco conocido, estudiado y comprendido Charles Ives. Y es cierto. Ese sonido deudor de la vieja tradición europea pero completamente fresco, libre, explorando territorios desconocidos, salvajes...

El temor a la brujería es un temor a lo que se esconde debajo de nuestra muy cómoda razón y de nuestra moral. Se le puede llamar inconsciente, si se quiere, pero es sencillamente la nada sobre la cual construimos nuestros castillos. Creemos que hay una sólida roca donde, en el fondo, no hay nada. La mayoría de nosotros necesita escapar de esa nada que nos aterroriza sometiendo al absurdo todas nuestras convicciones, aun cuando eso suponga encerrarnos en una prisión de certezas ficticias, contentarnos con la luz muerta de lo fijo. De vez en cuando, sin embargo, surge un espíritu libre como el de Ives, uno que renuncia a esa prisión autocomplaciente y se sumerge en aquello que no conoce con sus mejores armas. En realidad, no es un espíritu tan libre, porque no tiene opción, como bien sabían los griegos trágicos: no podría hacer algo distinto. Quien está destinado a quebrar las reglas, no dejara de hacerlo aunque ellas le prometan un paraíso y aunque ello sólo pueda llevarlo a quebrarse él mismo. En todo caso, así, bien entendida, la libertad del espíritu estadounidense no es sino ésa, que aparece con claridad y contundencia en el sonido moderno de Ives, ese que se dirige a parques oscuros y preguntas sin respuesta.

Quizás Ives lo sabía, precisamente, porque su máscara cotidiana era la venta de seguros. Era un vendedor exitoso, por cierto, pero eso debe haberlo ayudado a percibir la fragilidad de todo empeño humano. Lo mejor que uno puede hacer dentro de esa pequeña parcela que se nos concede es jugar con la mayor libertad que podamos. Por eso Ives no busca desconcertar sin más, como puede quererlo cualquier atonalista, sino que lo suyo es hacer que la escucha que nos es familiar se vuelva la menos familiar y cómoda de las escuchas. Tal como le sucedía seguramente a él mismo, a partir de ese viejo sonido de las bandas que escuchó en su infancia, en su Connecticut natal. Este es el sentido de su politonalidad. Su elemento y sus herramientas son clásicas, pero lo que hace con ellas nos conduce a lo que Bernstein llamaba un "auténtico primitivismo"; uno que no puede pasar por ser simple falta de talento, como en muchos otros casos. Cuánto derroche de talento hay, más bien, en su música, Incluso en los poco más de dos minutos que duran aquellos breves e impetuosos sonidos con que nos presenta esa noche que saca a la luz, como una máscara o un disfraz, aquello que no es sino la oscura realidad que negamos y frente a la cual vivimos de espaldas. Lo que creemos real, normal, consciente, domeñable... no son sino otros disfraces que nos ponemos a diario para no encontrarnos de pronto en esa noche: la noche de todos los valores y de todas las reglas.

Qué cerca está Ives de abismarnos en esa noche, pero ella pasa como si hubiese sólo sido un sueño, una pesadilla, un embrujo, y podemos seguir viviendo. Solamente que, esta vez, un poco más libres. Ives sabía que eso es lo que finalmente importa.



sábado, 15 de agosto de 2015

Cursos sobre música metal en universidades


Los programas académicos sobre música popular están aumentando de modo considerable en los últimos años en diversas universidades, principalmente europeas y norteamericanas, abarcando géneros que, aunque poseen algunas décadas de antigüedad en la historia de la música, no se abordaban al no ser incluidos dentro de las expresiones folclóricas tradicionales. Dentro de ellos, los géneros que cada vez adquieren más presencia son el blues, el rock, el punk y el metal. A continuación ofrezco una lista de algunos de los cursos que se están realizando sobre metal en algunas universidades de todo el mundo. Esta información puede ser útil para quienes pudiesen estar interesados en llevar cursos de intercambio. Por eso sólo se toma como referencia los cursos dictados en los últimos cinco años. La lista, desde luego, no puede ser permanentemente actualizada, pero será ampliada en cuanto tenga información de más cursos.




ALEMANIA

Humboldt-Universität (Berlín)
Thomas Hilder - "Von Joik bis Viking Metal. Was ist 'Nordisch' an nordischer Musik"
2015, semestre de verano, seminario (alemán)
2013, semestre de verano, seminario (inglés)

Georg-August-Universität (Gottinga)
Britta Lesniak - "Hardcore, Metal, Punk: 'Harte' Musik aus Perspektive der kulturellen Musikwissenschaft"
2014-15, semestre de invierno, seminario

Universität Siegen (Siegen)
Florian Heesch - "The Art of Dying: Der Tod im Heavy Metal"
2014-15, semestre de invierno, seminario

Florian Heesch - "Gewalt und Aggressivität im Heavy Metal"
2013-14, semestre de invierno, seminario

Universität Hildesheim (Hildesheim)
Thomas Hilder - "Von Joik bis Black Metal. Was ist 'Nordisch' an nordischer Musik"
2014-15, semestre de invierno, seminario (alemán)
2012-13, semestre de invierno, seminario (inglés)

Stefan Wurz - "Die Musik des Metal"
2012-13, semestre de invierno, seminario con prácticas

Johannes-Gutenberg-Universität (Mainz)
Thorsten Hindrichs - "Welcome to my Nightmare: Heavy Metal und Theatralität"
2014, semestre de verano, seminario

Ernst Moritz Arndt Universität (Greifswald)
Martin Loeser - "Heavy Metal"
2014, semestre de verano, seminario

Westfälische Wilhelms-Universität (Münster)
Magnus Nilsson - "Skandinavischer Heavy Metal"
2014, semestre de verano, seminario

Hochschule für Musik Franz Liszt (Weimar)
Wolf-Georg Zaddach - "The Number of the Beast. Vom Hardrock zum Extreme Metal von 1970 bis 2013"
2014, semestre de verano, seminario

Ludwig-Maximilians Universität (Munich)
Angelika Möller - "'This is Spınal Tap': Heavy Metal and Hard Rock in American Popular Culture"
2014, curso

Universität Köln (Colonia)
Marcus Erbe - "Extreme Metal: Theoretische Perspektiven auf eine marginale Musikkultur"
2013, semestre de verano, seminario

Marcus Erbe - "Post/Hard/Metal/Death/Core und (k)ein bisschen heavy? Prozesse der Stabilisierung und Destabilisierung musikalischer Genres"
2009-10, semestre de invierno, seminario

Universität für Musik und darstellende Kunst (Graz)
Charalampos Efthymiou - "Hard Rock und Heavy Metal: Musikhistorische und -analytische Aspekte des 'harten' Sounds der 70er, 80er und 90er Jahre"
2012-13, semestre de invierno, lecciones
2012, semestre de verano, lecciones

Folkwang-Hochschule (Essen)
Andreas Jacob - "Hard Rock/Heavy Metal"
2012, semestre de verano, seminario

Hochschule für Musik Theater und Medien (Hannover)
Florian Heesch - "Seek & Destroy: Aggression und Gewalt im Heavy Metal"
2011-12, semestre de invierno, seminario

Hochschule für Musik (Colonia)
Dietmar Elflein - "The History of the Beast: Voraussetzungen und Entwicklungslinien des Heavy Metal (Blockveranstaltung)"
2011-12, semestre de invierno, seminario

Hochschule für Musik (Detmold)
Simon Brinkmann - "'In your fuckin´ face!': Stilanalysen gegenwärtiger Hardcore- und Metalszenen"
2009, semestre de verano, seminario


AUSTRIA

Universität Wien (Viena)
Nikolaus Urbanek - "Lachenmann auf dem iPod. Metallica im Konzerthaus? Aktuelle Herausforderungen der Musikphilosophie"
2014, semestre de verano, seminario


BRASIL

Universidad Federal Fluminense (Niterói)
Melina Santos - "Theory of Heavy Metal"
2015, curso


CANADÁ

University of Calgary (Alberta)
Brad Mahon & Ralph Maier - "History of Heavy Metal"
2013, semestre de invierno, curso


FINLANDIA

University of Helsinki (Helsinki)
Paolo Ribaldini - "Heavy Metal Music in Contemporary History and Society"
2015, curso


UK

New College Nottingham (Nottingham)
Heavy Metal Degree
Desde 2013, carrera de dos años


USA

Miami University (Ohio)
Brian Kirkmeyer - "Metal on Metal: Engineering and Globalization in Heavy Metal Music"
2009-2015, curso

Columbia University (Nueva York)
Juliet Forshaw - "Heavy Metal: A Music, Culture, and Philosophy of Negativity"
2013, seminario

jueves, 21 de mayo de 2015

La respuesta de Toscanini (Kleiber) a Celibidache desde el Paraíso



Scherzo de la Tercera de Bruckner, en la inmejorable versión de Celibidache

Son bien conocidas las opiniones, no precisamente lisonjeras, con que el gran director Sergiu Celibidache se refería a casi la totalidad de sus colegas. Declarado seguidor del budismo zen (véase al respecto el documental Le Jardin de Celibidache, dirigido por su hijo), el director rumano no se reservaba sus severos juicios cuando se los pedían. Muchos de ellos constan en una entrevista que dio en 1989 a la revista Der Spiegel. Allí dijo que Herbert von Karajan, sin duda el más afamado director del siglo pasado, que le ganó con una jugada astuta la sucesión de Furtwängler en Berlín, era "horrible, o es un hombre de negocios o es que no puede oír". Hans Knappertsbusch, que para algunos tiene la mejor versión de la tetralogía wagneriana, le parecía un escándalo, "la negación de la música hasta lo inconcebible". A Karl Böhm, dirigiendo a Mozart, lo calificó como "un saco de patatas, no ha dirigido una sola nota de música en su vida". Del italiano Arturo Toscanini pensaba que fue "una mera fábrica de notas". Claudio Abbado era para él un director absolutamente falto de talento, "un tormento", a lo que agregaba que él podía sobrevivir tres semanas sin comer pero que, con tres horas en un concierto de Abbado, le daba un infarto de miocardio. Riccardo Muti le parecía en cambio algo talentoso, pero un ignorante. A Zubin Mehta y Leonard Bernstein los consideraba ajenos a su mundo. E incluso de un filósofo, de Theodor W. Adorno, opinaba que había sido el mayor charlatán de la historia.

Sergiu Celibidache

Al menos en lo de Adorno tenía razón (y es entendible la discrepancia desde su aproximación fenomenológica a la música en general y a la dirección orquestal en particular), pero, volviendo sobre los directores, uno al que Celibidache no se refirió y que era no menos radical y perfeccionista, aunque sí mucho más reservado, el alemán Carlos Kleiber, dejó su habitual silencio para enviar una respuesta al Der Spiegel. En ella afirmaba haber recibido un telegrama desde el Paraíso, dirigido a Celibidache y firmado por Toscanini. Sin más, el texto de dicho telegrama era el siguiente:

Arturo Toscanini

Télex de Toscanini (Cielo) a Celibidache (Munich) 
¡Querido Sergiu!
Hemos leído de ti en Der Spiegel. Eres irritante, pero te perdonamos. No nos queda otro remedio: el perdonar aquí pertenece al buen tono. 
Charlie-Sacodepatatas (1) ha levantado algunas objeciones, pero cuando Kna (2) y yo le hemos asegurado que él es musical, ha dejado de lamentarse. Wilhelm (3) se obstina ahora en afirmar de improviso que jamás ha oído tu nombre. Papá Joseph (4), Wolfgang Amadeus (5), Ludwig (6), Johannes (7) y Anton (8) dicen que ellos prefieren los segundos violines en el lado derecho, y que tus tempi son todos erróneos. Pero realmente eso les importa una mierda. Aquí arriba no pueden a uno importarle esas cosas una mierda, el Jefe no lo quiere. 
Un viejo maestro zen que vive aquí al lado dice que has entendido el budismo zen del todo equivocadamente. Bruno (9) se ha puesto medio malo de la risa leyendo tus observaciones. Tengo la sospecha de que comparte en secreto tu juicio sobre mí y sobre Charlie. Para variar, quizá podrías decir también algo ordinario sobre él, si no, va a sentirse excluido.
Lamento decírtelo, pero aquí todos andamos locos por Herbert (10), los directores están incluso un poquito celosos de él. Apenas vamos a poder aguardar quince o veinte años para darle cordialmente la bienvenida. Pero se dice que allí donde irás se cocina mejor, y que allá abajo las orquestas ensayan innecesariamente. Incluso hacen pequeñas faltas adrede, con lo que podrás corregirlas por toda la eternidad. Estoy seguro de que eso te gustaría, Sergiu.
Aquí arriba todos los ángeles leen directamente de los ojos de los compositores, y nosotros, los directores, sólo tenemos que escuchar. Sólo Dios sabe cómo he llegado yo hasta aquí.
Te deseo que lo pases muy bien, con todo afecto,
Arturo

(1) Karl Böhm (2) Knappertsbusch (3) Furtwängler (4) Haydn (5) Mozart (6) Beethoven (7) Brahms (8) Bruckner (9) Bruno Walter (10) Karajan


Carlos Kleiber

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