Exposiciones de arte destacadas para comenzar el 2016

Habiendo comenzado ya un nuevo año, vale la pena hacer un recuento de las exposiciones de arte que destacan para el 2016. Algunas continúan del año pasado, mientras que otras serán inauguradas en los próximos meses.

Arte renacentista

Hieronymus Bosch: Visiones de un genio

DEN BOSCH (Holanda) - Het Noordbrabants Museum
Del 13 de febrero al 8 de mayo

MADRID (España) - Museo Nacional del Prado
Del 31 de mayo al 11 de septiembre

El carro de heno (c. 1516, Museo Nacional del Prado) es una de las obras que se exhibirán del maestro neerlandés, influido por la filosofía mística de Meister Eckhart.

Con ocasión del quinto centenario de su muerte, el Noordbrabants Museum y el Museo Nacional del Prado organizan la mayor exhibición que se haya hecho de las obras de Hyeronimus Bosch (El Bosco), uno de los más sugerentes y reconocidos pintores flamencos de inicios del Renacimiento. La exhibición, que cuenta con obras prestadas del Museo del Prado (como el tríptico El carro de heno, c. 1516), del Louvre (como La nave de los locos, 1500-1510) y de la Gallerie dell'Accademia de Venecia (como la Visión del Más Allá, c. 1486), tendrá lugar en su pueblo natal, Den Bosch, hasta el mes de mayo, luego de lo cual se trasladará a Madrid. La muestra cuenta además con doce paneles recién restaurados por diversas instituciones en el marco del Bosch Research and Conservation Project, polémico por haber cuestionado la autoría de algunas de las obras antes aceptadas como indudablemente propias de El Bosco. Por último, también de mayo a septiembre, pero en Berlín, se llevará a cabo una muestra de pintores influidos por El Bosco durante los dos siglos siguientes:

Hieronymus Bosch and his Imagery in the 16th and 17th Centuries

BERLÍN (Alemania) - Gemäldegalerie
Del 31 de mayo al 11 de septiembre

In the Age of Giorgione
LONDRES (Reino Unido) - Royal Academy of Arts
Del 12 de marzo al 5 de junio

El atardecer (Il tramonto), 1506-1510. The National Gallery, London.

En la Venecia de principios del siglo XVI, cuando Bellini dominaba en el arte de la ciudad, un grupo de jóvenes empezaron a desarrollar nuevas propuestas mientras eran visitados por Durero y Da Vinci. El más conocido de ellos es Tiziano, pero antes de él estuvo el misterioso Giorgione. Esta exposición busca develar la red de influencias que se generó en ese grupo y que moldearon el nuevo arte veneciano a partir de su primer exponente, muerto prematuramente pero que dejó un intenso legado. Junto a las de Giorgione se exponen obras de Bellini, Durero, Tiziano, Sebastiano del Piombo, Lorenzo Lotto y Giovanni Cariani, entre otros. En esas obras, a través del retrato, la pintura religiosa y el nuevo género de los paisajes, se constituyeron la belleza idealizada, la fuerza expresiva y el uso sensual del color que caracterizaron a la pintura del Renacimiento veneciano.


Adriaen van de Velde: Maestro del paisajismo holandés
AMSTERDAM (Holanda) - Rijksmuseum
Del 24 de junio al 18 de septiembre

Landscape with horses and cattle, 1669. Frits Lugt Collection.

Adriaen van de Velde (1636-1672) es uno de los más grandes artistas del Siglo de Oro holandés. Sin embargo, su nombre es apenas conocido por el público en general. Por eso el Rijksmuseum exhibirá 25 pinturas y 40 dibujos que muestran su maestría y su influencia en el desarrollo del paisajismo, a pesar de su corta vida.


Hubert Robert, 1733-1808
PARÍS (Francia) - Musée du Louvre
Del 7 de marzo al 30 de mayo

WASHINGTON DC (Estados Unidos) - National Gallery of Art
Del 26 de junio al 2 de octubre

Luego de la Revolución francesa, Hubert Robert, pintor cercano a Luis XVI, sobrevivió por suerte al régimen de Robespierre, cuando los guardias mandaron a la guillotina al hombre equivocado. Tras la conversión del Palacio del Louvre en Museo Nacional, se le nombró como asesor artístico.


Beyond Caravaggio
LONDRES (Reino Unido) - National Gallery
Del 12 de octubre al 15 de enero de 2017

"Más allá de Caravaggio" es la primera gran exhibición en Reino Unido dedicada a explorar el influjo de las obras del pintor realista entre sus contemporáneos y seguidores. Artistas como Gentileschi, Valentin y Honthorst, entre otros, bebieron diversos aspectos de su obra, ayudando a consolidar el movimiento que se conoció como "caravaggismo", el cual motivó la respuesta del maniqueísmo.

Arte romántico

Charles Gleyre (1806-1874): the Repentant Romantic

PARÍS (Francia) - Musée d’Orsay
Del 10 de mayo al 11 de septiembre

Les Romains passant sous le joug, 1858. Musée cantonal des Beaux-Arts.

Se trata de la primera exposición enteramente dedicada al pintor suizo en suelo francés, a pesar de ser bien conocido que por el influyente taller de Gleyre en París pasaron jóvenes artistas como Auguste Renoir y Claude Monet. Más allá de su claro academicismo decimonónico, por el cual ha sido a veces menospreciado, la muestra busca resaltar los elementos pasionales, violentos y orientalistas en medio de sus temas mitológicos, como precedentes de la radicalización de esos mismos elementos en el arte de fines del siglo XIX. Así, en lugar de oponer sencillamente modernismo y Romanticismo, la exposición apuesta por una más sutil línea de continuidad.


City of the Soul: Rome and the Romantics
NUEVA YORK (Estados Unidos) - Morgan Library and Museum
Del 17 de junio al 11 de septiembre

The Birth of Modernity: the Art of Drawing in the 19th Century from C.D. Friedrich to Van Gogh

BERLÍN (Alemania) - Kulturforum
Del 23 de septiembre al 15 de enero de 2017

Arte moderno

Andrzej Wróblewski: Verso / reverso
MADRID (España) - Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Hasta el 28 de febrero

Chófer (Chófer azul), 1948. Colección particular, Varsovia.

Andrzej Wróblewski (1927-1957) es, a pesar de su corta vida, uno de los artistas polacos más importantes del siglo XX. Esta muestra, la primera retrospectiva fuera de su país, permite contemplar su obra más allá de los tópicos reduccionistas del realismo socialista o del arte periférico, a través de los cuales se ha estudiado hasta época reciente el arte de los países en la órbita soviética. Wróblewski fue un artista capaz de trabajar en los límites entre la abstracción y la figuración, de combinar la invención formal con el análisis de la vida cotidiana y de sus límites –la degradación de la guerra y de la política dictatorial– a partir de un profundo compromiso humano y político. La exposición se centra en sus pinturas de doble cara (pintadas por ambos lados: recto y verso), y en dos periodos diferentes del trabajo del artista: sus inicios a finales de los años cuarenta, cuando busca un lenguaje propio, y el final, cuando desencantado con la política del socialismo real intenta redefinir su obra tanto formal como temáticamente.

Matisse y su tiempo

TURÍN (Italia) - Palazzo Chiablese

Hasta el 15 de mayo

Decía: "Sueño con un arte equilibrado, puro, tranquilo". Matisse pasó por todas las vanguardias, de un modo menos disruptivo que Picasso, pero dejando igualmente obras intensas, en las que el tema ya no es la figura, sino la línea, delgada y limpia, serpenteando naturalmente entre los colores más puros y sensuales. El Centro Pompidou ha seleccionado 50 obras de Matisse para su exposición en Turín, colocadas junto a otras obras de Picasso, Renoir, Bonnard, Modigliani, Miró, Braque, entre otros. Con ello no sólo se reconstruye el contexto del arte en la primera mitad del siglo, sino que se perfila también su influencia en artistas de generaciones posteriores, incluido el expresionismo abstracto.

Theo van Doesburg: una nueva expresión de la vida, el arte y la tecnología

BRUSELAS (Bélgica) - Palais de Beaux Arts
Del 26 de febrero al 29 de mayo

Contra-Construction Project, Axonometric, 1923. MoMA.

Compañero y también rival de Mondrian, con quien fundó en 1917 el movimiento De Stijl, Theo van Doesburg fue uno de los pilares de las vanguardias de inicios del siglo XX. El Palais de Beaux Arts de Bruselas exhibe una muestra que se propone revalorizar el importante papel artístico y teórico de este incansable promotor de la abstracción, que en París se adhirió a la poesía dadaísta y que en Weimar enseñó nuevos enfoques sobre la belleza a los arquitectos de la Bauhaus, extendiendo su influencia a la pintura, la arquitectura y el diseño de muebles, modas e interiores.


Edgar Degas: a Strange New Beauty
NUEVA YORK (Estados Unidos) - Museum of Modern Art (MoMA)
Del 26 de marzo al 24 de julio

Homme et femme, en buste, c. 1877–1880. British Museum.

Degas es más conocido como pintor y cronista de ballet; sin embargo, su trabajo como grabador revela el alcance de su experimentación artística. A mediados de la década de 1870, se introdujo al monotipo, proceso de dibujo en tinta sobre una placa de metal que luego se ejecuta a través de una prensa y que por lo general resulta en una sola impresión. Cautivado por el potencial del monotipo, Degas se sumergió en la técnica con enorme entusiasmo, llevándola a extremos radicales. Así amplió las posibilidades del dibujo, creó superficies con una mayor sensación de tacto e inventó nuevos medios para nuevos temas, desde bailarines en movimiento hasta el resplandor de la luz eléctrica, desde mujeres en situaciones íntimas hasta efectos meteorológicos. El monotipo también le permitió experimentar con imágenes que podía reelaborar. Este proceso de repetición y transformación le sirvió para extender su estudio de la forma, dejando al descubierto un nuevo tipo de obra que no trata de llegar a un término, sino de innovar permanentemente. La exposición incluye aproximadamente 120 monotipos raramente vistos, junto a unos 50 cuadros, dibujos, pasteles, esbozos y grabados en los que Degas buscó capturar el espíritu de la vida urbana, así como maneras nuevas y atrevidas de representar el cuerpo.


Wilfredo Lam
MADRID (España) - Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Del 5 de abril al 15 de agosto

Paul Klee: la ironía en obra
PARÍS (Francia) - Centre Pompidou
Del 6 de abril al 1º de agosto

Insula dulcamara, 1938. Zentrum Paul Klee.

Paul Klee (1879-1940) es una de las figuras fundamentales del arte moderno. El Centro Pompidou le dedicará una exposición, en colaboración con el Zentrum Paul Klee de Berna, que gira en torno a la ironía romántica. Entender la obra de Klee a través de este prisma, con sus nociones de sátira y parodia, invita a una lectura sin precedentes de su evolución artística y estética en 250 obras, desde los dibujos satíricos y caricaturas de su infancia hasta sus años de crisis (1935-1940), pasando por el cubismo, el constructivismo y la Bauhaus.


Kandinsky, Marc and Der Blaue Reiter
BASILEA (Suiza) - Fondation Beyeler
Del 4 de septiembre al 15 de enero de 2017


Foreign Gods: Tribal Art in the Context of Modernism
VIENA (Austria) - Leopold Museum
Del 23 de septiembre al 9 de enero de 2017

Max Pechstein, Naturaleza muerta con estatuas negras, 1918. Leopold Museum.

El arte tribal ha sido fundamental en el giro que tomó el arte occidental a inicios del siglo XX. Pablo Picasso, Amedeo Modigliani, Emil Nolde, Max Ernst y Max Pechstein, entre otros, fueron notoriamente influenciados por él, tomándolo como un modelo de lo que el arte moderno debía ser o lograr transmitir. El Leopold Museum exhibirá obras de estos artistas en paralelo con 200 objetos de arte tribal de la colección que perteneció a Rudolf Leopold.


Yves Klein
LIVERPOOL (Reino Unido) - Tate
Del 21 de octubre al 12 de marzo de 2017

Arte contemporáneo

Carsten Höller: Doubt

MILÁN (Italia) - Hangar Bicocca

Del 7 de abril al 31 de julio

Carsten Höller (Bruselas, 1961) se inspira en la investigación científica y la experimentación para explorar y transformar el espacio de la exposición a través de instalaciones y esculturas que desafían la percepción del observador y ponen en cuestión la idea misma del arte. Doubt presenta una amplia selección de obras históricas y nuevos proyectos que alteran las sensaciones físicas y psicológicas de los ciudadanos y que desestabilizan las certezas del mundo que les rodea.

Peter Fischli y David Weiss
NUEVA YORK (Estados Unidos) - Solomon R. Guggenheim Museum
Del 5 de febrero al 20 de abril

De la serie de fotografías titulada "Equilibres".

Marcel Broodthaers
NUEVA YORK (Estados Unidos) - Museum of Modern Art (MoMA)
Del 14 de febrero al 15 de mayo

White Cabinet and White Table, 1965. MoMA.

Marcel Broodthaers (1924-1976) es uno de los artistas contemporáneos más apreciados por la crítica de arte y por los propios artistas. Sin embargo, es también uno de los menos conocidos por el público en general. En vista de ello, el MoMA ha querido organizar en Nueva York una retrospectiva del artista, cineasta y poeta belga, con alrededor de 200 obras suyas en distintos medios y formatos.

Christo: The Floating Piers

Lago d'Iseo (Italia)

Del 18 de junio al 3 de julio

The Floating Piers (proyecto para el lago Iseo), 2014.

The Floating Piers (proyecto para el lago Iseo), 2014.

El artista de origen búlgaro, cuyas intervenciones artísticas (creadas con Jeanne-Claude, que murió en 2009) causan no poca sorpresa, especialmente por su carácter efímero, regresa a Italia después de 40 años para hacer un paseo de dos kilómetros en tierra y otros tres en diques flotantes, cubiertos con 90 mil metros cuadrados de tela de poliamida brillante amarilla. Se espera que esta estructura temporal sea utilizable por más de 17 mil visitantes al mismo tiempo.

Cy Twombly

PARÍS (Francia) - Centre Pompidou

Del 30 de noviembre al 24 de abril de 2017

Blooming, 2001-2008. Fondazione Nicola del Roscio.

El Centre Pompidou le dedicó en 1988 una retrospectiva y en 2004 realizó una muestra de 50 años de sus dibujos. En 2016-2017 se prevé una gran retrospectiva de toda su obra. Se trazará toda la carrera del artista estadounidense, que murió en 2011, caracterizado por sus garabatos, caligrafías y grafitis de gran formato.

Robert Rauschenberg

LONDRES (Reino Unido) - Tate Modern

Del 1º de diciembre al 2 de abril de 2017

Monogram, 1955-1959. Moderna Museet.

Moviéndose entre la pintura, la escultura, la fotografía, la impresión, la instalación y la performance, Robert Rauschenberg se negó a aceptar límites convencionales en su arte y en su vida. El Tate Modern albergará una amplia retrospectiva de toda su trayectoria artística.

Fotografía

Martín Chambi
LIMA (Perú) - Museo de Arte de Lima (MALI)
Hasta el 14 de febrero

Víctor Mendívil con Juan de la Cruz Sihuana en el estudio. Cusco, 1925. Copia por Víctor Chambi y Edward Ranney (1978). Archivo Martín Chambi.

El MALI exhibe, desde el año pasado, una gran retrospectiva dedicada al notable fotógrafo puneño Martín Chambi (1891-1973). Son cerca de 400 fotografías y documentos que incluyen autorretratos, retratos de estudio, imágenes del Cusco moderno y de sitios arqueológicos como Machu Picchu. A ello se suman registros etnográficos, postales, cámaras fotográficas y documentos de época. Además de mostrar la evolución de su trabajo fotográfico, la exposición logra inscribir a Chambi, con rigor y precisión, dentro del movimiento indigenista de los años 1920 y 1930.

Kurt Klagsbrunn, un fotógrafo humanista en Río (1940-1960)

RÍO DE JANEIRO (Brasil) - Museu de Arte do Rio

Hasta el 16 de febrero

Pausa para o café. Minas Gerais, 1947. Coleção Marta e Victor Klagsbrunn.

Daido Moriyama
PARÍS (Francia) - Fondation Cartier pour l’Art Contemporain
Del 6 de febrero al 29 de mayo

Moriyama es una de las figuras más importantes de la fotografía japonesa contemporánea. Nacido cerca de Osaka, en 1938, fue testigo de los espectaculares cambios que se desplegaron en Japón en las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial e hizo de ello uno de los principales temas de su obra. Pero Moriyama también inventó un nuevo lenguaje visual en sus trabajos a partir de mediados de la década de 1960. Frenético y atormentado, representó una realidad granulada, borrosa y fuera de foco. En 2004, la Fondation Cartier organizó una exposición individual sobre sus trabajos en blanco y negro. Su menos conocida fotografía en color será la protagonista en esta nueva exposición, en la que revela, en su peculiar mirada, los barrios subterráneos de Tokio.


Robert Mapplethorpe
LOS ANGELES (Estados Unidos)
Del 15 de marzo al 31 de julio - J. Paul Getty Museum
Del 20 de marzo al 31 de julio - Los Angeles County Museum of Art

Diane Arbus: In the Beginning
NUEVA YORK (Estados Unidos) - The Met Breuer
Del 12 de julio al 27 de noviembre

The Backwards Man in his Hotel Room, N.Y.C., 1961. The Estate of Diane Arbus.

Aunque actualmente es ya una fotógrafa reconocida en todo el mundo, la neoyorquina Diane Arbus (1923-1971) tuvo que lidiar con una estética del retrato fotográfico que en su momento era sumamente limitada, tanto respecto del contenido como formalmente. Basta recordar que un visitante escupió sobre una de sus fotografías expuestas en el MoMA en 1967. Se trataba de su "A young man in curlers at home on West 20th Street" (1966). Incluso intelectuales como Susan Sontag rechazaban su obra calificándola de explotadora, inhumana y anti-patriótica. Inspirada por Brassaï, por Weegee y especialmente por su mentora, Lisette Model, Arbus retrató a gemelos, enanos, prostitutas, albinos, travestis, ciegos, parejas extrañas e incluso a personas comunes y normales capturadas en ese preciso gesto o aspecto que acerca a cualquiera a verse extraño, anormal. Arbus no era explícita y por ello sus retratos no caen en la crudeza ni en el ridículo. Hay más bien algo perturbadoramente ambiguo en sus composiciones, que eran siempre muy cuidadosamente preparadas, y en sus sujetos. Ese trabajo de preparación y edición, que se aprecia en sus hojas de contacto, es generalmente desconocido. Lo es también su obra temprana (1956-1962), compuesta por fotografías de moda y pequeños proyectos personales. Esta exposición tiene por objeto mostrar esos primeros retratos, ya independizada de su marido, en los que se aprecia su disciplinado trabajo en busca de un estilo personal. Son alrededor de 105 fotografías, de las cuales muy pocas han sido antes publicadas.

X Conferencia Regional Latinoamericana y III Conferencia Regional Panamericana de Educación Musical

Si la educación es, en general, un asunto difícil, cuánto más no lo es la educación artística, sobre todo si se asume que lo propio del arte es su indeterminación desde todo punto de vista conceptual o científico, expresada por ejemplo en la imposibilidad de enseñar eso que llamamos genio, y especialmente con la música, que es la menos representacional, la más abstracta de todas las artes. Son muchos, pues, los cuestionamientos que salen a luz. Por ejemplo: ¿qué y cómo comunica la música?, ¿cómo puede lo esencial de la música o de un músico ser enseñado?, ¿hasta qué punto el oído musical se educa o es un don natural?, ¿cómo puede influir la educación en la creatividad?, ¿son las instituciones educativas clásicas medios idóneos para la creatividad?, ¿qué tanto dependen esas instituciones de cánones artísticos demasiado ortodoxos?, ¿cuál es la relación de la escuela musical con la realidad musical de la sociedad? Estas y muchas otras preguntas podrán ser discutidas en la próxima Conferencia Regional de Educación Musical que se llevará a cabo por primera vez en el Perú.

Evento: X Conferencia Regional Latinoamericana y III Conferencia Regional Panamericana de Educación Musical
Tema: "Educación musical en las Américas: Situación actual y desafíos para el futuro"
Institución: Sociedad Internacional de Educación Musical (ISME)
Fechas: 4 al 7 de agosto de 2015
Lugar: Pontificia Universidad Católica del Perú
Idiomas: Castellano, inglés y portugués
Deadline: Envío de ponencias hasta el 31 de marzo de 2015

Convocatoria para la presentación de trabajos

La Facultad de Artes Escénicas, a través de la Especialidad de Música de la Pontificia Universidad Católica de Perú, PUCP, tienen el agrado de convocar a la X Conferencia Regional Latinoamericana de Educación Musical y la III Conferencia Regional Panamericana de Educación Musical de la Sociedad Internacional de Educación Musical (ISME).

En ambos eventos se buscará articular la reflexión y el debate, a partir de la presentación de trabajos de investigación, relatos de experiencias, conferencias plenarias, conciertos y talleres, en los cuales se aborde desde diferentes perspectivas la situación actual y los desafíos de la educación musical en América.

Los eventos se articularán a partir de los siguientes temas específicos:

• Prácticas de enseñanza en educación musical
• Formación de profesores en educación musical
• Educación musical, ciudadanía y comunidades
• Educación musical y políticas educativas
• Educación musical e interdisciplinaridad
• Fundamentos teóricos para la educación musical
• Educación musical, tecnología y nuevos medios
• Educación musical y mercado de trabajo

Presentación de trabajos

Los participantes tendrán la posibilidad de exponer trabajos de investigación en curso, investigación concluida, relato de experiencia, reflexión teórica, taller, curso o actividad artística, enmarcado en uno de los ejes temáticos del evento. Las modalidades de presentación son las siguientes:

1) Comunicaciones orales

Las propuestas de comunicación oral deberán ser enviadas a través de un texto con un máximo de 2000 palabras (sin contar resumen y referencias bibliográficas). Este documento debe utilizar la fuente Times New Roman 12, interlineado 1.5, todos los márgenes a 2 cm, en un archivo de Word, rtf o pdf. El texto tendrá que explicitar un problema, objetivos, referencias teóricas y métodos utilizados; además, debe informar los principales resultados obtenidos.

Las propuestas aprobadas serán presentadas durante 25 minutos, considerando 15 minutos para la presentación del trabajo y 10 minutos para recibir preguntas y comentarios. Tanto el lugar, fecha y hora serán definidos especialmente por el Comité Organizador. Para la presentación, deberá estar presente al menos uno de los autores del trabajo seleccionado.

2) Posters

Las propuestas de presentación de póster deberán ser enviadas a través de un texto con un máximo de 2000 palabras (sin contar resumen y referencias bibliográficas). Estas deben utilizar como fuente Times New Roman 12, interlineado 1.5, todos las márgenes 2 cm, en un archivo de Word, rtf o pdf. El texto tendrá que explicitar un problema, objetivos, referencias teóricas y métodos utilizados; además, debe informar los principales resultados obtenidos.

Los posters serán presentados en el lugar, fecha y hora definidos especialmente por el Comité Organizador. Para la exhibición del poster, deberá estar presente al menos un participante por trabajo.

3) Simposios

Las propuestas de simposios deberán ser enviadas a través de un texto que reúna la presentación de tres participantes, con un máximo de 6000 palabras (sin contar resumen y referencias bibliográficas), o tres textos con un máximo de 2000 palabras cada uno. Del mismo modo, estos documentos deben utilizar Times New Roman 12, interlineado 1.5, todos los márgenes 2 cm. Asimismo, serán propuestos en un archivo de Word, rtf o pdf. El texto —o los textos— tendrá que explicitar un problema, objetivos, referencias teóricas y métodos utilizados. De igual manera, informará acerca de los principales resultados obtenidos.

Cada simposio será presentado durante una hora y veinte minutos (60 minutos para las presentaciones y 20 minutos para discusión, preguntas y comentarios) en el lugar, fecha y hora definidos por el Comité Organizador. Para la presentación de un simposio, deberán estar presentes al menos dos participantes.

4) Talleres o cursos

Las propuestas de talleres o cursos deberán ser enviadas a través de un texto con un máximo de 2000 palabras. Este utilizará la fuente Times New Roman 12, interlineado 1.5, todos las márgenes 2 cm, en un archivo de Word, rtf o pdf. El documento contendrá los siguientes elementos: un resumen del trabajo a desarrollar que incluya los objetivos del taller, los contenidos y metodologías, y las referencias bibliográficas que fundamenten la propuesta. Además, un breve curriculum (200 palabras) de los investigadores que guiarán la actividad, la población destinataria, el número mínimo y máximo de participantes, y la indicacion de los elementos técnicos que requeriría para su implementación.

Cada taller o curso será realizado durante tres días. En total debe durar cuatro horas y media (una hora y media por día). Tanto el lugar, fecha y hora serán definidos especialmente por el Comité Organizador.

5) Actividad artística

Las propuestas para la realización de actividades artísticas durante el evento deberán ser enviadas a través de un texto, con un máximo de 700 palabras. Como en los casos anteriores, el documento empleará la fuente Times New Roman 12, interlineado 1.5, todos los márgenes 2 cm. Debe enviarse en un archivo de Word, rtf o pdf. La propuesta debe contener los siguientes elementos: un resumen de la actividad, objetivos, repertorio y número de participantes. Finalmente, la propuesta contendrá un breve curriculum de los participantes individuales o del grupo (300 palabras) así como una grabación en MP3 de su oferta artística.

Las actividades artísticas deberán durar máximo quince minutos. Por razones de espacio físico, se restringe hasta veinte participantes por grupo. Se dará preferencia a presentaciones acústicas, sin uso de aparatos electrónicos como amplificadores, micrófonos y otros de esta naturaleza. Cada presentación contará con un lugar, fecha y hora definidos por el Comité Organizador.

Idiomas

Los idiomas oficiales de la conferencia son el español, portugués e inglés. Los participantes pueden presentar sus trabajos en el idioma de su preferencia, pero se sugiere que la presentación en diapositivas sea elaborada en otro idioma para ser exhibida en pantalla. Esta sugerencia busca ampliar la comunicación hacia una mayor cantidad de participantes, describiendo los aspectos esenciales de cada ponencia. La sugerencia de idiomas se presenta en la siguiente tabla:

Idioma del texto          Idioma de exhibición en pantalla
Español                        Inglés
Portugués                     Inglés o Español
Inglés                           Español

Envío de trabajos

Las propuestas de todas las modalidades deberán ser enviadas, entre los días 15 de febrero y 31 de marzo de 2015, a través de la plataforma de ponencias que se encuentra disponible en el sitio web: http://congreso.pucp.edu.pe/isme/ y siguiendo las instrucciones de uso de dicha plataforma.

Notificación de los trabajos aceptados

Todos los trabajos aceptados serán informados el dia 1º de mayo de 2015 en la página web del evento: http://congreso.pucp.edu.pe/isme/ en la sección respectiva, y mediante correo electrónico enviado a los participantes seleccionados.

Inscripción de participantes

A partir del día 1 de mayo de 2015 estarán abiertas las inscripciones para el evento.

Los participantes que tuvieran trabajos aprobados deberán realizar su inscripción a más tardar el día 30 de mayo de 2015 para que aseguren que sus trabajos sean publicados en las memorias de la conferencia.

La ficha de inscripción estará disponible en la página web del evento con todas las instrucciones para el envío.

Para cualquier información adicional o consultas, escribir a: isme2015@pucp.pe

Taller de apreciación filosófica de la música

Del 9 de septiembre al 4 de noviembre próximos se llevará a cabo, los martes de 6 a 8 p.m. en el campus de la Pontificia Universidad Católica del Perú, con apoyo de la Oficina de Promoción Social y Actividades Culturales (Oprosac) de la facultad de Estudios Generales Letras, el Taller de apreciación filosófica de la música. Las inscripciones ya se encuentran abiertas en la Oprosac. Esta vez, el taller estará especialmente dedicado al surgimiento de la música popular y de las vanguardias musicales del siglo XX. La imagen del afiche corresponde a Lee Ranaldo, "De/Composition for John (Cage)". El enfoque y los temas serán los siguientes:

Taller de apreciación filosófica de la música

Encargado: Arturo Rivas Seminario

Duración: 7 sesiones (14 horas)
Fechas y horario: Del 9 de setiembre al 4 de noviembre, martes de 6:00 a 8:00 p.m.
Requisitos: Ninguno

Sumilla:

El taller ofrece a los participantes un acercamiento introductorio al estudio de la música desde la filosofía. A través de cuatro secciones temáticas (ontología, fenomenología, estética y ética) se buscará comprender qué es la música, presentando –en contraste con otras aproximaciones de orden sociológico, antropológico, psicológico, musicológico o naturalista– lo característico de la reflexión filosófica sobre el fenómeno y la conciencia musicales, considerándoles tanto desde la contemplación como desde la creación y la ejecución. La apreciación musical, así entendida, estará dirigida a destacar aspectos esenciales de la música popular (jazz, blues, rock, punk, metal, vals criollo, salsa, dance, cumbia, etc.) y de las propuestas de las principales vanguardias musicales del siglo XX, con especial interés en la apertura musical al silencio, al ruido y a la disonancia. Ello se complementará con referencias a lo que en la historia de la filosofía se ha escrito sobre la música, particularmente en la filosofía contemporánea (de Nietzsche a Badiou).

Objetivos específicos:

1.    Comprender la importancia que le asignamos a la música desde una aproximación filosófica, planteando diferencias pero también vías de diálogo con otras disciplinas.

2.    Reflexionar sobre los problemas suscitados en la comprensión de la música, respecto de su esencia y de sus prácticas creativas, reproductivas y contemplativas.

3.    Brindar elementos para la apreciación y el análisis filosófico de la música, lo cual será llevado a cabo en el marco de las cuatro secciones temáticas propuestas.

4.    Comprender el interés de la filosofía por la música a partir de la indeterminación conceptual que ésta posee, en contraste con otras artes y en particular con la poesía, y evaluar igualmente la necesidad de conceptualización por parte de la música misma.

5.    Discernir críticamente las principales líneas de interpretación filosófica de la música, especialmente en las querellas contemporáneas sobre ella y sobre el arte en general.

6.    Reflexionar sobre cómo la historicidad de la música ha afectado a su comprensión y al modo de percibirla, específicamente en relación con el auge de la música popular y con las vanguardias musicales.

7.    Comprender la evolución histórica del concepto de música, desde la noción griega de mousiké y el ars musica medieval, hasta la noción moderna de la música como arte autónomo y, de manera especial, sus replanteamientos contemporáneos (de Wagner a las vanguardias más recientes).

8.    Explorar en la música popular perspectivas relevantes de la experiencia social de la música que normalmente son desatendidas en la apreciación de la música académica.

9.    Discutir críticamente la constitución de las prácticas musicales y su relación con las realidades sociales, culturales, económicas y políticas en las que tienen lugar.

Cronograma:

Fecha	Sección	Tema principal
9 de setiembre	Ontología 1	La esencia del arte y de la música en particular: ¿qué es (el) arte, qué es (la) música?
16 de setiembre	Fenomenología 1	Los sentidos del fenómeno y la conciencia musicales: ¿por qué y cómo nos implica la música?
23 de setiembre	Fenomenología 2	Introducción al análisis fenomenológico de la música.
30 de setiembre	Estética 1	Escuchar la música: análisis de la percepción musical.
21 de octubre	Estética 2	Pensar musicalmente: análisis de la creación y la ejecución musical.
28 de octubre	Ética	La relación entre ética y estética: ¿la música es, puede o debe ser necesariamente moral?
4 de noviembre	Ontología 2	La ontología histórica y social de la música. La música y la vida.

Para cada sesión se contará con lecturas recomendadas, generalmente fragmentos de artículos, que presentan propuestas contrarias sobre el tema de la sesión, de modo que se pueda seguir los problemas y debates actuales en la determinación de la música, de su naturaleza y sus efectos.

 

 

XII Festival Internacional de Música Antigua en Lima

 

 

La Pontificia Universidad Católica del Perú y el Patronato Peruano de la Música traen del 3 al 8 de mayo próximos la decimosegunda edición del Festival Internacional de Música Antigua, que contará con invitados de Argentina, Austria, España, Francia, México y Suiza, en conciertos con ingreso libre. No está de más decir que constituye una ocasión magnífica para apreciar el sonido de instrumentos poco escuchados entre nosotros, como el archilaúd, el laúd renacentista y la tiorba, además del clavecín y la guitarra barroca que son más conocidos. Las agrupaciones internacionales y el nutrido programa (que incluye un concierto en Arequipa) son los siguientes:

Música Fiorita es un ensamble suizo con 20 años de trayectoria en la música del Renacimiento tardío y del Barroco. Destaca especialmente por sus investigaciones sobre el bajo continuo, sistema barroco de composición y ejecución, cuya agrupación incluye al laúd, la tiorba, la guitarra barroca, el salterio, el arpa, el clave y el órgano. Lo dirige la italiana Daniela Dolci.

La agrupación francesa Les Passions tiene 28 años de actividad, aunque su nombre actual fue adoptado en el 2003 por la importancia de las pasiones como tema en las discusiones filosóficas y literarias de la época. Su repertorio abarca obras de los siglos XVII y XVIII (desde Monteverdi hasta Mozart), muchas de ellas recuperadas del patrimonio histórico de su país, sobre todo las de algunos compositores de Toulouse (Dupuy, Levens y Jean Gilles). Asimismo trabajan en la restauración de la biblioteca musical de los duques de Aiguillon.

El ensamble mexicano Tembembe Ensamble Continuo lleva 19 años integrando la música barroca hispana y el son tradicional de México y América Latina. De ese modo, su objetivo principal es romper las barreras históricas que normalmente se asumen entre el son barroco y el son actual, relacionando especialmente el fandango novohispano del siglo XVIII y el fandango actual con espectáculos de música, canto y danza.

Ingomar Rainer y Jocelyne Rainer-Gibert no integran un ensamble. Él es clavecinista y profesor de instrumentos antiguos en la Universidad de Música de Viena y ella es violinista en la Orquesta Volksoper de la misma ciudad, pero la afinidad en la música barroca ha llevado a esta pareja de músicos austriacos a trabajar también como dúo. Ellos ya estuvieron hace tres años en Lima, presentándose en la novena edición de este festival.

Don Gil de las Calzas Verdes es una agrupación argentina reciente (creada en 2012) que debe su nombre a la obra homónima de Tirso de Molina, adoptando lo cómico del Siglo de oro. Según su propia presentación, este trío se dedica a “ramillete de sones, poesías y comedias para apacibles veladas, escogidos de los mejores ingenios de Hispanoamérica”. Lo integran Laura Fainstein, Natacha Cabezas (ambas darán también un concierto didáctico) y Sebastián Strauchler.

La austriaca Natascha Reich abarca en su repertorio obras que van del Renacimiento hasta el clasicismo de Mozart. Como solista se ha especializado en el clave para bajo continuo y en el órgano de tubos. Ella misma mandó hacer los instrumentos que toca, siguiendo a los originales de la época (su clave, por ejemplo, es de tipo flamenco del siglo XVII), pero adecuando su apariencia exterior a la modernidad.

La española Forma Antiqva es una agrupación de formación variable que está considerada por la crítica especializada como uno de los conjuntos más importantes de la música clásica hispana, especialmente por su grabación de Las cuatro estaciones de Vivaldi, que es tenida ya como referencial.

 

Sábado 3, 7:30 p.m.

Museo Nacional de Arqueología, Antropología e Historia (Plaza Bolivar s/n, Pueblo Libre)

Concierto inaugural

- Conjunto de Música Antigua de la PUCP.

- Música Fiorita (Suiza)

Domingo 4, 4:00 p.m.

Colegio Los Educadores (Av. del Aire 1249, San Luis)

Concierto didáctico para el sistema Orquestando del Ministerio de Educación

- Música Fiorita (Suiza)

Domingo 4, 7:30 p.m.

Museo Nacional de Arqueología, Antropología e Historia (Plaza Bolivar s/n, Pueblo Libre)

- Les Passions (Francia)

- Tembembe Ensamble Continuo (México)

Lunes 5, 12:00 m.

Escuela de Música de la PUCP (Malecón Grau 477, Chorrillos)

Concierto didáctico

- Ingomar Rainer y Jocelyne Rainer-Gibert (Austria)

Lunes 5, 5:00 p.m.

Escuela Nacional de Folklore “José María Arguedas” (Jr. Ica 143, Cercado de Lima)

Concierto didáctico para los estudiantes de la Escuela y del Sistema Orquestando

- Tembembe Ensamble Continuo (México)

Lunes 5, 7:30 p.m.

Galería del ICPNA de Miraflores (Av. Angamos 160, Miraflores)

- Don Gil de las Calzas Verdes (Argentina)

- Ingomar Rainer y Jocelyne Rainer-Gibert (Austria)

Martes 6, 12:00 m.

Escuela de Música de la PUCP (Malecón Grau 477, Chorrillos)

Concierto didáctico de archilaúd y guitarra barroca

- Laura Fainstein y Natacha Cabezas

Martes 6, 12:30 p.m.

Auditorio de Humanidades de la PUCP (Av. Universitaria cuadra 18 s/n, San Miguel)

- Tembembe Ensamble Continuo (México)

Martes 6, 7:30 p.m.

Galería del ICPNA de Miraflores (Av. Angamos 160, Miraflores)

Concierto de clavecín: "Austria – El Corazón de Europa"

- Natascha Reich (Austria)

Miércoles 7, 7:30 p.m.

Museo Nacional de Arqueología, Antropología e Historia (Plaza Bolivar s/n, Pueblo Libre)

- Forma Antiqva (España)

Miércoles 7, 7:30 p.m.

Convento de Santa Catalina en Arequipa

- Ingomar Rainer y Jocelyne Rainer-Gibert (Austria)

Jueves 8, 12:30 p.m.

Auditorio de Derecho de la PUCP (Av. Universitaria cuadra 18 s/n, San Miguel)

- Natascha Reich (Austria)

Jueves 8, 4:00 p.m.

Colegio Los Educadores (Av. del Aire 1249, San Luis)

Concierto didáctico para el sistema Orquestando del Ministerio de Educación

- Forma Antiqva (España)

Jueves 8, 7:30 p.m.

Museo Nacional de Arqueología, Antropología e Historia (Plaza Bolivar s/n, Pueblo Libre)

Concierto de clausura

- Coro Nacional de Niños del Perú, solistas del Coro Nacional  y Ensamble Artifex

La temporada 2014 del Teatro Municipal de Santiago

 

 

Después del incendio de noviembre pasado que obligase a suspender, reprogramar o cambiar de locación a las obras pendientes de su temporada anual, el Teatro Municipal de Santiago de Chile ha reabierto sus puertas, dando inicio a su temporada 2014 con la primera y la última de las sinfonías de Beethoven. El ciclo sinfónico de este año ha sido precisamente dedicado al genio alemán, de quien se interpretarán todas sus sinfonías, junto a otras obras de Mahler, Haydn, Mozart, Richard Strauss, Borodin, Rachmaninoff, Tchaikovsky y Stravinsky. Del primero se ejecutará su Sinfonía Nº 2 "Resurrección"; del último, su Sinfonía de los Salmos, elogiada por Heidegger. Además, con acertado nacionalismo por parte de la dirección musical del teatro, siete de los diez conciertos iniciarán con obras de compositores chilenos: Alto en el desierto, estreno mundial de Juan Manuel Quinteros; Geografía del desastre, de Sebastián Errázuriz; Andante para cuerdas, de Alfonso Leng; Obertura de la ópera La Cenicienta, de Jorge Peña; Estudios emocionales, de Roberto Falabella; Suite al sur del mundo, de Guillermo Rifo; y Suite latinoamericana (selecciones), de Luis Advis.

 

El ciclo de óperas iniciará con Katia Kabanova (1921), de Leoš Janáček. Es una historia trágica, escenificada por el cineasta Pablo Larraín y acompañada de una música imponente, sobre la lucha de una mujer por su liberación de una sociedad matriarcal que hunde a su amor en el pecado y la culpa. No menos trágico es el personaje de su amante, al que no oculta y que, a diferencia de su esposo, es capaz de comprenderla pero siendo igualmente incapaz de poder liberarla. En esa soledad radical, tiene lugar un monólogo de Katia que se ha vuelto una de las escenas más memorables de la ópera del siglo pasado. También destaca en este ciclo Lakmé (1883), de Léo Delibes, que es la historia de una bella sacerdotisa del dios Brahma en la India colonial, que, enamorada de un oficial inglés, asume su propio sacrificio para salvar a su amor. Se trata de dos tragedias con sentidos distintos, pero cuyo centro en ambas es una mujer y la imposibilidad de la libertad. Completan el ciclo: Los puritanos, de Bellini; Otello, de Verdi; Turandot, de Puccini; y La flauta mágica, de Mozart.

 



 

Por su parte, la compañía de ballet, que fue de las más afectadas por el incendio, ofrece la reposición del exitoso Zorba, el griego, de Mikis Theodorakis y Lorca Massine; además de Giselle, ese clásico romántico de Adolphe Adam en la versión coreográfica de Ivan Nagy y Marilyn Burr; Peer Gynt, de Edvard Grieg con coreografía de Ben Stevenson; El joven y la muerte, coreografía de Ronald Petit sobre una historia de Jean Cocteau y con música de J. S. Bach; La dama y el bufón, coreografía de John Cranko con música de Verdi; y un Festival de Coreógrafos en el que destacan el Bolero de Ravel, en versión de Maurice Béjart, y La siesta del fauno, de Claude Debussy con coreografía de Isabel Croxatto en estreno mundial.

 

  

El programa completo está disponible aquí.