tag:blogger.com,1999:blog-35962742683153130962024-02-22T13:53:35.851-05:00mousikéBLOG DE FILOSOFÍA DE LA MÚSICA Y ESTÉTICAArturo Rivas Seminariohttp://www.blogger.com/profile/03660676138576482748noreply@blogger.comBlogger216125tag:blogger.com,1999:blog-3596274268315313096.post-1841199582369058652021-01-31T13:23:00.001-05:002022-12-16T10:52:01.231-05:00Taller de introducción a la Filosofía de la Música<br /> Este 4 de febrero inicia una versión virtual de un taller que he realizado en anteriores ocasiones. Dejo los detalles a continuación para quien pueda interesarle:<br /><br /><br /><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmDbaRkpZi4pq-t9SU6xs7mIQrFrUGxw5H540GeObmQExq__CqXJKQO2wuxaCiakylmdwpM7rLkz9pqGYXnAnXqSp-i-BUxb98xU7rBiEoG1uMfgZW4DA0HmLmY08FxEnwJiTmpoSXro4/s1200/Flyer.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="628" data-original-width="1200" height="334" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmDbaRkpZi4pq-t9SU6xs7mIQrFrUGxw5H540GeObmQExq__CqXJKQO2wuxaCiakylmdwpM7rLkz9pqGYXnAnXqSp-i-BUxb98xU7rBiEoG1uMfgZW4DA0HmLmY08FxEnwJiTmpoSXro4/w640-h334/Flyer.jpg" width="640" /></a></div><div><br /></div><div><br /></div>El taller ofrece un acercamiento introductorio a la teorización y análisis musicales desde la filosofía. Se presentará para ello, durante diez sesiones, lo que filósofos de diversas épocas han escrito sobre la música, contextualizándolo en relación con sus planteamientos filosóficos y la historia de la estética musical.<br /><br /></div><div><b>Objetivos:<br /></b>- Resaltar la importancia del fenómeno musical y de algunas de sus problemáticas para la filosofía antigua, moderna y contemporánea.<br />- Encontrar elementos teóricos de utilidad para el análisis actual de las músicas, tanto académicas como populares.<br /><br /></div><div><b>Requisitos:<br /></b>Solo apertura musical para escuchar y apreciar ejemplos de distintos géneros de música, académica y popular.<br /><br /></div><div><b>Fechas y horario:<br /></b>Del 4 de febrero al 9 de marzo, martes y jueves de 7 a 9 p.m.<br />10 sesiones, 20 horas en total.<br /><br /></div><div><b>Programa:<br /></b>Sesión 1: Presentación del taller. La mousiké en la antigua Grecia. El pitagorismo.<br />Sesión 2: Platón y Aristóteles.<br />Sesión 3: Sofistas, Sexto Empírico y Boecio<br />Sesión 4: Agustín de Hipona y Tomás de Aquino<br />Sesión 5: Descartes y Leibniz. Locke y Hume.<br />Sesión 6: Kant.<br />Sesión 7: Hegel.<br />Sesión 8: Kierkegaard y Schopenhauer.<br />Sesión 9: Nietzsche<br />Sesión 10: Wittgenstein y Adorno.<br /><br /></div><div><b>Inscripción:</b></div><div>Escribir al correo rivas.ars@gmail.com para reservar vacante y darle las indicaciones para el pago correspondiente. Una vez hecho el pago, deberá enviar el comprobante al mismo correo.<br /><br /></div><div>VACANTES LIMITADAS<br /></div><br />Arturo Rivas Seminariohttp://www.blogger.com/profile/03660676138576482748noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3596274268315313096.post-88337326331564545092021-01-04T03:46:00.004-05:002022-12-16T10:58:36.005-05:00De Mousiké a Ars Artium<br /><div style="text-align: justify;">Este blog ha sido descuidado en los últimos años, mientras iba asumiendo una serie de obligaciones y de proyectos que, aunque en muchos casos lo hubiesen podido nutrir, me dejaban sin tiempo para dedicarme a él. La era de los blogs, por su parte, fue también pasando. Sin que ello implicase seguir una moda, lo cierto es que <i>Mousiké</i> fue concebido como un proyecto que se servía de una nueva plataforma (hablamos del 2008), de naturaleza evidentemente distinta a los medios habituales de la academia. No pocas críticas recibí en ese sentido, como si el medio banalizara el contenido; pero creo que, al final, si algo mostró este espacio, era que no tenía por qué ser así. Otros importantes blogs aparecieron luego, más interesantes y de mayor nivel que este. Me sigue pareciendo que eso fue importante en un medio tradicionalista como el peruano. Alguno aún persiste por allí y este mismo blog se resistió a desaparecer con alguna nota eventual. Sin embargo, es claro que su tiempo ha pasado y lo mismo ocurrió con los blogs a nivel global, así como también entre nosotros. ¿Será eso permanente? ¿Por qué empezaron a decaer en primer lugar? Se han ensayado respuestas, en otras latitudes, que a lo mejor nos son también aplicables, pero quizás estamos aún demasiado temprano para saber qué medios perdurarán en lo por venir. Especialmente, porque las aún reinantes redes sociales recién empiezan a mostrar sus problemas y limitaciones. En el intermedio, hace poco aparecieron también los podcasts. Debo confesar que no me llamaron inicialmente la atención, porque no encontraba más que programas de conversación superflua, cuyo objetivo parecía sencillamente servir de pasatiempo y relajo a estresados usuarios del transporte público. A medida que fueron migrando, de la radio al podcast, productores de contenidos de mayor calidad y que aparecieron otros tantos nuevos, fue quedándome más claro el potencial de este medio y fui teniendo cada vez más ganas de desarrollar algo en él, sin saber aún exactamente qué.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Ahora los podcasts ya no son una novedad y han aparecido un par de ellos vinculados al medio académico peruano; sin que sean más que excepciones, porque, en general, este sigue encerrado en sus <i>papers</i>. Hasta el 2019, los podcasts no dejaban de tener un alcance poco claro, poco consistente. La pandemia por la que estamos atravesando desde el año pasado, la cual ha generado tantos cambios en diversos contextos y actividades, ha supuesto en ese sentido una suerte de empujón. Fue entonces que, junto a un amigo, decidimos iniciar un podcast de extensión limitada que estuviese dedicado a la poesía e influencias del poeta alemán Friedrich Hölderlin. Era totalmente un experimento. Lo que inicialmente fue concebido como un programa corto de conversación académica, terminó siendo una serie de ensayos de corte documental y de una hora de extensión cada episodio. Ciertamente, de las dos formas de hacer podcasts, esto es: como conversación y como ensayo, me inclino ahora por este segundo. No obstante, yo estaba motivado a realizar ensayos más breves y puntuales, siguiendo el modelo del excelente podcast de Sara Fishko, <i>Fishko Files</i>. De ese modo he llegado a la idea de continuar lo que empecé con el blog, con notas breves, pero esta vez en un nuevo formato, el del podcast. Este se llama: <i><b>Ars Artium</b></i> ("El arte de las artes", en latín). Veamos qué sale de esto. Dada la dificultad de los tiempos y tal como suele suceder con los podcasts, será posible que, quien desee apoyar su continuidad, pueda hacer una donación y convertirse en <i>patreon</i> del mismo, con eventual acceso a contenido exclusivo. Con el desarrollo de los siguientes episodios, eso estará disponible. Por lo pronto, les dejo algunas de las plataformas donde pueden escucharlo. E iré publicando las entradas por aquí también. Gracias por seguir este blog trece años después de su creación.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiY1A6qRM8-pmPuY-BRjxaTWrvRZzUaGTZgZeqKe8Mia2KShH8PKxybZN2x92EB0IbFhIVc0SGqwbokiMTFZdpsnffGNuUYM6vEGL2xCOPWcfbeEeVXI5QgKDhM54pdj4XdIK-_DH5VVwk/s1500/Logo+1.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1500" data-original-width="1500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiY1A6qRM8-pmPuY-BRjxaTWrvRZzUaGTZgZeqKe8Mia2KShH8PKxybZN2x92EB0IbFhIVc0SGqwbokiMTFZdpsnffGNuUYM6vEGL2xCOPWcfbeEeVXI5QgKDhM54pdj4XdIK-_DH5VVwk/s320/Logo+1.png" /></a></div><br /><div style="text-align: justify;"><br /></div> <div><br /></div><div>Puedes escuchar el <b>Episodio No. 1 de Ars Artium</b> en:</div><br /><b>Spotify<br /></b><a href="https://open.spotify.com/show/5ERfIzhwuW2ar0x81AohrJ">https://open.spotify.com/show/5ERfIzhwuW2ar0x81AohrJ </a><br /><br /><div><b>Stitcher</b><br /><a href="https://www.stitcher.com/show/ars-artium">https://www.stitcher.com/show/ars-artium</a><br /><br /></div><div><b>Redcircle</b></div><div><br /></div><script async="" defer="" onload="redcircleIframe();" src="https://api.podcache.net/embedded-player/sh/e0999094-3feb-412e-af9e-a7cfb5dc07b3/ep/a999aeed-3290-4543-9bcb-badc3ca77be6"></script>
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<p style="color: grey; font-family: sans-serif; font-size: 10px; margin-left: 11px; margin-top: 3px;">Powered by <a class="redcircle-link" href="https://redcircle.com?utm_source=rc_embedded_player&utm_medium=web&utm_campaign=embedded_v1">RedCircle</a></p><div><br /></div>Arturo Rivas Seminariohttp://www.blogger.com/profile/03660676138576482748noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3596274268315313096.post-57657447852120003892018-09-02T22:44:00.000-05:002019-03-10T02:10:15.214-05:00La tristeza no tiene fin, la felicidad sí<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg4JpCs-20-hbSqW7Fz2rXP6ilwNbmsmoBPM2mfdYkX5X1DH05QmSuhAHxBb0nS9aRLf9_X2XBo8dVsENP4lZLyLHC-g6YKbNMUOatv5oHVCYDqb2IYuaAhwdNmcbLS0cZlgK-hMhiHK6o/s1600/a9a9033696bcea73a85ada977bb5c83a.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="657" data-original-width="988" height="425" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg4JpCs-20-hbSqW7Fz2rXP6ilwNbmsmoBPM2mfdYkX5X1DH05QmSuhAHxBb0nS9aRLf9_X2XBo8dVsENP4lZLyLHC-g6YKbNMUOatv5oHVCYDqb2IYuaAhwdNmcbLS0cZlgK-hMhiHK6o/s640/a9a9033696bcea73a85ada977bb5c83a.jpg" width="640" /></a><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-PE" style="mso-ansi-language: ES-PE;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-PE" style="mso-ansi-language: ES-PE;"><br /></span>
En marzo de 1818, el filósofo que Borges no
consideraba un pesimista, terminó la redacción de la que él mismo denominaba su
obra capital: <i style="mso-bidi-font-style: normal;">El mundo como voluntad y
representación</i>. En carta a su editor, Arthur Schopenhauer le decía haber
concluido un libro que “será uno de aquellos que luego se convierten en fuente
y ocasión de un centenar de otros libros”. Estaba en lo cierto, pero, para
desgracia del editor que apenas logró vender unas cuantas decenas de
ejemplares, tuvieron que pasar unos treinta años para que, ya en el final de su
vida, Schopenhauer empezara a gozar de un prestigio que haría eco en pensadores y artistas
como Tolstoi, Wagner, Nietzsche, Freud, Wittgenstein, Proust, Musil, Mahler,
Schönberg, Prokofiev, Bergson, Mann, Einstein, Beckett, Borges, Cioran y, entre
nosotros, González Prada. La demora se podría explicar porque su pensamiento
era “demasiado moderno para ser clásico, demasiado clásico para ser moderno”,
como afirmaba Clément Rosset. Su renombre con los artistas, por otra parte, se
debe especialmente a la tercera sección de su obra, en la que expone su peculiar
estética o metafísica de lo bello.</div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-PE" style="mso-ansi-language: ES-PE;">¿Cómo caracterizar a la estética de Schopenhauer?
En 1811, cuando Wieland intentó disuadirlo de estudiar Filosofía, el joven hijo
de la escritora Johanna Schopenhauer le respondió: “La vida es un asunto
desagradable: he decidido pasarla reflexionando sobre ella”. Consecuentemente
con tal declaración, su filosofía entera se entiende a partir del dolor del
mundo y el absurdo de la existencia. “Alles Leben ist Leiden” (“toda vida es
sufrimiento”), afirmaba. Sin embargo, tan desconsolada constatación no debía conducir
al pesimismo, sino a la búsqueda creativa de una auténtica vía de redención.
Allí tiene cabida, precisamente, la experiencia estética. Schopenhauer la
concibe como una hora de recreo entre los tormentos de la existencia; como el
carnaval que, según la conocida canción de Tom Jobim y Vinicius de Moraes (“A
Felicidade”), es una gran ilusión que termina fugazmente para que el pobre vuelva a la
tristeza de sus afanes cotidianos. Desde la Teoría Crítica, ese recurso a la
fantasía probablemente sería visto como un consuelo fútil o un acto de
escapismo frente a la realidad. Siguiendo a Schopenhauer (que era enemigo
acérrimo del hegelianismo), ello sería un gran error, un exceso de confianza en
la razón y en la voluntad individual, que conducen a la falta de lucidez. Porque lo que habitualmente
consideramos como realidad efectiva es sólo una ilusión que nos oculta la
verdadera realidad: la voluntad del mundo, que es irracional y ciega. Dicho en
simple: no podemos lograr un conocimiento racional de aquel trasfondo último
que, a lo más, podemos entender como voluntad. Por más que se argumente a favor
de una tesis, eso sólo demuestra cuán comprometidos estamos con <i style="mso-bidi-font-style: normal;">nuestra</i> representación de la realidad; esto es, la voluntad que nos mueve y que está allende todos nuestros criterios,
incluidos el tiempo y el espacio. El criticismo kantiano, que era una de las
fuentes de Schopenhauer, impedía equivocadamente el acceso a la “cosa en sí”
porque tampoco admitía realmente que ella se encontrase en los extramuros de la
razón. En consecuencia, para Schopenhauer, no se salva del engaño quien cree
conocer, sino quien contempla y crea bellas representaciones. Así pues, la experiencia estética
se constituye como una vía privilegiada para trascender la ilusión de lo que
los fenomenólogos llamamos “actitud natural” (propia de nuestra vida cotidiana,
pero también de las ciencias empíricas) y acceder, por medio de genuinas
representaciones, a la realidad que es esa voluntad originaria. Las artes
tienen esa sublime función; sobre todo, la música, que logra ir más allá de la
representación y se erige como expresión misma de la voluntad, moviéndonos a
través del más puro sentimiento.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-PE" style="mso-ansi-language: ES-PE;">La experiencia estética –y el arte como su
medio idóneo– nos libera del dolor del mundo sin hacernos ignorar el sinsentido
último de la existencia. Para Schopenhauer, toda vida es sufrimiento porque la
voluntad se presenta en los seres vivos como deseo. Vivir es querer satisfacer
nuestras necesidades, que en el caso de los seres humanos van desde las
biológicas hasta las espirituales. El problema con el deseo es que, siendo la
voluntad ilimitada, nos dirige a objetos limitados. Satisfacemos nuestra
hambre, pero al cabo de un tiempo ella vuelve a aparecer. En consecuencia,
estamos siempre en busca de diversas formas de satisfacción (alimento, sexo,
posesiones, conocimiento, etc.), errando una y otra vez porque nunca el deseo
es enteramente satisfecho. Ahora bien, la misma voluntad nos ha dotado de
conciencia, la cual, si bien puede profundizar nuestro dolor, también puede liberarnos
de las cadenas del querer. Al entrar nuestra conciencia en un estado estético,
sea por la belleza del arte o por la belleza natural, dejamos de querer y entramos
en un estado de excepción, de catarsis mediante una contemplación
desinteresada. Así podemos intuir la naturaleza más íntima de la realidad y se
nos hace posible la verdadera felicidad sin tener que rebasar nuestra finitud.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-PE" style="mso-ansi-language: ES-PE;">Como se ve, habrían tenido razón </span><span lang="PT-BR" style="mso-ansi-language: PT-BR;">Jobim y Moraes al cantar: “Tristeza
não tem fim, felicidade sim”. La felicidad es finita. El dolor perdura. </span><span lang="ES-PE" style="mso-ansi-language: ES-PE;">No obstante, esos fugaces momentos de felicidad plena son suficientes para colocarnos en una armonía tal con el mundo, que podemos afirmar, a pesar
de todas sus pesadillas y todas sus miserias, y aunque ella carezca de sentido
último, que la vida no es en absoluto un error.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-PE" style="mso-ansi-language: ES-PE;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: left;">
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allow="autoplay; encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/8XKqpu7JODI?rel=0" width="560"></iframe></div>
Arturo Rivas Seminariohttp://www.blogger.com/profile/03660676138576482748noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3596274268315313096.post-31330865992453222192018-03-17T22:27:00.000-05:002018-03-17T23:14:26.447-05:00Escuchar el silencio es difícil<div>
<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<iframe allow="autoplay; encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/Hd1U2bt5Q8U" width="560"></iframe>
</div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<blockquote class="tr_bq">
El silencio.<br />
Es muy difícil escucharlo.<br />
Muy difícil escuchar, en el silencio, a <i>los otros</i>.<br />
Otros pensamientos, otros ruidos, otras sonoridades, otras ideas. Cuando se escucha, se busca muchas veces reencontrarse a sí mismo en los otros. Reencontrar los propios mecanismos, sistema, racionalismo, en el otro.<br />
Y esto es una violencia totalmente conservadora. </blockquote>
<blockquote class="tr_bq">
En lugar de escuchar el silencio, en lugar de escuchar a los otros, estamos a la espera de escucharnos a nosotros mismos, una vez más. Es una repetición que se vuelve académica, conservadora, reaccionaria. Es un muro contra los pensamientos, contra aquello que, por lo tanto, no es posible explicar. Es la consecuencia de una mentalidad sistemática, basada en los <i>a priori</i> (interiores o exteriores, sociales o estéticos). Se prefiere la comodidad, la repetición, el mito; se prefiere escuchar siempre la misma cosa, con aquellas pequeñas diferencias que nos permiten demostrar nuestra inteligencia.</blockquote>
<blockquote class="tr_bq">
[...] <i>Despertar el oído</i>, los ojos, el pensamiento humano, la inteligencia, el máximo de interiorización exteriorizada.<br />
He aquí lo esencial hoy.</blockquote>
</div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<b>Luigi Nono, "L'erreur comme nécessité", en: <i>Révolution</i>, Nº 169, 27 de mayo-2 de junio de 1983, pp. 50-51.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7mHcBmNMfFJ9DezMozCvN8bfxvbZwgX67EyWOER6gzd5lZfnF7lh36DhOUh0T1UVFf-e7af3DYzKbspQNZXKNQawjkfVuAA98wv3Ra7DlM-L8mze44vDV3hftVptu9aHilglIa7m-h3s/s1600/600x337_montage-luigi-nono_603x380.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="337" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7mHcBmNMfFJ9DezMozCvN8bfxvbZwgX67EyWOER6gzd5lZfnF7lh36DhOUh0T1UVFf-e7af3DYzKbspQNZXKNQawjkfVuAA98wv3Ra7DlM-L8mze44vDV3hftVptu9aHilglIa7m-h3s/s1600/600x337_montage-luigi-nono_603x380.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Luigi Nono © Graziano Arici</td></tr>
</tbody></table>
<br /></div>
Arturo Rivas Seminariohttp://www.blogger.com/profile/03660676138576482748noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3596274268315313096.post-81898135895501159742018-01-11T14:12:00.000-05:002018-01-11T21:38:11.275-05:00Las razones por las que Borges no recibió el Nobel en 1967<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Por mucho tiempo se ha dicho que Borges no recibió el Nobel de Literatura por su apoyo público a las dictaduras militares en Latinoamérica. Eso, sin embargo, habría sido recién en los años 70 y habrá que esperar a que la Academia Sueca desclasifique las discusiones de esos años, lo que ocurrirá hacia el año 2027.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVHm74mPpRacBgu17qUDqlIYNVrIQNvfPr0xkRszOxWuMd9VvFMkevlSsTnhI1YZ1HfCxeL7YCH9HVe_h81__iNLd9837lBUcfktV9CV-n1g_WBjPld1pDvS0Iprv1eObvKB1RDjiWGuc/s1600/Borges-Pinochet.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="419" data-original-width="417" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVHm74mPpRacBgu17qUDqlIYNVrIQNvfPr0xkRszOxWuMd9VvFMkevlSsTnhI1YZ1HfCxeL7YCH9HVe_h81__iNLd9837lBUcfktV9CV-n1g_WBjPld1pDvS0Iprv1eObvKB1RDjiWGuc/s320/Borges-Pinochet.jpg" width="318" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Borges con Pinochet en 1976</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br />
Lo que la Academia acaba de publicar es la discusión de 1967, cuando los nombres que sonaban más fuerte eran los de Jorge Amado (al que no se había postulado antes), Miguel Ángel Asturias, Jorge Luis Borges y Graham Greene. Había incluso la propuesta de dárselo a Asturias y Borges juntos. Entonces, ¿qué jugó en contra del escritor porteño?</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKLdUFXbzGWkuMW1bQQRKvGxgyzDOosXJJRsjJwAzOi8DbIsFwBacBQpJsKit9GlDEE8AVOYKPaHKHlnfjpCXCvB8UO2qc0PGN3isYo12DNjZwxMRxe_z5yqxrJ2pne3pXXFtvC54LLAU/s1600/Borges.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="527" data-original-width="573" height="367" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKLdUFXbzGWkuMW1bQQRKvGxgyzDOosXJJRsjJwAzOi8DbIsFwBacBQpJsKit9GlDEE8AVOYKPaHKHlnfjpCXCvB8UO2qc0PGN3isYo12DNjZwxMRxe_z5yqxrJ2pne3pXXFtvC54LLAU/s400/Borges.jpg" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
El presidente de la Academia, Anders Osterling, descartó a Borges por ser "demasiado elitista o artificial en su ingenioso arte en miniatura". Hay en esta declaración varias razones sobre las que vale la pena detenerse.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
La primera era una razón concerniente a la naturaleza del Premio: si la literatura de Borges era elitista (algo que se puede discutir, pero que tiene también algún asidero), el Nobel buscaría reconocer más bien a una obra universalmente accesible. Por lo tanto, no habría compatibilidad.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
La segunda era una razón estética: la de Borges, según Osterling, sería una literatura que no lograría cubrir sus artificios con la ilusión de la naturalidad. Esto, desde luego, es también algo opinable; pero hay que entender que, si bien no toda estética aspira a ser natural, ese sí es un error grave dentro de una estética clásica como la que probablemente tendrían los académicos.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
No obstante, la tercera es la razón que parece haber pesado más: Borges no habría mostrado la amplitud de su ingenio extendiéndolo al género de la novela.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Parece ser que los académicos, en efecto, preferían otorgarle el premio de ese año a un novelista. Allí se enalteció la obra de Asturias. Fue entonces que Osterling planteó una objeción que, aunque pudiera parecer política, no era en realidad sino temática. El académico no le restó a Asturias mérito literario alguno, pero lamentó que estuviese "limitado a la temática revolucionaria"; esto es, su poca versatilidad en el contenido. No fue una objeción de peso para los demás académicos y el premio le fue concedido al guatemalteco. Ni Borges, ni Amado, ni Greene recibirían nunca el premio Nobel. ¿Qué tanto importa eso?</div>
Arturo Rivas Seminariohttp://www.blogger.com/profile/03660676138576482748noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3596274268315313096.post-16952701751741337462017-08-06T19:16:00.000-05:002017-08-06T19:27:53.520-05:00Estética y arte: Una definición de Schlegel y una precisión de Novalis<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8CCNu4Zf30yUue27QEVpfIfHsUNQnvlbqp40WUxWSuqkvOu7bx33kt_Ueeyy87EaeXXpIi4Rvopb-HuROuT98U_8-N1qX3ZFwDQUI36jqaIYbhlPOqr1WhkuX_Kdyvd35dbryml6iwEI/s1600/thm_frau-in-der-morgensonne.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="293" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8CCNu4Zf30yUue27QEVpfIfHsUNQnvlbqp40WUxWSuqkvOu7bx33kt_Ueeyy87EaeXXpIi4Rvopb-HuROuT98U_8-N1qX3ZFwDQUI36jqaIYbhlPOqr1WhkuX_Kdyvd35dbryml6iwEI/s400/thm_frau-in-der-morgensonne.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption">Caspar David Friedrich, <i>Mujer frente al sol poniente</i> (<i>Frau vor untergehender Sonne</i>), 1818, Museo Folkwang (Essen).</td></tr>
</tbody></table>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Contemplo un paisaje de Friedrich. Me invita a salir de casa en este día soleado de invierno para recibir a la naturaleza con los brazos abiertos mientras el sol se pone. No ha sido la naturaleza "real" la que ha despertado mi sensibilidad esta vez, sino la representada por el artista, que ha logrado transmitirme (e imponerme) <i>su</i> sensibilidad. En la número 20 de sus <i>Ideen</i> (<i>Ideas</i>), Friedrich Schlegel escribe:</div>
<br />
<div style="text-align: center;">
"Künstler ist ein jeder, dem es Ziel und Mitte des Daseins ist, seinen Sinn zu bilden".</div>
<br />
<div style="text-align: center;">
"Artista es todo aquel para quien el propósito y centro de su existencia radica en formar su sensibilidad".</div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Estas palabras deben entenderse en el contexto romántico de afirmación de la sensibilidad allende los estrechos márgenes de la formación académica clásica. Rousseau y Schiller están detrás de Schlegel. ¿Y para qué debía formar su sensibilidad el artista romántico? Para dirigirla hacia lo más elevado, en un acercamiento infinito hacia lo absoluto. Eso no se lograba con una sensibilidad desorientada, pero tampoco con una sometida a la enseñanza del canon. Había que reconducir el espíritu hacia la naturaleza sensiblemente percibida, de modo que se hiciera patente, como dice también Schlegel, que "a Dios no podemos verlo, pero en todas partes vemos lo divino" (<i>Ideas</i>, 44).</div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Más allá de las cimas y los abismos románticos, lo dicho por Schlegel puede remitirnos a Don Juan. A diferencia de nuestro tiempo, en el que estimamos a la sensibilidad como una afección inmediata e irracional, la figura de Don Juan toma aún de una concepción clásica la idea de que la sensibilidad se forma y fundamentalmente por el hábito; pero es asimismo un personaje moderno, en tanto que no acepta un orden objetivo, racionalmente determinado, que deba imponerse sobre la ley de su goce sensible. Don Juan rechaza toda abstracción, todo aquello que quiere privar a la sensibilidad de su autonomía y soberanía, que son, como se sabe, conquistas modernas ligadas al surgimiento de la estética como disciplina. Pero Don Juan no es alguien que se abandone a sus sentidos, que es como lo quiere presentar el moralista, sino alguien que ha asumido activamente la formación de su sensibilidad, exclusivamente a partir de esa misma sensibilidad y no de preceptos religiosos, morales o metafísicos. Justamente porque no la reprime desde una instancia "superior", él se concentra en cuidarla especialmente. Ahora bien, hay una significación erótica necesariamente vinculada a la figura de Don Juan: en él, sensibilidad quiere decir sensualidad, activa, espontánea, valiente y libre. Su contraparte, en cuanto a género, como se ha señalado más de una vez, sería Carmen (la de Bizet más que la de Mérimée). Si se suprime esta connotación erótica, lo que tenemos es sencillamente a un esteta. Ejemplo de esteta consumado lo tenemos en el poeta Alberto Caeiro, quien dice:<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
"Pensar incomoda como andar en la lluvia</div>
<div style="text-align: center;">
cuando el viento crece y parece que llueve más. [...]</div>
<div style="text-align: center;">
No tengo filosofía: tengo sentidos.</div>
<div style="text-align: center;">
Si hablo de la Naturaleza no es porque sepa lo que ella es,</div>
<div style="text-align: center;">
sino porque la amo, y la amo por eso"</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
("El guardador de rebaños").</div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
¿Se podría discutir que el artista tiene una sensibilidad especial? Ni siquiera Platón, que la atribuye a una inspiración divina, lo cuestiona. En cuanto a que deba formar esa sensibilidad, no sé de artista alguno, por naturalmente dotado que sea, que sostenga lo contrario. El espectador, que desconoce los entresijos de la creación artística y que basa también en ello su asombro, suele pensar que hay sólo naturaleza donde hay además cultura; es decir, estudio y trabajo. La espontaneidad y extrañeza de la inspiración están allí, sin duda, pero incluso Mozart, el "laúd de Dios", no hubiese sido tal sin una estricta disciplina y sin una formación, que es bien sabido que las tuvo. A esto se refiere Schlegel. Sin embargo, aquí mismo es donde su definición se muestra imprecisa.</div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
En su ejemplar de las <i>Ideen</i>, al margen de la vigésima idea, Novalis anotó:</div>
<br />
<div style="text-align: center;">
"Sollte dies nicht der Dilettant seyn <span lang="ES-PE" style="font-family: "cambria" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 107%;">—</span>Mit seinem Sinn zu bilden, dann ist es der Künstler".</div>
<br />
<div style="text-align: center;">
"Debería ser este el diletante. Formar con su sensibilidad: entonces es artista".</div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
En efecto, no todo aquél que forma su sensibilidad es un artista. Para que lo sea, hace falta que forme <i>con</i> su sensibilidad; es decir, que su sensibilidad sea productiva, que a partir de ella cree objetos de contemplación estética e influya así sobre la sensibilidad de otros. Esta es una condición necesaria y con la cual el artista lleva a plenitud su sensibilidad, que no es meramente receptiva sino también y fundamentalmente creativa. Llegado a este punto, la obra ya no le pertenece: cobra autonomía y el espectador forma con ella su propia sensibilidad.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
Arturo Rivas Seminariohttp://www.blogger.com/profile/03660676138576482748noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3596274268315313096.post-10732311169558362712017-01-04T22:37:00.000-05:002017-01-05T01:04:29.713-05:00La vida siempre<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
El 4 de enero de 1960, decidió retornar a París, antes que su esposa, con la que se acababa de reconciliar, y sus hijos. Habían pasado juntos unos días espléndidos, lejos del ruido de la política y de la fama, en un pequeño pueblo donde no sabían de premios Nobel pero sí de películas. Por ello, algunos pocos se animaron a importunar al amable y solitario extranjero, para que les firmase un autógrafo. Los más se irían a casa contentos por tener un autógrafo del conocido director de cine Mario Camus. Algún despistado, quizás, creería contar con la firma del mismísimo Humphrey Bogart. A él le divertían mucho esas confusiones. Mientras tanto, en París, una horda de aduladores de Sartre y de Stalin –esos que César Moro decía que se complacían con sus baños maría existencialistas– le exigían que aclarase su bando en el asunto de Argelia. Él, que era un francés en su tierra natal y un <i>pied</i>-<i>noir</i> en Francia, forjado por el sol del Mediterráneo antes que por cualquier ideología, decidió ignorarlos una vez más y enviar al periódico una columna agradeciéndole a la vida por Mozart. Esas serían sus palabras de despedida.<br />
<br />
Suelen ser escasos los momentos en los que refulge esa asombrosa claridad, tan breve e intensa, que le hace a uno reconocer que todo está bien, que la vida –con sus Argelias y sus Sartres y sus accidentes de automóvil– no tiene culpas, que todo es exactamente como debe ser. Él no había tenido esa sensación desde hace mucho, agobiado como estaba por los reflectores del Nobel y por la vieja soledad en lo más profundo del alma. Habiendo empezado a escribir desde el silencio de su madre, decidió entonces, cuando no hallaba las fuerzas para salir de su propio silencio, volver sobre la ausencia del padre. "El primer hombre" era eso: una búsqueda del padre, o, mejor dicho, una búsqueda de sí mismo a través de la sombra paterna. ¿Cómo no iba a estar feliz, al haber concluido el borrador de esa obra, si ello significaba que había vuelto a encontrarse a sí mismo? ¿Cómo no iba a estar feliz, si esos breves instantes en que Sísifo había acabado de empujar su piedra eran recompensados con la calurosa cercanía de su esposa y sus hijos? ¿Cómo no estarlo si la sobria sensualidad y la intensa alegría de María Casares le esperaban con ansias en París?<br />
<br />
Ese 4 de enero tenía a su costado a su mejor amigo, Michel Gallimard, que conducía su moderno Facel-Vega. Atrás, en su maletín, llevaba el borrador acabado de <i>El primer hombre</i> y su viejo ejemplar de <i>La gaya ciencia</i> de Nietzsche. Y adentro, en el corazón, tenía ¡por fin!, una vez más, esa felicidad pura que sólo conquista quien está dispuesto a ver a la vida de frente, y que la siente y la piensa y la ama con el amor desesperado y rebelde del artista. Sí, era feliz, porque todas las amenazas del mundo no pueden sino acentuar, en los mares internos y a la luz del fuego de la verdad, nuestro derecho a ser felices. Sí, era feliz, porque la felicidad no es un destino ultramundano ni un engaño de tontos; tampoco un lugar del pasado, ni un presente eterno, sino ese frágil instante en el que uno, sin ninguna reserva, acepta la vida. Sí, a pesar de la nada. Y a pesar de las muertes absurdas, como las de los accidentes automovilísticos. A pesar de todo, la vida siempre.<br />
<br />
Hoy, 4 de enero de 2017, florece sobre la tumba de Albert Camus porque, pese a todo, la vida es. Hoy, 4 de enero de 2017, es preciso, quizás más que nunca, imaginar a Sísifo feliz.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZADMdq2x4yoJzVWANjCGLUCUvR-_Elzqk8wcViAYZ4i61R61SDmgLpRn6Ilr9h5AvEGPDeh9LDQ5njedreGfSnszYMK3x86mciavdEcMNyS5vFktYouPEasLUjAPG4S7jmo3K_g-NExY/s1600/15826621_10154230520897963_2100622181329016663_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="350" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZADMdq2x4yoJzVWANjCGLUCUvR-_Elzqk8wcViAYZ4i61R61SDmgLpRn6Ilr9h5AvEGPDeh9LDQ5njedreGfSnszYMK3x86mciavdEcMNyS5vFktYouPEasLUjAPG4S7jmo3K_g-NExY/s400/15826621_10154230520897963_2100622181329016663_n.jpg" width="500" /></a></div>
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Arturo Rivas Seminariohttp://www.blogger.com/profile/03660676138576482748noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3596274268315313096.post-82666997239252046462016-12-11T16:54:00.000-05:002016-12-11T16:57:38.423-05:00Chalena, cerquita del corazón<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="300" src="https://www.youtube.com/embed/pdfuGL1fzds" width="460"></iframe>
</div>
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<br />
<br />
La música, como todo ámbito de la expresión humana, no está libre de imposturas e idealizaciones que se instalan en el sentido común. Frente a ellas, el musicólogo es un curador, alguien que cuida con su reflexión la compleja riqueza de todo lo que involucra la percepción musical. Si el musicólogo es agudo, no desatiende los sentidos sociales de la música, que la hacen cercana al corazón de la tierra, pero tampoco permite que se reduzca a determinismos sociológicos la libertad de los elementos estéticos puestos en juego por el músico. Si el musicólogo es también músico, su mirada se enriquece por la intuición activa del que ejecuta y del que crea.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8zIrPqhWd49GjygUuGU6fPa5mv5QYG5DQYhUEUQwiHckNBX1wXS5gtHRGdCUzBfTeQre87N1g_CDaNaTPrAldBeRorG5y9sfmswPQLpKRt9FmQPGPA4yEkBCpEn4KOP6Hdy4ltf-DUi4/s1600/000010062M.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="210" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8zIrPqhWd49GjygUuGU6fPa5mv5QYG5DQYhUEUQwiHckNBX1wXS5gtHRGdCUzBfTeQre87N1g_CDaNaTPrAldBeRorG5y9sfmswPQLpKRt9FmQPGPA4yEkBCpEn4KOP6Hdy4ltf-DUi4/s400/000010062M.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
<br />
Todas esas virtudes como estudiosa y como artista las tenía Chalena Vásquez, cuya voz, norteña de nacimiento y andina por afinidad, se ha silenciado demasiado pronto. Esa voz que, lejos de las frases biensonantes pero vacías que suelen complacer a algunos melómanos, derrumbaba mitos como el de que la música es un "lenguaje universal", y denunciaba el uso peyorativo del término 'folklore' para referirse a una suerte de artesanía no artística. Ella defendió incansablemente el valor artístico de esa música que nos habla de la relación del hombre con su tierra, con su trabajo y con su historia. Esa música que es un modo honesto de posicionarse ante la vida y la muerte, de hacerse con el amor –con los amores– y de vencer al dolor.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Nosotros, habituados como estamos al arte como espectáculo, somos afortunados de tener a aquellos pocos que, como Chalena, saben escuchar y transmitir ese amor por los sonidos que salen de las entrañas. Que su voz ejemplar perdure entre los musicólogos por venir.<br />
<br />
<br />
_______________________<br />
<br />
En su canal de Youtube (<a href="https://www.youtube.com/user/chalenavasquez">https://www.youtube.com/user/chalenavasquez</a>) se encuentran numerosos vídeos con entrevistas, charlas, canciones propias y ajenas, documentales y material de estudio de las músicas peruanas y americanas.</div>
Arturo Rivas Seminariohttp://www.blogger.com/profile/03660676138576482748noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3596274268315313096.post-61992107951176481452016-10-02T19:04:00.000-05:002016-10-02T19:46:05.767-05:00La (de)coloración de la nostalgia<div style="text-align: justify;">
<br />
En sentido estricto, no existe experiencia del pasado. Lo que llamamos así es siempre una vivencia presente: es <b>ahora</b> que estoy pensando en ella, en la falta que me hace. Su imagen se me presenta en <b>este</b> momento con la coloración de la nostalgia. Recuerdo nuestras charlas desde este silencio actual. Y es ahora también que me estoy proyectando hacia el pasado para proyectarme a la vez a un futuro no sido, a lo que pudo ser y no fue. <b>Percibo</b> únicamente el presente; por ello, sólo él tiene con plenitud la consistencia de la realidad (esa es una cualidad de la percepción). Por más que intente tocar el pasado, por más que quiera ver esa promesa como probable aún, debo aceptar que sólo existo en mi presente. Nuestra existencia es ser en un flujo de instantes indetenibles: es ser en el devenir. Si uno lo piensa demasiado, el vértigo que eso produce puede llevarle a buscar una salida fácil, algo que no esté condenado a tal corriente: un alma inmortal, por ejemplo. Y porque lo percibimos en ese flujo, es que nuestra experiencia del ahora nunca es puntual, aislada, sino que siempre está, incluso cuando no somos conscientes de ello, intencionalmente dirigida a los presentes que ya dejaron de serlo y a los presentes por venir a serlo.<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="235" src="https://www.youtube.com/embed/meGPgvLcpWk" width="420"></iframe>
</div>
<br />
Escucho el <i>Glassworks</i> de Philip Glass y cada reiteración de una frase es distinta a la anterior. No por las variaciones, que en la música minimalista son muy sutiles y lentas, sino porque mi conciencia está inmersa en ese flujo que hace de cada iteración, aunque sea objetivamente el mismo sonido, una sensación distinta. Escucho, por ejemplo:<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiS-cwA2PuJcEbKEzYLbI_0xIiF8tiBrMesOeSUjbRYGfdTEPcRTLqxXLK601TY-GUJxe2wZalSrKd5ApX7NWKJSt57S8_oIZF2CYl2YS7MQrwqxKmDi1GT-DUNy0GywHoLoS6N2iRud5s/s1600/Glass.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="61" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiS-cwA2PuJcEbKEzYLbI_0xIiF8tiBrMesOeSUjbRYGfdTEPcRTLqxXLK601TY-GUJxe2wZalSrKd5ApX7NWKJSt57S8_oIZF2CYl2YS7MQrwqxKmDi1GT-DUNy0GywHoLoS6N2iRud5s/s400/Glass.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
Podría decirse que el segundo compás es objetivamente igual al primero, pero eso es ilusorio. Incluso al verlos y decir que se trata de una repetición de un mismo compás, ya los estoy distinguiendo. Tanto más al escucharlos: mientras escucho el segundo, resuena aún el anterior que se va hundiendo en mi memoria. Estrictamente hablando, no es que siga escuchando el compás anterior, sino que, en este nuevo instante, este nuevo compás es él más la retención del anterior. Ilustrándolo, sería algo así:<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFWGvBybux3o0LjRftyxMY5ZBVEs7kfxQRAWyUneZ9LpeD8l187-hodbg1wpvYhGIesDwslssZ602KqLX17lD-KUNVRHbFSMoJU3s2KL8utwd-uSVctD3ly50J5vVgDB7wrH_bS31cCPU/s1600/Glass+3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="75" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFWGvBybux3o0LjRftyxMY5ZBVEs7kfxQRAWyUneZ9LpeD8l187-hodbg1wpvYhGIesDwslssZ602KqLX17lD-KUNVRHbFSMoJU3s2KL8utwd-uSVctD3ly50J5vVgDB7wrH_bS31cCPU/s400/Glass+3.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
Ahora bien, decíamos que toda vivencia actual de nuestra conciencia, que ahora sabemos que incluye <i>retenciones</i>, tiende asimismo en dirección opuesta a otras posibles vivencias por venir. Tampoco es que tengamos una sensación del futuro, sino que nuestra sensación actual incluye <i>protenciones</i>. Al escuchar el segundo compás al que nos referimos, y teniendo en cuenta lo que escuché antes, anticipo lo que puede sonar a continuación. Lo más inmediato y natural es que anticipe lo ya escuchado; en nuestro caso (considerando también el tipo de música con que tratamos), una nueva reiteración del mismo compás. Al intentar ilustrarlo, tendríamos lo siguiente:<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsJ8uO96CuGLwgROYXF4BskjEjJqACja7eF2qzlF5wRKehyphenhyphenQPakiVTT3UJOUuzSEw4ZPJo9CMgqXVyOWgawkAtdHkBg8mUr0uT_dkIrdHY3mVcL4-F2R77SlDxPD2y9IHteWXBvG-f0nI/s1600/Glass+4.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="75" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsJ8uO96CuGLwgROYXF4BskjEjJqACja7eF2qzlF5wRKehyphenhyphenQPakiVTT3UJOUuzSEw4ZPJo9CMgqXVyOWgawkAtdHkBg8mUr0uT_dkIrdHY3mVcL4-F2R77SlDxPD2y9IHteWXBvG-f0nI/s400/Glass+4.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
Y lo mismo sucede con el compás anterior. Más allá del ejemplo y teniendo en cuenta una mayor extensión temporal, llegamos a este esquema sobre nuestra conciencia inmanente del tiempo:<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiL5nbB-vSFx-TPWo0SQuvc3XMvetNgMb7tYnFBIMxiAMvvVTlwFa6-bzivE1_IG5yPBXCt4ftc5Doh_gScV09Lwxw97ohKgvY_LlG_rbcM3CuSOJLOXVQAIv1iJEDuk_lRRBzwCgcaGVs/s1600/4999-24768-1-PB.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiL5nbB-vSFx-TPWo0SQuvc3XMvetNgMb7tYnFBIMxiAMvvVTlwFa6-bzivE1_IG5yPBXCt4ftc5Doh_gScV09Lwxw97ohKgvY_LlG_rbcM3CuSOJLOXVQAIv1iJEDuk_lRRBzwCgcaGVs/s1600/4999-24768-1-PB.jpg" /></a></div>
<br />
Sin embargo, es evidente que el tercer compás podría no ser una reiteración del segundo, sino uno nuevo. Mientras que el pasado está en buena cuenta determinado por el presente que ha dejado de ser, el futuro no tiene aún esa determinación; ni siquiera éste menos oscuro que está casi por venir. Por esa apertura es que el creyente coloca allí la posibilidad del milagro. Ya habíamos dicho que, al sonar el segundo compás, mi expectativa más directa por efecto de la memoria es la identidad (la reiteración); no obstante, mi expectativa más libre por efecto de la imaginación es la diferencia (el cambio). Y el cambio que se vincula a lo anterior bajo la forma de una cierta inversión es el contraste. En su <i>Antropología</i>, Kant anotaba que nada excita más a la sensibilidad que el contraste y que nada la adormece más que la falta de cambios. Las frases reiteradas del minimalismo no adormecen, sino que nos mantienen expectantes, precisamente porque se dan con sutiles cambios que son intuitivamente reconocibles y eso marca toda la diferencia. Si el tercer compás de nuestro ejemplo es, en efecto, uno distinto, nuestra nueva vivencia estará especialmente coloreada por un ánimo de sorpresa. Si la sorpresa está causada por un quiebre radical con lo anterior, genera perplejidad. Si no lo está y uno puede por lo tanto decir que, en cierto modo, era esperable, lo que genera es más bien aplauso; el mismo que puede ir desde la más calmada complacencia hasta el ataque de risa y la más estrepitosa carcajada.<br />
<br />
Cada unidad sonora, por más pequeña y atómica que la imagine, tiene esa estructura temporal triádica que le da la <b><i>intencionalidad</i></b> de mi conciencia; es decir que cada acto de escucha <i><b>refiere a</b></i> algo que no es ese mismo acto ni es puesto por él. Por esto afirmaba Wittgenstein que la música parece estar queriendo siempre decirnos algo, incluso cuando no podemos determinar con claridad qué cosa. Eso otro al acto de la escucha puede ser un objeto sonoro, pero también puede ser un tipo de objeto distinto u otra vivencia. Nuestro análisis, restringido a la temporalidad y al sonido, ha simplificado la vasta e insondable complejidad de la conciencia; pues, nuevamente, ese flujo de vivencias no va en un único sentido aislado, sino más bien en un entretejimiento vital de muchísimos sentidos en los que las vivencias se dirigen a objetos y a otras vivencias, consciente e inconscientemente (esto último incluye, por cierto, el espectro sonoro que mi capacidad auditiva no llega a captar). Mientras escucho <i>Glassworks</i>, viene a mí, casi sin darme cuenta y sin quererlo, la imagen de una persona a la que quiero y que no veo hace mucho. Casi siento el aroma y el sabor de los alfajores que me hacía, la entrañable dulzura de sus lágrimas y el maravilloso brillo de su sonrisa. La música no es un mero flujo de sonidos presentes dirigidos a lo que sonó recién y a lo que está por sonar. Es además un flujo sonoro intencionalmente vinculado con ciertos sentimientos, valoraciones, ideas, estados fisiológicos, imágenes, creencias, etc. Esto es, con todo lo que va constituyendo nuestra historia y nuestra promesa personales.<br />
<br />
Lo dicho hasta aquí, en realidad, era un preámbulo para abordar un aspecto del recuerdo en particular. Si bien el pasado no tiene la apertura del futuro porque depende de la determinación de cuando fue presente, su nueva condición es la del hundimiento de esa vivencia única e irrepetible en los niveles subconscientes de la memoria. Al hundirse, la vivencia no puede perder su cualidad fáctica (no es una fantasía), pero sí las características secundarias que pueden distorsionar en gran medida la vivencia originaria y, eventualmente, la hacen confundible con fantasías. Alice recuerda un amor que ya no es más. La experiencia de su presente está dirigida, a través de la rememoración, a un presente-sido que ha perdido su consistencia de realidad actual y que llamamos pasado (el futuro, como hemos dicho, es lo abierto a adquirir recién esa consistencia). Justamente por esa distancia, el pasado, actualizado en el presente como recuerdo, adquiere una coloración distinta. Uno puede reír al recordar un evento que en su momento le hizo llorar. "La comedia es tragedia más tiempo", dice Lester en <i>Crimes and Misdemeanors</i> de Woody Allen. Alice, en su recuerdo y como un natural mecanismo de defensa, puede desenfocar lo tormentoso de su relación pasada para enfocar los aspectos felices, e incluso lo tormentoso puede recordarlo con una tonalidad menos gris de la que en realidad tuvo. Cuando esto ocurre, la nostalgia juega con nosotros. Alice se entusiasma por restaurar un pasado irreal o visto con ingenuo optimismo, a la vez que distorsiona o se ciega ante la percepción de su presente.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRk0k9373x4zCpzNPO0Zx2tAztG92rQ78zSErptBo3MVtciWSS8q0P6kstzb8hevS9AsJOD57joCY1cT3zVS0a49thufyslve6Zxql4XYVe8slio_NZ2l29EQq8kRJoioKNScqQmhUv2M/s1600/6-201508201750.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="229" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRk0k9373x4zCpzNPO0Zx2tAztG92rQ78zSErptBo3MVtciWSS8q0P6kstzb8hevS9AsJOD57joCY1cT3zVS0a49thufyslve6Zxql4XYVe8slio_NZ2l29EQq8kRJoioKNScqQmhUv2M/s400/6-201508201750.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
En la revista <i>Somos</i> Nº 1551 (27.08.2016), se halla la nota "Presencia y ausencia", a propósito de la publicación del libro <i>La Lima de Ribeyro</i>*, que reúne diez cuentos del querido y querible escritor junto a fotografías de época de la Lima en la que dichos relatos estaban imaginariamente ambientados. La traigo a colación por lo que se afirma en la leyenda de una de las fotografías de la revista. En ella se lee: "Ayer y hoy. Postal del Jirón de la Unión de 1950 montada sobre como luce en la actualidad. <b>Difícil sería conseguir ahora la misma inspiración que en los años en los que escribió Ribeyro</b>" (p. 63). Más allá de lo evidente -el hecho de que no sería lo mismo-, la frase resaltada apunta a que el Jirón de marras generaba una ensoñación inspiradora en los años '50, mientras que ahora difícilmente alguien podría tomarlo por inspirador. Creo que la frase es doblemente desacertada e injusta. Primero con el Jirón que representaba muy bien a la Lima de entonces y que lo sigue haciendo con la de ahora. Pero además, y lo más importante, con la capacidad imaginativa de Julio Ramón Ribeyro. Lo que descuida el autor de la frase, envuelto en su nostalgia por la Lima de antaño, es que, en tiempos de Ribeyro, cuando las primeras oleadas migratorias se dejaban sentir sobre el centro histórico de la ciudad, el Jirón estaba igualmente lleno de gentes, comercios, tráfico, bullicio...; en suma, uno podía estar dispuesto hacia el lugar de tal modo que no le generase la menor contemplación estética (y mucho menos la creatividad artística) por compararlo con lo que fue antes; en los años '20, digamos. Como se afirmaba arriba, la nostalgia suele colorear nuestros recuerdos con excesivo idealismo y nos hace perder las perspectivas. Lo mismo con el Jirón actual: que resulte inspirador o no, depende más de la disposición subjetiva y la habilidad del artista que del lugar real, al cual la imaginación toma como mero pretexto para su representación. Si uno no se agota con la nostalgia, bien puede hallarle el potencial inspirador al Jirón de la Unión tal como luce hoy. Y, ciertamente, uno siempre encuentra por allí al poeta y al filósofo a los que aún inspira.<br />
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___________________________________________<br />
<br />
[* Permítaseme un apunte fuera del tema: que un libro como <i>La Lima de Ribeyro</i>, que no llega a tener los estándares de una edición de lujo y que está además auspiciado por dos importantes empresas, se venda al público a 300 soles, puede obedecer a dos motivos: los beneficios fiscales de la Ley del libro no están funcionando o los editores carecen de un auténtico interés divulgador de la cultura y prefieren el lucro o una cultura de élites. No son motivos excluyentes, pero da la impresión que lo segundo es el caso, lamentablemente. Así las cosas, es para reír que el hijo de Ribeyro, en la misma nota, diga que le preocupa que los jóvenes no lean.]<br />
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Arturo Rivas Seminariohttp://www.blogger.com/profile/03660676138576482748noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3596274268315313096.post-40194560835528506532016-09-18T21:29:00.000-05:002016-09-19T11:40:37.703-05:00"...como el girasol se vuelve hacia el sol". Pietro Bembo y Lucrecia Borgia<br />
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En la Biblioteca Ambrosiana de Milán se encuentra un códice manuscrito que consta de doce poemas españoles y nueve cartas. A los ojos de un lector contemporáneo, el nombre de su compilador, el cardenal Pietro Bembo, puede pasarle desapercibido, aunque seguramente no el de su famosa inspiradora: Lucrecia Borgia. Sin embargo, Bembo era el poeta más destacado de su tiempo (cuyo influjo en España se evidencia incluso en Garcilaso) y el códice es el testimonio material que éste conservó de su intenso amor espiritual por la bella duquesa que vestía a la usanza española, que ataba con finas cintas sus cabellos dorados como el sol, y que expresaba sus opiniones con la elegancia y la convicción que le daban su sangre ibérica, su formación clásica y el ser ávida lectora de Petrarca, Dante o Bruni.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSJOvMPovS579qMeDf0Bagi_H2gNbxET6vpj1cRKV9byhhKp5bVudd81UYeJ3ew3Nk57tAhh7ux0zo9FP8DczETcKpzwrJ81L2_FoCWe1LgcpipPUH73hdaNaMGKIfiXp0rOP_giC43Vg/s1600/borgia_lucrecia.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="288" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSJOvMPovS579qMeDf0Bagi_H2gNbxET6vpj1cRKV9byhhKp5bVudd81UYeJ3ew3Nk57tAhh7ux0zo9FP8DczETcKpzwrJ81L2_FoCWe1LgcpipPUH73hdaNaMGKIfiXp0rOP_giC43Vg/s320/borgia_lucrecia.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption">Detalle de un supuesto retrato de Lucrecia Borgia por Bartolomeo Véneto.</td></tr>
</tbody></table>
<br />
Ferrara fue el lugar donde floreció este amor que hablaba en la versificación de Petrarca y en el lenguaje alegórico del neoplatonismo, pues Lucrecia, apartada ya de las intrigas romanas de su padre y hermano, había iniciado allí el período más estable de su corta vida junto al duque Alfonso d'Este. En una de las cartas, Bembo le escribe: "Cada día halla usted, con ingeniosa invención, la manera de avivar mi fuego, como lo ha hecho hoy con la cinta que orlaba vuestra lucidísima frente". Estas palabras muestran con claridad la admiración intelectual del joven poeta, pero también cómo la belleza material, siguiendo la escala del <i>Simposio</i> platónico, puede servir de aliciente para el ascenso del espíritu por obra del amor y la virtud.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
La descripción poética de tal ascenso se encuentra en <i>Gli Asolani</i> (<i>Los asolanos</i>), libro que Pietro dedicó a Lucrecia. Con la forma del diálogo y con personajes arquetípicos, tal como era usual en la tradición hermética, Bembo desarrollaba la teoría platónica del amor en la corte de la reina de Chipre (esto es, en los dominios de Afrodita), en la villa de Asol, durante tres jornadas que siguen a la boda de una de sus doncellas. Luego de la cena nupcial, aparecen dos mujeres que cantan con el laúd a dos tipos contrapuestos de amor: el que inflige tormentos y el que proporciona gozos. Insatisfecha, la reina llama a una tercera mujer que opaca a las anteriores y que canta, con ayuda de una vihuela, al amor glorioso cuya virtud consiste en conducir al hombre, por encima de placeres y aflicciones, al "siglo antiguo y dorado"; es decir, a su estado primordial: su origen divino.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZKsJwHd6VMwz1ZNhBLFjaP24xgrYjC9ydD5tDGVO2PNCPlTJY-2x1EquFxgeb4oo2IBVVyJL5ek0ffIZE6E7FOAl6mNlp3XWPF_z1viXScwPjra4j6vEW79VkppMzY9GhL8XttLoId2Q/s1600/800px-Raffaello_Santi_-_Portrait_of_Pietro_Bembo_-_Google_Art_Project.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZKsJwHd6VMwz1ZNhBLFjaP24xgrYjC9ydD5tDGVO2PNCPlTJY-2x1EquFxgeb4oo2IBVVyJL5ek0ffIZE6E7FOAl6mNlp3XWPF_z1viXScwPjra4j6vEW79VkppMzY9GhL8XttLoId2Q/s320/800px-Raffaello_Santi_-_Portrait_of_Pietro_Bembo_-_Google_Art_Project.jpg" width="230" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption">Rafael, <i>Retrato de Pietro Bembo</i> (c. 1506<span style="font-size: 12.8px;">).</span></td></tr>
</tbody></table>
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En oposición a los seguidores de Erasmo, que proponían el perfeccionamiento del latín a través de fuentes eclécticas, Bembo defendía la <i>imitatio</i> bajo el modelo de un único señor: Cicerón. Tan fuerte era su platonismo, que buscó siempre un único ideal de perfección en todo orden de cosas. En lengua vulgar, sus modelos eran Petrarca para la poesía y Boccaccio para la prosa. Lo mismo en el amor: aunque hubo varias mujeres en su vida, incluyendo a Faustina della Morosina, la madre de sus tres hijos, sólo una pudo arrebatar su corazón al punto de convertirse en su amor platónico; es decir, si no se entiende esto banalmente, como la mediadora de su más plena elevación espiritual hacia la perfección de su alma. Esta única <i>madonna </i>fue Lucrecia. Junto a la compilación de cartas y poemas, un rubio mechón era la más dulce prenda que ella le había otorgado y que él conservó como platónico símbolo del sol al que le dirigía su amor. Pensando seguramente en ese sol visible, que era Lucrecia, Pietro Bembo escribió:</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<div style="text-align: center;">
"... yo siempre me vuelvo hacia ti, como el girasol se vuelve hacia el sol" (Soneto XXXI).</div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
El simbolismo del girasol aparece también, dos siglos después, entre los <i>Emblems of Love</i> de Philip Ayres (Londres, 1714).</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqXQxb1gR9Jt79ZCFh9YGMWFX57s88xPSHo2D8P5MkN5GKe6Mb9ifwuGoX735djJ-uWw-DqYjlg0GXvqTZ4dnTkMNDA_BxleHNrnCXz8S_1qavGBzzbN8MZ1hUAJaQ97J1i4Ouojd6N1o/s1600/cupid+in+the+garden+detail.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqXQxb1gR9Jt79ZCFh9YGMWFX57s88xPSHo2D8P5MkN5GKe6Mb9ifwuGoX735djJ-uWw-DqYjlg0GXvqTZ4dnTkMNDA_BxleHNrnCXz8S_1qavGBzzbN8MZ1hUAJaQ97J1i4Ouojd6N1o/s400/cupid+in+the+garden+detail.JPG" width="250" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
De todas las flores, puede que la rosa tenga la predilección de los místicos, pero ella, con toda su pretensión, no alcanza la intensidad simbólica del girasol para el amor.<br />
<br /></div>
Arturo Rivas Seminariohttp://www.blogger.com/profile/03660676138576482748noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3596274268315313096.post-65594628434473451062016-06-11T22:17:00.000-05:002016-06-11T22:17:40.809-05:00Eventos académicos internacionales sobre Estética y Filosofía del arte 2016<br />
<b>17-20 junio 2016</b><br />
<b>On Ugliness (and other aesthetic monsters)</b><br />
Ascea, Italia<br />
<br />
The negative – whether in judgements of the ugly, experiences of the derelict, or sensations of the revolting – is a phenomenon that is often unacknowledged in the philosophical literature.
Are such features properly to be called aesthetic? Are they qualities of objects, forms of judgement, or types of experiences? The 6th Wassard Elea international symposium is dedicated to the precise mapping and conceptualization of the ugly and its kind.
<br />
<br />
Wassard Elea
Refugium for writers, artists, composers, and scholars in Southern Italy
<br />
Página Web: <a href="http://wassardelea.blogspot.com/">http://wassardelea.blogspot.com</a><br />
<b><br /></b>
<b><br /></b>
<b>24-29 julio 2016</b><br />
<b>The 20th International Congress of Aesthetics "Aesthetics and Mass Culture"</b><br />
Seoul National University, Seoul, South Korea<br />
<br />
<i>Conferencistas principales:</i><br />
Noël Carroll (City University of New York)<br />
Gunter Gebauer (Freie Universität Berlin)<br />
Sasaki Ken-Ichi (University of Tokyo)<br />
Vittorio Hösle (University of Notre Dame)<br />
Dominic McIver Lopes (University of British Columbia)<br />
Mark Rollins (Washington University in St. Louis)<br />
Anne Sauvagnargues (University of Paris West Nanterre)
<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
The theme of the Seoul Congress is “Aesthetics and Mass Culture”. The Congress will focus on the various aesthetic aspects of mass culture, which, due to the rapid development of information technology, has become one of the most prominent of contemporary cultural phenomena. We are all familiar with the idea of globalization and with developments in information technology. We have been told that, thanks to the internet and other modes of information technology, there are few, if any, places isolated from the rest of the world today. The importance of globalization, one of whose symptoms is the overwhelming flow of information, is not just that we can learn more about other countries, other people, and other cultures, but also that we become more likely to be influenced by other cultures, especially their ways of life. To try to understand and, in some cases, to accept other cultures and life styles often results in a change of one’s own view of life, even one’s own view of the world, which also includes one’s conception of the arts and sensibilities to the aesthetic. But the revolution of information technology also raises the philosophical or aesthetic issue of mass art and mass culture, which, we think, deserves serious discussion. We hope that the Congress will achieve many fruitful results from the many urgent aesthetic questions arising as a result of these phenomena.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
In addition to these questions, the Seoul Congress, as with all other Congresses, will be open to every traditional subject of aesthetics and we welcome papers and panel proposals devoted to all fields of aesthetics. The Congress will consist of several panels and round tables, along with dozens of sessions, including sessions for individual artistic genres. The Organizing Committee will choose the topics for some events, but the rest will be open to the general members of the IAA.
</div>
<br />
Topics<br />
1. Issues of Art Theories in the Era of Mass Culture<br />
2. New Media, Design and Aesthetics<br />
3. Aesthetics of Body and Sports<br />
4. Reflections on the History of Aesthetics<br />
5. Values of Art: Cognitive, Moral and Political<br />
6. Scientific Perspectives on Aesthetics<br />
7. Imagination and Emotion<br />
8. Aesthetics of Environment and Ecology<br />
9. Aesthetics and Theories of Individual Artistic Genres<br />
10. Aesthetics and Art Theories in Asian Traditions
<br />
<br />
Página Web: <a href="http://www.ica2016.org/main/main.php">http://www.ica2016.org/main/main.php</a><br />
<br />
<br />
<b>29 agosto - 1º septiembre 2016</b><br />
<b>XXIV Conference of the International Association of Empirical Aesthetics
</b><br />
University of Vienna, Austria
<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
For the conference we welcome contributions that use scientific methods to investigate aesthetic experience and aesthetic behavior in a wide variety of domains, including encounters with beauty, visual art, music, literature, film, theater, philosophy, or museum behavior.
</div>
<br />
Página Web: <a href="http://iaea2016.univie.ac.at/">http://iaea2016.univie.ac.at</a><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiODI1k9MDDJ3ByXYLtij8q-iKBDcES5_K7yjOiUdoD0r4dMU9-yvTxE3HWUgdB4Fy7NugPCJimXJ1OGmS9BRSJmYBRR5rzq5CkTXbMAtIwPtgsh4gAQvn4t608Tna0NY6MGjP9wBlnax4/s1600/IAEA2016_logo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="132" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiODI1k9MDDJ3ByXYLtij8q-iKBDcES5_K7yjOiUdoD0r4dMU9-yvTxE3HWUgdB4Fy7NugPCJimXJ1OGmS9BRSJmYBRR5rzq5CkTXbMAtIwPtgsh4gAQvn4t608Tna0NY6MGjP9wBlnax4/s400/IAEA2016_logo.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
<br />
<b>8-10 septiembre 2016</b><br />
<b>Symposium for Philosophy of Dance and Performance</b><br />
Texas State University, San Marcos, USA<br />
<br />
<i>Conferencistas principales:</i><br />
Julie Van Camp, Arnold Berleant, Richard Shustermann, Robert Crease, Barbara Montero.<br />
<br />
<i>Compañías de danza invitadas:</i><br />
Mark Morris Dance Company (Brooklyn, New York), Erick Hawkins Dance Company (NYC, New York), ARCOS (Austin, Texas).<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
We propose an interdisciplinary symposium investigating philosophy and dance. Featuring live performances and keynote speakers from the fields of aesthetics, philosophy of art, dance theory, choreography, and multi-media dance; the symposium will also include interdisciplinary panels for scholars, practitioners, and students. The symposium is meant to build a platform to approach vital questions concerning dance and human well-being in a manner that is accessible not only to philosophers but dancers and people from the more general community. Our speakers and performers will be an international crowd, reaching across the geographical distances. Modern dance has been a vehicle for answering philosophical questions by actually changing cultural norms for many years. The goal of the conference is to approach the aesthetics of modern dance deeply and broadly expanding scholarly interests in aesthetics of dance as a means to identify, understand, analyze, and respond to societal problems such as blocking diversity, elitisms, prejudices, loneliness, anger, and others through music, rhythmic embodiment and profound meaning.
</div>
<br />
Página Web: <a href="http://www.txstate.edu/philosophy/SymposiumPhilosophyDancePerformance.html">www.txstate.edu/philosophy/SymposiumPhilosophyDancePerformance.html</a><br />
<br />
<br />Arturo Rivas Seminariohttp://www.blogger.com/profile/03660676138576482748noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-3596274268315313096.post-38514172281160818292016-04-13T12:29:00.001-05:002016-04-13T12:29:40.617-05:00Vladímir conoce a Vera<div style="text-align: justify;">
El 8 de mayo de 1923, la comunidad de exiliados rusos en Berlín celebró una fiesta de disfraces benéfica. A ella asistió un joven poeta de cierto renombre en ese círculo, que firmaba con el seudónimo "Sirin" y que se llamaba Vladímir Nabókov. También estaba allí una de las hijas del empresario Evséi Slónim, Véra Slónim. La delgada y frágil chica con el disfraz de arlequín reconoció al poeta, se acercó entre la multitud para hablarle y quiso la noche que en ese preciso momento hubiese magia. Se miraron, se hablaron, se gustaron. Ella le reveló que lo conocía bien. Desde niña, Véra tenía la habilidad de recordar un poema con sólo haberlo leído un par de veces y no lo olvidaba nunca. Pero, esta vez, no se trataba de cualquier poema. Ella le recitó a Nabókov uno de los poemas que más le gustaban: uno que él había escrito. Esa misma noche, apenas unas horas después, él, que ya intuía que acababa de conocer al amor de su vida, le escribió un poema que se publicaría luego en la revista rusa <i>Rul</i> y que fue el primer testimonio de un amor que, con altas y bajas como todo amor real, duró hasta el final de sus vidas. El poema dice:</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">El encuentro</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<i>encantado por esta extraña proximidad</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Extrañeza, misterio y delicia…</div>
<div style="text-align: justify;">
como si de la negrura oscilante</div>
<div style="text-align: justify;">
de alguna mascarada en cámara lenta</div>
<div style="text-align: justify;">
por el tenue puente vinieras.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Y la noche fluía, y el silencio flotaba</div>
<div style="text-align: justify;">
en sus arroyos satinados</div>
<div style="text-align: justify;">
ese perfil de lobo en la negra máscara</div>
<div style="text-align: justify;">
y esos tiernos labios tuyos.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Y bajo el castaño, por el canal</div>
<div style="text-align: justify;">
pasaste tu anzuelo de reojo.</div>
<div style="text-align: justify;">
¿Qué comprendió mi corazón en ti,</div>
<div style="text-align: justify;">
cómo me moviste de esta forma?</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En tu ternura momentánea</div>
<div style="text-align: justify;">
o en el contorno oscilante de tus hombros,</div>
<div style="text-align: justify;">
¿advertí un bosquejo pálido</div>
<div style="text-align: justify;">
de otros —irrevocables— encuentros?</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
¿Acaso una romántica piedad</div>
<div style="text-align: justify;">
te llevó a entender</div>
<div style="text-align: justify;">
lo que dejara temblando a esa flecha</div>
<div style="text-align: justify;">
que ahora se incrusta en mis palabras?</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
No sé nada. Curiosamente</div>
<div style="text-align: justify;">
el verso vibra, y en él, la flecha…</div>
<div style="text-align: justify;">
¿Tal vez tú, todavía sin nombre, eras</div>
<div style="text-align: justify;">
la genuina, la esperada?</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Pero no bien apareció el dolor</div>
<div style="text-align: justify;">
logró perturbar nuestra hora estrellada.</div>
<div style="text-align: justify;">
Regresó a la noche la fisura gemela</div>
<div style="text-align: justify;">
de tus ojos, ojos sin alumbrar.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
¿Por cuánto? ¿Por siempre? Por lo pronto</div>
<div style="text-align: justify;">
sigo andando, queriendo escuchar</div>
<div style="text-align: justify;">
la revolución de estrellas sobre nuestro encuentro</div>
<div style="text-align: justify;">
por si tú ya fueras mi destino…</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Extrañeza, misterio y delicia,</div>
<div style="text-align: justify;">
como de una súplica distante.</div>
<div style="text-align: justify;">
Mi corazón debe seguir andando.</div>
<div style="text-align: justify;">
Excepto si tú ya fueras mi destino…</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvyYlvdl-mDfdmwaQUtwpBcjdnGk8vZ49edmKXYOD2Mn6o7iJq8kumSxOqdeFyJniMh_7fK5Mp60WEy1jnG1UXmwg6Al7CucK5-F-J4kCYHlFdUuQCRrYU2s5rowJtJFluEA8O82KkaaU/s1600/Vera-Nabokov.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="298" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvyYlvdl-mDfdmwaQUtwpBcjdnGk8vZ49edmKXYOD2Mn6o7iJq8kumSxOqdeFyJniMh_7fK5Mp60WEy1jnG1UXmwg6Al7CucK5-F-J4kCYHlFdUuQCRrYU2s5rowJtJFluEA8O82KkaaU/s400/Vera-Nabokov.jpg" width="450" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption">Vladímir y Véra Nabókov en 1923.</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Hubo momentos en los que ella le escribía cartas sin respuesta. Hubo otros en los que era él quien se desesperaba por no recibir nada en su buzón de correo. Pero ya era cada uno el destino del otro. Cincuenta y tres años después, Nabókov le dedicó su última novela. Se las venía dedicando todas desde 1951. Ese año se publicó <i>Habla, memoria</i>, en cuya dedicatoria se lee: "Pasan los años, amor, y con el tiempo nadie sabrá lo que tú y yo sabemos".</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhj5GICUYr-gAI3XQfPzYcuyc5kmx95gadSx9AlENGGLfCwL5dpLJCjpOFMH-cOFKgY3SCYaI2BcH6b-L2frsenRTx7zGadzUrsl3hxqNWsciLyzNONj3nfgnWcnGYjfOXfDQ6YW2yU86c/s1600/15COVER-master675.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="367" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhj5GICUYr-gAI3XQfPzYcuyc5kmx95gadSx9AlENGGLfCwL5dpLJCjpOFMH-cOFKgY3SCYaI2BcH6b-L2frsenRTx7zGadzUrsl3hxqNWsciLyzNONj3nfgnWcnGYjfOXfDQ6YW2yU86c/s400/15COVER-master675.jpg" width="450" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption">Crédito: Philippe Halsman/Magnum Photos</td></tr>
</tbody></table>
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<br /></div>
Arturo Rivas Seminariohttp://www.blogger.com/profile/03660676138576482748noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3596274268315313096.post-12242385618985861372016-02-24T11:52:00.000-05:002016-06-12T00:42:11.424-05:00Nina Simone & David Bowie — For we are like creatures in the wind<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/1V_ZBSBsjSQ" width="420"></iframe>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<br />
1974. Mayo 12. Por tercera vez se realizaba en Washington el "Human Kindness Day", festival en que unas 55 mil personas celebraban la lucha por los derechos civiles de los afroamericanos. El orador principal era Muhammad Ali, pero el festival entero estaba dedicado ese año a Nina Simone. Las pocas fotografías y grabaciones que se conservan difícilmente pueden ocultar la extrema fragilidad de la aclamada "sacerdotisa del soul". Allí, mientras la gente entonaba su "Mississippi Goddam", convertido en himno por los activistas negros desde la célebre marcha de Selma, ella acaso revivía la dureza de esos años de prejuicios que sintió en carne propia, cuando se le dijo que tenía la nariz muy ancha y la piel muy oscura para ser una pianista de música clásica, y en los que se hizo lo suficientemente fuerte como para no sucumbir y, además, dar la pelea, como cuando se negó a tocar ante una audiencia de blancos si no se les permitía a sus padres sentarse en primera fila. Para entonces, Simone llevaba largo tiempo sin grabar ni tocar en vivo. Eran días difíciles para ella, agravados por el hostigamiento del Gobierno. El homenaje era también una respuesta a los cargos de evasión tributaria que enfrentaba por parte del IRS. Para nadie había dudas de que se trataba de un amedrentamiento.<br />
<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEig6uJ7B2vJg57FGpCnT9x1RJ2OYwzqOGYUsVrWSC7208VMyT1peNfUBVsQdxZ0c8hJCUoNjvYvwa1GpE8uXBTEO2Iz-iaad3UOqVoulIF55YEThfiJdmvks769EjvZo4nqzoVYcuDA1N4/s1600/1974.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="209" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEig6uJ7B2vJg57FGpCnT9x1RJ2OYwzqOGYUsVrWSC7208VMyT1peNfUBVsQdxZ0c8hJCUoNjvYvwa1GpE8uXBTEO2Iz-iaad3UOqVoulIF55YEThfiJdmvks769EjvZo4nqzoVYcuDA1N4/s320/1974.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption">Nina Simone en el Human Kindness Day de 1974.</td></tr>
</tbody></table>
<br />
1974. David Bowie, sumido en las drogas y en la paranoia, decidió matar a Ziggy Stardust, una de sus más célebres caracterizaciones, y mudarse a Nueva York en busca de una nueva dirección musical a través del soul. En julio de ese año, dio un par de conciertos en el Madison Square Garden. Quizás pensando en lo difícil que resultaba para su pequeña hija, Lisa, el proceso de separación de su marido, Simone decidió llevarla a uno de esos conciertos. Cerca de una semana después, tal como lo cuenta Alan Light en su biografía recientemente publicada: <i>What Happened, Miss Simone?</i> (Crown Archetype, 2016), Bowie entró al Hippopotamus, un club privado neoyorquino, con un pequeño séquito y se sentó en una esquina cerca a la entrada. Pocos minutos antes había llegado al mismo lugar Nina Simone, que no había planeado realmente ir esa noche. Al rato, cuando ella se estaba yendo, pasó frente a la mesa de Bowie y éste la llamó y la invitó a sentarse junto a él. Intercambiaron muy pocas palabras en ese momento, pero él le pidió su número telefónico. Más tarde esa misma noche, exactamente a las 3 a.m., Bowie la llamó: "Lo primero que quiero que sepas es que no estás loca", le dijo, "no dejes que nadie te diga que estás loca, porque de donde tú vienes, hay muy pocos de nosotros allá afuera".<br />
<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWtoAwwGqJhC_aunKGpgXVIDBfVgC9H12Y8KgqJJwRzQ3qRhCBFQuOkN3XLyLCN_fOWJXdYtMejFdHjPn1-_xneMaNmKk07Ae4k_9X94KUIamGhGFTARNFKQlKPFMnVX3U2dh4ruvWT8Y/s1600/david-bowie-at-madison-square-garden-photographed-by-bob-gruen-1974.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWtoAwwGqJhC_aunKGpgXVIDBfVgC9H12Y8KgqJJwRzQ3qRhCBFQuOkN3XLyLCN_fOWJXdYtMejFdHjPn1-_xneMaNmKk07Ae4k_9X94KUIamGhGFTARNFKQlKPFMnVX3U2dh4ruvWT8Y/s400/david-bowie-at-madison-square-garden-photographed-by-bob-gruen-1974.jpg" width="262" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption">David Bowie en el Madison Square Garden en julio de 1974, fotografiado por Bob Gruen.</td></tr>
</tbody></table>
<br />
Durante todo un mes, él la llamaba cada noche y hablaban por horas. Hasta que un día se animó a visitarla. "Se veía como Charlie Chaplin, un traje de payaso, un gran sombrero negro", contó Simone. "Me dijo que él no era un cantante dotado y que lo sabía. Él dijo: 'Lo que está mal contigo es que tú eras dotada — tenías que tocar. Tu genio eclipsa al dinero y no sabes qué hacer para obtener tu dinero, mientras que yo no era un genio, pero lo planeé, quería ser un cantante de rock and roll y sólo conseguí la fórmula correcta'". Como afirma Light, Bowie estaba distinguiendo entre la construcción de una estrella de pop y la sensibilidad que identifica a un verdadero artista. Desde luego que, pese a su modestia, el poder reconocer eso implicaba en Bowie una sensibilidad afín, mirándose en Simone como en un espejo. "Él tiene más sentido que nadie que yo haya conocido jamás", diría ella después. "Eso no es humano — David no es de aquí".<br />
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/y2UVa0QjtFI" width="420"></iframe>
</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<br />
Al poco tiempo, buscando nuevos aires como Bowie, Nina Simone decidió dejar los Estados Unidos y así volver a tocar, lejos de todo lo que la estaba asfixiando. La inesperada amistad de Bowie había sido providencial. Éste, por su parte, también encontró en ella algo de esa nueva sensibilidad artística que andaba buscando; prueba de ello es su versión de "Wild Is the Wind", la magnífica súplica de amor que Simone había grabado en 1966 y con la que Bowie cerró su <i>Station to Station</i>. La amistad de ambos perduró hasta la muerte de ella, en 2003.</div>
Arturo Rivas Seminariohttp://www.blogger.com/profile/03660676138576482748noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3596274268315313096.post-33350247505673627012016-02-21T16:40:00.000-05:002016-02-21T21:46:15.930-05:00Umberto Eco: Cómo prepararse serenamente para la muerte<br />
<b><span style="font-size: large;">Cómo prepararse serenamente para la muerte. Breves instrucciones a un eventual discípulo</span></b><br />
<br />
<span style="font-size: large;">Umberto Eco</span><br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrR-EGnupoYiaoxUa9rkKMsCtfpEybY47Ce1Xc6kFXzRg8LRkyhSl5yViW2_JJW6HLql4uhpdf9KOQpLXbpWQwSbvkrFulxLsXn4uYS314MnNpdFwd7l0pHaS7-L8kUUHVZdmptnC8Snk/s1600/ECO1997.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrR-EGnupoYiaoxUa9rkKMsCtfpEybY47Ce1Xc6kFXzRg8LRkyhSl5yViW2_JJW6HLql4uhpdf9KOQpLXbpWQwSbvkrFulxLsXn4uYS314MnNpdFwd7l0pHaS7-L8kUUHVZdmptnC8Snk/s400/ECO1997.jpg" width="287" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Publicado en <i>L'Espresso</i>, 12 de junio de 1997.</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
No estoy seguro de decir algo original, pero uno de los mayores problemas del ser humano es cómo afrontar la muerte. Parece que tal problema es complicado para los no creyentes (¿cómo afrontar la Nada que nos aguarda después?), pero las estadísticas nos dicen que la cuestión preocupa también a muchísimos creyentes, los cuales creen firmemente que hay una vida después de la muerte y aún así piensan que la vida antes de la muerte es en sí misma tan placentera conservarla como desagradable abandonarla; por lo que anhelan, sí, llegar al coro de los ángeles, pero lo más tarde posible.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Me parece evidente que estoy planteando el problema de qué cosa significa ser-para-la-muerte, o también solamente reconocer que todos los hombres son mortales. Parece fácil en tanto que le concierna a Sócrates, pero se vuelve difícil cuando nos concierne a nosotros. Y el momento más difícil será aquél en el que nos demos cuenta que por un momento todavía somos y un momento después no seremos más.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Recientemente un discípulo pensativo (como Critón) me preguntó: «Maestro, ¿cómo puede uno aproximarse bien a la muerte?». Yo le respondí que la única manera de prepararse para la muerte es convencerse de que todos los demás son cojudos.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Ante el estupor de Critón le aclaré: «Mira —le dije—, ¿cómo puedes aproximarte a la muerte, aunque seas creyente, si piensas que, mientras tú mueres, jóvenes sumamente deseables de ambos sexos bailan en la discoteca divirtiéndose de lo lindo, ilustres científicos penetran los últimos misterios del cosmos, políticos incorruptibles están creando una sociedad mejor, diarios y televisoras se dedican a dar solamente noticias importantes, empresarios responsables se preocupan de que sus productos no degraden el medio ambiente y se dedican a restaurar una naturaleza de riachuelos potables, pendientes boscosas, cielos límpidos y serenos protegidos por el oportuno ozono, nubes suaves que destilan lluvias dulcísimas? El pensamiento de que, mientras suceden todas estas cosas maravillosas, tú te vas, resultaría insoportable.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
«Ahora intenta pensar que, en el momento en que adviertes que estás abandonando este valle, tienes la certeza imperecedera de que el mundo (seis mil millones de seres humanos) está lleno de cojudos, que son cojudos los que están bailando en la discoteca, cojudos los científicos que creen haber resuelto los misterios del cosmos, cojudos los políticos que proponen la panacea para todos nuestros males, cojudos los que llenan páginas y páginas de insulsos cotilleos sin importancia, cojudos los productores suicidas que destruyen el planeta. ¿No te sentirías en ese momento feliz, aliviado, satisfecho de abandonar este valle de cojudos?».</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Critón me preguntó entonces: «Maestro, ¿cuándo tengo que empezar a pensar así?». Yo le respondí que no hay que hacerlo demasiado pronto, porque el que a los veinte o incluso treinta años piensa que todos son cojudos es un cojudo y nunca alcanzará la sabiduría. Hay que empezar pensando que todos los demás son mejores que nosotros, y luego ir evolucionando poco a poco, tener las primeras débiles dudas hacia los cuarenta, comenzar la revisión entre los cincuenta y los sesenta, y llegar a la certeza mientras se avanza hacia los cien, pero preparados para estar a mano cuando llegue el telegrama de notificación.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Convencerse de que todos los demás que nos rodean (seis mil millones) son cojudos es fruto de un arte sutil y sagaz, no es una aptitud natural del primer Cebes con un pendiente en la oreja (o en la nariz). Exige estudio y esfuerzo. No hay que acelerar las etapas. Hay que llegar suavemente, justo a tiempo para morir serenamente. El día antes conviene pensar que hay una persona, a la que amamos y admiramos, que precisamente no es cojuda. La sabiduría consiste en reconocer en el momento preciso (no antes) que esa persona también era cojuda. Solo entonces se puede morir.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
De modo que el gran arte consiste en estudiar poco a poco el pensamiento universal; escrutar las costumbres; controlar día a día los medios de comunicación de masas, las afirmaciones de los artistas seguros de sí mismos, los apotegmas de los políticos descontrolados, los sofismas de los críticos apocalípticos, los aforismos de los héroes carismáticos, estudiando las teorías, las propuestas, las apelaciones, las imágenes, las apariciones. Solamente entonces, por fin, alcanzarás la perturbadora revelación de que todos son cojudos. En aquel momento estarás preparado para el encuentro con la muerte.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Tendrás que resistir hasta el final a esta revelación insostenible, te obstinarás en pensar que alguien dice cosas sensatas, que ese libro es mejor que otros, que aquel líder desea realmente el bien común. Es natural, es humano, es propio de nuestra especie rechazar la convicción de que los demás son, todos sin distinción, cojudos; si no, ¿por qué valdría la pena vivir? Pero cuando por fin lo sepas, habrás comprendido por qué vale la pena (y hasta es espléndido) morir.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Critón me dijo entonces: «Maestro, no quisiera tomar decisiones precipitadas, pero albergo la sospecha de que sois un cojudo». «¿Ves? —le dije—, ya estás en el buen camino.»</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTa1Kc9LgKkE0pLCy8VmOUeZPYmyZZj0LR0z3b0g7AEPkAEBU2tpIGdWZATTFJGG8xwLXQbk5n-ic881Q2foECzdnxWN0hth8tm7km2GxTJXZLyY86euO6TQvZIGucOi7C2yViUOzM6js/s1600/eco.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="307" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTa1Kc9LgKkE0pLCy8VmOUeZPYmyZZj0LR0z3b0g7AEPkAEBU2tpIGdWZATTFJGG8xwLXQbk5n-ic881Q2foECzdnxWN0hth8tm7km2GxTJXZLyY86euO6TQvZIGucOi7C2yViUOzM6js/s400/eco.jpg" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
Arturo Rivas Seminariohttp://www.blogger.com/profile/03660676138576482748noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3596274268315313096.post-53922549661592790132016-02-17T21:50:00.000-05:002016-02-17T21:58:58.613-05:00Eduardo Chirinos, in memoriam<br />
<b><span style="font-size: large;"> Antes de dormir</span></b><br />
<br />
Es tarde, pero quisiera decir algo.<br />
Esa<br />
música tardía, esos ecos que rebotan<br />
en las piedras y crean silencios. No<br />
<br />
no es eso exactamente:<br />
entre eco<br />
y eco hay una música y en ella<br />
un ladrido, un dolor, un golpe seco.<br />
<br />
La palabra<br />
que alguna vez borramos<br />
vuelve a su lugar.<br />
Como la música<br />
tardía, como el silencio.<br />
<br />
Pero no es eso tampoco. Escribir:<br />
<br />
callar: cerrar los ojos. Ecos<br />
que rebotan en las piedras y de nuevo<br />
el ladrido, el dolor, el golpe seco.<br />
<br />
No sé cómo explicarlo.<br />
<br />
Pero es tarde<br />
y en verdad no quiero decir nada.<br />
<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgz613FvXBJPjRoY3iv4nMhnWi9YxdqqT0fjZXmXg3KHM_KVYNdIDG1I-W54t_tQnBk7CS8oMk5lwWGPDrdLeDtUNlqnh5M-OmuxEfUBeiieX3xcpaoQIhhenSzi9K2UI-1l8AeJkVKMLA/s1600/Eduardo-Chirinos.jpg"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgz613FvXBJPjRoY3iv4nMhnWi9YxdqqT0fjZXmXg3KHM_KVYNdIDG1I-W54t_tQnBk7CS8oMk5lwWGPDrdLeDtUNlqnh5M-OmuxEfUBeiieX3xcpaoQIhhenSzi9K2UI-1l8AeJkVKMLA/s400/Eduardo-Chirinos.jpg" /></a></div>
<br />
<div style="text-align: center;">
<b>Eduardo Chirinos (Lima, 1960-2016)</b></div>
Arturo Rivas Seminariohttp://www.blogger.com/profile/03660676138576482748noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3596274268315313096.post-10079954633044563922016-02-12T17:25:00.000-05:002016-02-13T17:29:26.141-05:00Entrevista a Julio Cortázar por Alfredo Barnechea (1972)<div style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: large;">Entrevista a Julio Cortázar</span></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>Por Alfredo Barnechea</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Aunque los lectores han hecho de <i>Cien años de soledad</i> su novela preferida, es probable que si los escritores votaran sobre la novela latinoamericana más influyente de este siglo, escogerían a <i>Rayuela</i>.
Esa novela, y los cuentos de su autor, les abrieron a muchos de ellos las puertas de una lengua libre, de un castellano nuevo, extremadamente creativo e inteligente.
Julio Cortázar subió a un barco en 1951 y abandonó Argentina para siempre. En París, donde residió desde entonces, trabajó al principio básicamente como traductor, mientras hilvanaba una de las grandes obras literarias de este siglo; uno de los frutos felices de ese oficio fue la maravillosa traducción de <i>Memorias de Adriano</i> de Marguerite Yourcenar.
En los sesenta, París volvió a ser una fiesta, esta vez para los escritores de lengua española que convergieron allí.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Nacido en 1914 (el mismo año que Octavio Paz y que Camus), Cortázar era una especie de adelanto del ‘boom’. En ese grupo de escritores intensamente políticos, Cortázar fue al comienzo acaso uno de los más apolíticos, y más apegados al puro placer de la literatura. Qué cambió en su vida privada no lo sabemos con certeza, pero lo cierto es que este gran escritor se transformó con el tiempo en un progresista activo, casi ingenuo.
Ya envuelto en esa posición, vino al Perú en 1972, en medio de lo que parecía entonces, para muchos intelectuales latinoamericanos, una atractiva revolución militar.
De todas las entrevistas reunidas en este libro, ésta es la más antigua. Yo tenía veinte años, y hacía mis pinitos en el oficio periodístico, como quizá se note leyéndola. Pero este escritor altísimo, con cara de niño que se comía los años, tuvo la generosidad de darme la entrevista. “Búsqueme en el hotel”, me había dicho. “Pregunte por Monsieur Karvelis” –ya que se alojaba bajo el nombre de su compañera de entonces, Ugné Karvelis. “Pero después nos lleva al box”. He olvidado la pelea, y quienes iban con nosotros. Pero todavía hoy, veinticinco años después, recuerdo la emoción que tenía cuando subí las escaleras del viejo Hotel Bolívar para conversar con el Cronopio.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjfij-o4-k3EZ-xPdW-0CMOW_gBymCgFObAUaLz4A_REohCmM4TmZvM_7a5cPYtT7KyXaBxs05GgX86-3kPXgCIknaBG5XjlEqrESubOQk4_9tDu7QefwvD3h7yz12JSs5AdeEIsWb0ks4/s1600/Julio_en_Lima.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjfij-o4-k3EZ-xPdW-0CMOW_gBymCgFObAUaLz4A_REohCmM4TmZvM_7a5cPYtT7KyXaBxs05GgX86-3kPXgCIknaBG5XjlEqrESubOQk4_9tDu7QefwvD3h7yz12JSs5AdeEIsWb0ks4/s320/Julio_en_Lima.jpg" width="237" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Cortázar frente a la Catedral de Lima, 1972 (Fuente: revista Caretas)</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Julio Cortázar: </b>Soy un latinoamericano que lo quiso leer todo, saber todo, que ha devorado muchas páginas, pero que también ha cambiado, porque mi vida ya no es la misma de antes. Ahora no puedo leer y escribir exclusivamente todo el día, porque estoy en reuniones, haciendo contactos coordinando otras cosas, no literarias. Me interesa bastante más que antes la política de nuestros países, y eso quita tiempo, viejo.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><i>Alfredo Barnechea: </i></b><i>Ha nacido en Bélgica, casi accidentalmente, el 14. El año 23, en Banfield, prendido de las solapas de su tío, ha escuchado la pelea entre Dempsey y Firpo, el toro salvaje. Ha estado en Buenos Aires, ha sido maestro de escuela de provincias, el 32 pretendió irse a Europa, de pavo en barco, pero no lo logró, se quedó veinte años más en Argentina y cuando se fue de verdad, el 51, ya era demasiado tarde para librarse de Buenos Aires, de Gardel, de la nostalgia de los días primeros. En 1963 publicó Rayuela, una cima de la novela latinoamericana. Después de tantos años ¿Cómo percibe Cortázar su país?</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>JC:</b> Lo percibo como uno de los países latinoamericanos. La respuesta puede parecer obvia, pero mirándola bien no lo es. He estado alejado físicamente, sí, pero no
en lo que de veras cuenta; pienso que diez libros son una prueba que acaso no podrían aportar muchos de los que andan reprochando a diestra y siniestra el famoso exilio. Buenos Aires me asfixió y fue París precisamente lo que permitió que yo redescubriera una visión distinta de mi país y de Latinoamérica. París –Europa mejor— me abrió un horizonte total, planetario, que yo no tenía desde Buenos Aires. No estoy dando una receta, hablo sólo por mí, pero sé que sin París no hubiera escrito lo que he escrito. Si me hubiera quedado allá, en el pago, mi madurez de escritor se hubiera manifestado de otra manera, seguramente más satisfactoria para los historiadores de la literatura, menos provocadora, agresiva para quienes leen mis libros por razones vitales. Y claro, yo estoy con ellos. No sólo no me quedé, sino que no he vuelto, y sigo creyendo que París es el sitio perfecto para alguien como yo, para mis gustos, para lo que escriba todavía.</div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>La geografía, ilusoria; los mapas, un abusivo invento de las enciclopedias. Allá, Cortázar resolvió que no valía la pena haberse quedado. Pero, de todos modos, hay que estar loco perdido, rechiflado en su tristeza, para decir de una ciudad lo que este tipo ha dicho de Buenos Aires:</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>JC:</b> Se puede, entonces, seguir andando y desandando, anulando el prejuicio de las leyes físicas, entendiendo y entendiéndose desde una visión y un lenguaje que nada tienen que ver con la historia y la circunstancia. Como si todo fuera alcanzado por un progresivo retorno, miro ahora mi ciudad con la mirada del que viaja en la plataforma de un tranvía, retrocediendo mientras avanza, y de tanto perfume nocturno, de incontables encuentros con gatos y bibliotecas y Cinzano y Razón Sexta y cine continuado, me vuelven sobre todo los tiempos de estudiante, los bares automáticos de Constitución, la calle Corrientes de las primeras escapadas temerosas de los años treinta. Corrientes inconcebibles hoy, con sus orquestas de señoritas, sin cines largos y estrechos y una pantalla neblinosa donde personajes de barba y levita corrían por salones lujosos a pobres chicas con sombreritos y tirabuzones y a eso llamaban películas realistas. Son las rabonas de Plaza Italia con un sol caliente de libertad y pocas monedas, de penumbra alucinatoria del Pasaje Güemes, el aprendizaje del billar y la hombría de los cafés del Once, las vueltas por San Telmo entre la noche y el alba, un tiempo de cigarrillos rubios y tranvía 86, Villa Urquizo y la Plaza Irlanda, donde un breve otoño fui feliz con alguien que murió temprano.</div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i><b>AB:</b> Veinte años en que Julio Cortázar ha vivido en Francia, escribiendo en una lengua y hablando otra. ¿Cómo ha salvado ese problema?</i></div>
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<br /></div>
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<b>JC:</b> Bueno, tuve suerte, pues luego de ganarme la vida pintorescamente en París aprobé un examen en la UNESCO como traductor <i>free-lance</i>. La traducción exige no perder de vista la lengua madre, y si a eso se suma mi propia tarea de escritor (y de lector omnívoro), los años pasaron sin que mi lengua sufriera. A veces me autopesco un galicismo, pero eso ocurre tanto en la Argentina como en Francia y, bueno, después de todo, eso nunca ha sido tan terrible.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i><b>AB:</b> Minucioso, insólito, lúdico, bromista, con una cultura multilateral, casi ecléctica, laberíntico. Muchos creen que éste es el verdadero Julio Cortázar. ¿Está de acuerdo con esa imagen?</i></div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>JC:</b> Oye sí, te acepto los epítetos, y agrego otros que no son contradictorios sino complementarios: soy profundamente serio, exigente hasta la náusea conmigo mismo, inconsciente (los temas me vienen de regiones incontroladas por mi inteligencia, apenas mediocre), paradójico (para luchar contra los monobloques ideológicos y culturales), enamorado del rumor del mundo, ciego a los elogios, perdido en una vigilante abstracción de cronopio incurable.</div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i><b>AB:</b> Horacio Oliveira, el personaje de Rayuela, es, digamos, un afrancesado, un hombre entre dos mundos, en busca de un centro. Los datos parecen corresponderse con Julio Cortázar. En cierta manera, Rayuela terminaría en un fracaso, si nos atenemos al itinerario del personaje. Julio Cortázar...</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>JC:</b> <i>Piano</i>, <i>piano</i>. Ese fracaso de Oliveira, antes que nada, me parece mucho más fecundo que muchos triunfos de esta civilización occidental. Y, después, no es el fracaso de Julio Cortázar, si a eso vamos. Es, en todo caso, el problema, no su resolución. Ya he hablado de mi reencuentro con América Latina, sobre todo a partir de la revolución cubana, de ese no estar aquí y a la vez estar definitivamente.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i><b>AB:</b> Hemos oído que escribió Rayuela de un tirón...</i></div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>JB:</b> Más que de corrido, <i>Rayuela</i> fue escrita a saltos, pues empezó en lo que luego fue la segunda parte, y ésta quedó en suspenso hasta que terminé la primera; paralelamente se fueron agregando los capítulos “teóricos”, los recortes de prensa y las citas de sabios y locos.</div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i><b>AB:</b> ¿Le sucedió lo mismo con sus otros escritos? ¿La preparación es muy larga? ¿Cómo surge en usted la necesidad de escribir?</i></div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>JC:</b> Me cuesta mucho empezar a escribir. Mucho, porque la preparación de un cuento o de una novela corre subterránea dentro y a su manera; pero cuando arranco de veras me parezco a Fangio, viejo, y no paro hasta que el texto mismo me para la bandera.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i><b>AB:</b> Usted tenía treinta y cinco cuando publicó Los reyes. Era una llegada algo tardía, pues sólo un poemario (publicado con seudónimo) lo secundaba. ¿Pero desde cuándo escribe?</i></div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>JC:</b> Escribo desde los quince años, pero sólo a los treinta me animé a publicar un libro de poemas, firmado con seudónimo. He escrito siempre poemas. Adolescente, creí, como tantos, que mi sensación de extrañamiento anunciaba al poeta, y escribí, los poemas que se escribían entonces y que siempre son más fáciles de escribir que la prosa, a esa altura de la vida. Pero no había para más. Me sorprendí por eso cuando, un día en La Habana, Gianni Toti me dijo que de todo lo que había escrito lo que más le gustaba eran mis poemas. Cuando escribí <i>Los reyes</i> ya era dueño de una técnica, que era hija del rigor. Siguieron los cuentos de <i>Bestiario</i>, sobre los que ya no tuve ninguna duda. Pero el noviciado había sido largo y duro. Había que tenerse mucha fe, y a la vez había que apoyarse en una permanente desconfianza en sí mismo. En el terreno práctico, esto debía traducirse en no publicar prematuramente, pecado cotidiano en nuestros países.</div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i><b>AB:</b> ¿Eso sería lo que le diría a un joven escritor que le pide consejos?</i></div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>JC:</b> Sí, si el consejo es de ese tipo. Si, más bien, quiere saber cómo se escribe, haría lo que el maestro zen: le rompería una silla en la cabeza. Pero la otra recomendación, sí. Fue lo que me pasó a mí. Tiré miles de páginas antes de publicar por primera vez, porque si bien respondían a mis impulsos más hondos, algo en mí era capaz de juzgarlas y saber que no merecían imprenta. Jamás me alegraré lo bastante de haber sido tan duro para conmigo mismo.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i><b>AB:</b> Para muchos, escribir es un acto de exorcismo. En su caso, ¿algún cuento o novela ha cumplido esa función?</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>JC:</b> Una buena parte de mis cuentos han nacido de estados neuróticos, obsesiones, fobias, pesadillas. Nunca se me ocurrió ir al psicoanalista; mis tormentas personales las fui resolviendo a mi manera, es decir, con mi maquina de escribir y ese sentido del humor que me reprochan las personas serias. Entonces, más que un cuento o una novela, es el escribir mismo mi acto de exorcismo.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>Y claro, debía preguntarle lo de siempre, que por qué, para qué escribe, pero ya ha dicho en otra parte que:</i></div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>JC:</b> Siempre seré un niño para tantas cosas, pero uno de esos niños que llevan consigo al adulto, de manera que cuando el monstruito llega verdaderamente a adulto ocurre que a su vez éste lleva consigo al niño, y en el <i>mezzo</i> del camino se da una coexistencia pocas veces pacífica de por lo menos dos aperturas al mundo. Mucho de lo que he escrito se ordena bajo el signo de la excentricidad, puesto que entre vivir y escribir nunca admití una diferencia; si viviendo alcanzo a disimular una participación parcial en mis circunstancias, en cambio no puedo negarla en lo que escribo puesto que precisamente escribo por no estar o por estar a medias. Escribo por falencia o descolocación; y como escribo desde un intersticio, estoy siempre invitando a que otros busquen los suyos y miren por ellos el jardín donde los árboles tienen frutos que son, por supuesto, piedras preciosas. El monstruito sigue firme... Y me gusta, y soy terriblemente feliz en mi infierno, y escribo. Vivo y escribo amenazado por esa lateralidad, por este paraje verdadero, por ese estar siempre un poco más a la izquierda o más al fondo del lugar donde se debería estar para que todo cuajara satisfactoriamente un día más de vida sin conflictos. Desde muy pequeño asumí con los dientes apretados esa condición que me separaba de mis amigos, y que a la vez los atraía hacia el raro, el diferente, el que metía el dedo en el ventilador. No estaba privado de felicidad. La única condición era coincidir de a ratos (el camarada, el tío excéntrico, la vieja loca) con otro que tampoco calzara de lleno en su matrícula, y desde luego no era fácil; pero pronto descubrí los gatos en los que podía imaginar mi propia condición, y los libros, donde la encontraba de llano. Pienso en Jarry, en un lento comercio a base de humor, de ironía, que termina por inclinar la balanza del lado de las excepciones, por anular la diferencia escandalosa entre lo sólito y lo insólito, y permite el paso cotidiano a un plano que a falta de mejores nombres seguiremos llamando realidad pero sin que sea ya un <i>flatus vocis</i> o un peor es nada.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i><b>AB:</b> Al cabo de tanto tiempo, supongo que tendrá señaladas sus preferencias. ¿Con qué cronopio se identifica más? ¿A quiénes relee con más constancia?</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>JC:</b> Casi nunca releo la gran literatura, aunque confieso la relectura periódica de <i>Los tres mosqueteros</i> y de mis Julio Verne preferidos. También el <i>Pickwick</i> de Dickens. En general, me inclino hacia los alienados, hacia los marginales de la literatura. Un Jarry, un Roussel. De una novela quiero que me enriquezca y me transforme, por la vía del sentimiento o del intelecto, pero jamás le pido que me enseñe algo. Las novelas didácticas o las destinadas a vehicular mensajes me recuerdan aquello de dorar la píldora. Además no son nunca entretenidas (véase el realismo socialista) y transmiten penosamente lo que ya se ha dicho en el ensayo. Actualmente leo pocas novelas. Vuelo, sí, a la poesía, porque puede leerse en todas partes, en los cafés y los trenes.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i><b>AB:</b> Una vez abandonada la maquina de escribir, ¿necesita librarse de la materia que desarrolla, o más bien continúa dándole vueltas en la cabeza?</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>JC:</b> Bueno, yo paso días y aún semanas sin escribir, cuando estoy trabajando en un libro. Ahora no me doy vacaciones. Vivo como habitado por lo imaginario, que se superpone a lo que me rodea, lo modifica y lo desplaza. Es un sentimiento a la vez maravilloso e inquietante, un periodo en el que se acumulan las coincidencias, y los encuentros, como si el libro y la realidad exterior se invadieran mutuamente hasta el día –siempre triste para mí— del punto final.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i><b>AB:</b> Si bien lo fantástico es una constante de su obra, El perseguidor podría ser el punto de apertura en otras direcciones. Ese cambio, si usted acepta la demarcación, ¿a qué experiencias corre paralelo? </i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>JC:</b> Sí, <i>El perseguidor</i> fue una primera toma de conciencia de una realidad inmediata, histórica, que hasta entonces había estado relegada al telón de fondo para los sucesos fantásticos de mis cuentos. No es por azar que poco tiempo después –y ésas podrían ser las experiencias paralelas— fui por primera vez a Cuba y conocí de lleno la experiencia socialista, con la que me solidaricé. Hasta entonces yo veía personas, individuos encerrados en sus viviendas privadas. <i>El perseguidor</i>, en efecto, fue una primera tentativa por aprehender al hombre como historia y destino, como buscador de sí mismo en su punto más alto y exigente.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i><b>AB:</b> Esa tentativa prosigue ahora. ¿El libro de Manuel es un divorcio con sus cuentos anteriores?</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>JC:</b> No, <i>El libro de Manuel</i> es una tentativa de recuperar dos niveles hasta ahora paralelos en mí, una búsqueda de convergencia entre mi yo-novelístico y mi yo-histórico, digamos. O sea, incluir todo lo que yo he estado diciendo, políticamente si se quiere, pero en un texto que sea literatura, y que lo sea no al modo de la literatura programada, sino de una literatura sin concesiones fáciles, demagógicas. Será un libro en cierta medida plural, al que podrá accederse por más de un nivel. Hay mucho de documental, de cosas que yo leía diariamente mientras escribía. Un grupo de latinoamericanos viven en París y deciden hacer una serie de acciones, y bueno, hay secuestros y cosas por el estilo. Ahora, el libro no quiere ser un texto dividido en esos dos niveles, sino acceder a un plano superior que los integre, que los haga converger.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i><b>AB:</b> La ruptura de la solemnidad, el humor, lo insólito, la búsqueda de una sobrerrealidad, han sido improntas del surrealismo. ¿Qué relación tuvo usted con él y cómo lo juzga ahora?</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>JC:</b> El surrealismo fue mi camino de Damasco, me arrancó de la sensiblería post-romántica de la Argentina de los años treinta, me enseñó a atacar la palabra, a batallar amorosa y críticamente con ella, a fiarme de lo absurdo y a rechazar la sensatez sistemática, a creer en una esquizofrenia creadora (no son los términos que se usaban entonces, pero los lectores de hoy comprenderán). Después vi anquilosarse poco a poco el surrealismo, convertirse en escuela, casi en Iglesia con André Breton como Papa. Yo, por muchas razones, no calzo con las iglesias. Pero el verdadero surrealismo es indestructible, es una actitud, un modo de conocer que se da diariamente de mil maneras que, por suerte, no son forzosamente literarias.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i><b>AB:</b> A menudo usted ha hablado del zen. ¿Qué admira allí?</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>JC:</b> Para no citar más que una de sus múltiples facetas, admiro en el zen la ruptura de los esquemas lógicos y la prueba de que no son imprescindibles para acceder a determinados niveles de conocimiento. Excelente lección para nosotros, devotos, obstinados esclavos de Aristóteles y Tomás de Aquino.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i><b>AB:</b> En su carta a Fernández Retamar, había una frase más o menos así: “Incapaz de acción política, no renuncio a mi solitaria vocación de cultura...”. En mayo del 68, en París, usted participó sin embargo en tomas de locales, y ahora, como nos dijo al comienzo, dedica cada vez más atención a la política latinoamericana. La frase citada ¿sigue siendo válida? En otras palabras, ¿cómo afronta ahora su compromiso político?</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>JC:</b> Me sigo creyendo incapaz (o si se quiere, poco capaz) de acción política, que para ser realmente una acción debería absorber todo mi tiempo, incluido el literario. Soy y seré un escritor que cree en la vía socialista para América Latina, y que en el plano político emplea los instrumentos que le son propios para apoyar y defender esa vía. Cuando lo creo necesario intervengo en un plano, digamos, directo de acción política, pero me sigo creyendo más eficaz en el de la palabra escrita. Sigo siendo un cronopio, o sea, un sujeto para el que la vida y el escribir son inseparables, y que escribe porque eso lo colma, en última instancia, porque eso le gusta.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i><b>AB:</b> Usted va para su país ahora, en un momento bastante crítico de su vida política, y quisiera preguntarle algo relacionado con ella. En su momento, como hicieron tantos intelectuales argentinos, usted rechazó al peronismo. Ahora hay una revaluación del peronismo por esa misma intelectualidad. ¿Cómo lo juzga hoy?</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>JC:</b> Con una perspectiva de veinte años, una ideología definida, con una autocrítica despiadada. En su momento, en efecto, fui incapaz de distinguir entre Perón y el peronismo, entre el gobernante ambiguo y la formidable toma de conciencia que había desatado sin ser capaz de llevarla a sus últimas consecuencias, o sea, a la revolución. Me alegraré el día en que el termino “peronismo” pueda ser sustituido por otro que exprese mejor, con más verdad, esa larga marcha del pueblo argentino hacia su destino socialista; pero, por el momento, puesto que indica suficientemente el camino, lo comprendo y lo respeto.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i><b>AB:</b> Para terminar, discúlpeme una pregunta algo solemne: ¿Cuáles han sido los grandes momentos del siglo XX que ha vivido?</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>JC:</b> Si no supiera a qué apunta su pregunta, temería que esa solemnidad se viera menoscabada con mi respuesta. Los grandes momentos del siglo XX son de dominio público: la revolución rusa, la derrota del nazismo, la victoria de Vietnam o la revolución cubana. Ahora, los que me han marcado a mí, los que cuentan para mí: la primera radio a galena de mi infancia, el vuelo de Lindbergh, la pelea Firpo-Dempsey, la lectura de <i>La condición humana</i>, la foto de Mussolini colgado por los pies y, ya que estamos en lo luctuoso, la tardía pero reconfortante muerte de Harry Truman y de Lyndon Johnson.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Lima, 1972</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Del libro: <i>Peregrinos de la lengua</i> (Alfaguara, 1998)</div>
Arturo Rivas Seminariohttp://www.blogger.com/profile/03660676138576482748noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3596274268315313096.post-17964831005844833242016-01-23T14:38:00.000-05:002016-01-24T16:18:07.271-05:00Se recupera cantata perdida de Mozart y Salieri (K. 477a)<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiArQ04NrfSyxzkhujdVec7iN0Ql-MKoASN2Q1KvySQODdpxLRYYx9ssoLuIPWbr1g_IfTObBiY0BvOe6BuNO9ixyiVtwEcTrhhJ_OT154_kHWAEipJIpRlPC8BmB03tYYM4aBclYeqsWg/s1600/Amadeus048.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="284" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiArQ04NrfSyxzkhujdVec7iN0Ql-MKoASN2Q1KvySQODdpxLRYYx9ssoLuIPWbr1g_IfTObBiY0BvOe6BuNO9ixyiVtwEcTrhhJ_OT154_kHWAEipJIpRlPC8BmB03tYYM4aBclYeqsWg/s640/Amadeus048.jpg" width="620" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Fotograma de la película <i>Amadeus</i> (1984) de Miloš Forman.</td></tr>
</tbody></table>
<br />
<div style="text-align: justify;">
En junio de 1785, la cantante italo-inglesa Nancy Storace, que estaría luego en <i>Le nozze di Figaro</i> de Mozart, perdió súbitamente la voz. Era el estreno de <i>Gli sposi malcontenti</i>, obra de su hermano Stephan Storace en el Burgtheater de Viena. Ello obligó a posponer el estreno de <i>La grotta di Trofonio</i>, ópera de Antonio Salieri en la que interpretaría el papel de Ofelia. La noticia de su recuperación, cuatro meses después, fue celebrada por sus amigos con una breve cantata titulada en italiano: 'Per la ricuperata salute di Ofelia'. El libreto estuvo a cargo de Lorenzo da Ponte, mientras que la música era una colaboración entre Mozart y Salieri, junto a un tal "Cornetti" que sería el seudónimo de alguien no identificado.<br />
<br />
Esta obra ya estaba consignada por el catálogo Köchel, que ordena las composiciones mozartianas, con el número K. 477a, pero su libreto y partitura se consideraban perdidos. Hace unas semanas, sin embargo, Timo Jouko Herrmann, musicólogo especialista en Salieri, encontró una copia del libreto en el Museo Checo de la Música, en Praga. Su sorpresa fue mayor cuando le preguntaron si también quería la partitura.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh63hpSa90tTw3M_e3M1N2Ht58ntd7iifh1WcwpIjl8es9Q_RfjKHZsjy8oN9ZKvXGyJ4-OVlZRLQB92jnHV6L_qWK9_4fPsaEV6p26O7pVWCWnuaXXinFiISLdFJbYLnQwRzbgz0-N0LY/s1600/Mozart-Salieri-Partitura.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="338" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh63hpSa90tTw3M_e3M1N2Ht58ntd7iifh1WcwpIjl8es9Q_RfjKHZsjy8oN9ZKvXGyJ4-OVlZRLQB92jnHV6L_qWK9_4fPsaEV6p26O7pVWCWnuaXXinFiISLdFJbYLnQwRzbgz0-N0LY/s640/Mozart-Salieri-Partitura.jpg" width="620" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La partitura completa será publicada por la editorial musical Friedrich Hofmeister de Leipzig.</td></tr>
</tbody></table>
<br />
El descubrimiento de esta colaboración entre Mozart y Salieri es especialmente significativo para mostrar ciertas afinidades estéticas entre ambos compositores, pero también para insistir en que su supuesta rivalidad fue sólo una idea de ficción de Pushkin, popularizada por la obra teatral de Peter Shaffer y la película de Miloš Forman (<i>Amadeus</i>, 1984).<br />
<br />
La Fundación Mozarteum de Salzburgo ha anunciado que la recuperada cantata será estrenada en aproximadamente un mes, mientras que la partitura será publicada por la editorial Hofmeister de Leipzig.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitUfULeIUdWJQ0se3Gc6-2KrqWGNTJk6dj-5v_WCPCy8p08Y8xL0y4cYkseMwaihuGTo5kuNdwNZ4wTIrXJNJWFW-4uACZYqgNw-f_5sXNBLHJcztUH3kN4DhE5r15c7jwalA6Am6DKp4/s1600/133732_1_gallerydetailportraitformat_image_e6d4549218418d6793b790fe089bed1b.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitUfULeIUdWJQ0se3Gc6-2KrqWGNTJk6dj-5v_WCPCy8p08Y8xL0y4cYkseMwaihuGTo5kuNdwNZ4wTIrXJNJWFW-4uACZYqgNw-f_5sXNBLHJcztUH3kN4DhE5r15c7jwalA6Am6DKp4/s400/133732_1_gallerydetailportraitformat_image_e6d4549218418d6793b790fe089bed1b.jpg" width="272" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Estudio del descubridor de la cantata sobre la música alemana de Salieri.</td></tr>
</tbody></table>
<br />
Es sabido que Mozart y Salieri compartieron escenario en Schönbrunn, en 1786, durante los estrenos de <i>Der Schauspieldirektor</i> y <i>Prima la musica e poi le parole</i>. Coincidieron después en Fráncfort para la coronación de Leopoldo II y asistieron juntos, en 1791, a una función de <i>Die Zauberflöte</i> en Viena.<br />
<br /></div>
Arturo Rivas Seminariohttp://www.blogger.com/profile/03660676138576482748noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3596274268315313096.post-52838198952384152342016-01-04T04:33:00.000-05:002016-01-04T04:33:56.243-05:00Exposiciones de arte destacadas para comenzar el 2016<br />
<div style="text-align: justify;">
Habiendo comenzado ya un nuevo año, vale la pena hacer un recuento de las exposiciones de arte que destacan para el 2016. Algunas continúan del año pasado, mientras que otras serán inauguradas en los próximos meses.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<div style="text-align: center;">
<b><i><u>Arte renacentista</u></i></b></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: large;">Hieronymus Bosch: Visiones de un genio</span></b></div>
<div style="text-align: justify;">
DEN BOSCH (Holanda) - Het Noordbrabants Museum<br />
Del 13 de febrero al 8 de mayo<br />
<br />
MADRID (España) - Museo Nacional del Prado<br />
Del 31 de mayo al 11 de septiembre<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5tdhCkOPAOfwG2N1FVejRUlP7uAKXRR3uyRUKCJiYrpg-EkwNYRerrP4mxo9rOuaRpQOQuMokzQZ8QsPTs-oHo0Gs904_pO6uGMsl20PTfjTAV_u8uvJxrYA47GxL9Cl3YFVD7FkBwpE/s1600/67ab06f0b4a17431f858b2153c0c74b8_51d8508a5f875d2824905cd080d31b492000x1323_quality99_o_1a6le7ofk17819t03k7lh01hdua.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="267" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5tdhCkOPAOfwG2N1FVejRUlP7uAKXRR3uyRUKCJiYrpg-EkwNYRerrP4mxo9rOuaRpQOQuMokzQZ8QsPTs-oHo0Gs904_pO6uGMsl20PTfjTAV_u8uvJxrYA47GxL9Cl3YFVD7FkBwpE/s400/67ab06f0b4a17431f858b2153c0c74b8_51d8508a5f875d2824905cd080d31b492000x1323_quality99_o_1a6le7ofk17819t03k7lh01hdua.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>El carro de heno</i> (c. 1516, Museo Nacional del Prado) es una de las obras que se exhibirán del maestro neerlandés, influido por la filosofía mística de Meister Eckhart.</td></tr>
</tbody></table>
Con ocasión del quinto centenario de su muerte, el Noordbrabants Museum y el Museo Nacional del Prado organizan la mayor exhibición que se haya hecho de las obras de Hyeronimus Bosch (El Bosco), uno de los más sugerentes y reconocidos pintores flamencos de inicios del Renacimiento. La exhibición, que cuenta con obras prestadas del Museo del Prado (como el tríptico <i>El carro de heno</i>, c. 1516), del Louvre (como <i>La nave de los locos</i>, 1500-1510) y de la Gallerie dell'Accademia de Venecia (como la <i>Visión del Más Allá</i>, c. 1486), tendrá lugar en su pueblo natal, Den Bosch, hasta el mes de mayo, luego de lo cual se trasladará a Madrid. La muestra cuenta además con doce paneles recién restaurados por diversas instituciones en el marco del Bosch Research and Conservation Project, polémico por haber cuestionado la autoría de algunas de las obras antes aceptadas como indudablemente propias de El Bosco. Por último, también de mayo a septiembre, pero en Berlín, se llevará a cabo una muestra de pintores influidos por El Bosco durante los dos siglos siguientes:<br />
<br />
<div>
<b>Hieronymus Bosch and his Imagery in the 16th and 17th Centuries</b></div>
<div>
BERLÍN (Alemania) - Gemäldegalerie<br />
Del 31 de mayo al 11 de septiembre</div>
<div>
<br />
<br /></div>
<b><span style="font-size: large;">In the Age of Giorgione</span></b><br />
LONDRES (Reino Unido) - Royal Academy of Arts<br />
Del 12 de marzo al 5 de junio<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiq30JFCJGQ6K0OC69h3W9HvY4Q6Jby-6djOrmRPGRQWhZVZXzrogTmkONJvJThl1f_uaIQ9K1nTs_Kc5pYjnaNXJ2Lr0u7DajKuPB04TsyEPLr3kbJUKSoF2n9PO6BwZHpFWIV9RrhZc/s1600/tramonto.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="316" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiq30JFCJGQ6K0OC69h3W9HvY4Q6Jby-6djOrmRPGRQWhZVZXzrogTmkONJvJThl1f_uaIQ9K1nTs_Kc5pYjnaNXJ2Lr0u7DajKuPB04TsyEPLr3kbJUKSoF2n9PO6BwZHpFWIV9RrhZc/s400/tramonto.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>El atardecer</i> (<i>Il tramonto</i>), 1506-1510. The National Gallery, London.</td></tr>
</tbody></table>
En la Venecia de principios del siglo XVI, cuando Bellini dominaba en el arte de la ciudad, un grupo de jóvenes empezaron a desarrollar nuevas propuestas mientras eran visitados por Durero y Da Vinci. El más conocido de ellos es Tiziano, pero antes de él estuvo el misterioso Giorgione. Esta exposición busca develar la red de influencias que se generó en ese grupo y que moldearon el nuevo arte veneciano a partir de su primer exponente, muerto prematuramente pero que dejó un intenso legado. Junto a las de Giorgione se exponen obras de Bellini, Durero, Tiziano, Sebastiano del Piombo, Lorenzo Lotto y Giovanni Cariani, entre otros. En esas obras, a través del retrato, la pintura religiosa y el nuevo género de los paisajes, se constituyeron la belleza idealizada, la fuerza expresiva y el uso sensual del color que caracterizaron a la pintura del Renacimiento veneciano.<br />
<br />
<br />
<b><span style="font-size: large;">
Adriaen van de Velde: Maestro del paisajismo holandés</span></b><br />
AMSTERDAM (Holanda) - Rijksmuseum<br />
Del 24 de junio al 18 de septiembre<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDKWwTmfBslW6qQRNs1XS6B4fcCw4qKoMsbefnXBoSn4XCBFVuIHzKZNwZTqOkzgfwseaFlE4Go9jLx4ihw7lWNzmANlXj3wP462YHscTx8IeZ5q9g7xLvcRCGsmQ7RcTOlln_E2ioM7w/s1600/74_van_de_velde_6381.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="301" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDKWwTmfBslW6qQRNs1XS6B4fcCw4qKoMsbefnXBoSn4XCBFVuIHzKZNwZTqOkzgfwseaFlE4Go9jLx4ihw7lWNzmANlXj3wP462YHscTx8IeZ5q9g7xLvcRCGsmQ7RcTOlln_E2ioM7w/s400/74_van_de_velde_6381.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Landscape with horses and cattle</i>, 1669. Frits Lugt Collection.</td></tr>
</tbody></table>
Adriaen van de Velde (1636-1672) es uno de los más grandes artistas del Siglo de Oro holandés. Sin embargo, su nombre es apenas conocido por el público en general. Por eso el Rijksmuseum exhibirá 25 pinturas y 40 dibujos que muestran su maestría y su influencia en el desarrollo del paisajismo, a pesar de su corta vida.<br />
<br />
<br />
<b><span style="font-size: large;">Hubert Robert, 1733-1808</span></b><br />
PARÍS (Francia) - Musée du Louvre<br />
Del 7 de marzo al 30 de mayo<br />
<br />
WASHINGTON DC (Estados Unidos) - National Gallery of Art<br />
Del 26 de junio al 2 de octubre<br />
<br />
Luego de la Revolución francesa, Hubert Robert, pintor cercano a Luis XVI, sobrevivió por suerte al régimen de Robespierre, cuando los guardias mandaron a la guillotina al hombre equivocado. Tras la conversión del Palacio del Louvre en Museo Nacional, se le nombró como asesor artístico.<br />
<br />
<br />
<b><span style="font-size: large;">Beyond Caravaggio</span></b><br />
LONDRES (Reino Unido) - National Gallery<br />
Del 12 de octubre al 15 de enero de 2017
<br />
<br />
"Más allá de Caravaggio" es la primera gran exhibición en Reino Unido dedicada a explorar el influjo de las obras del pintor realista entre sus contemporáneos y seguidores. Artistas como Gentileschi, Valentin y Honthorst, entre otros, bebieron diversos aspectos de su obra, ayudando a consolidar el movimiento que se conoció como "caravaggismo", el cual motivó la respuesta del maniqueísmo.<br />
<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<b><i><u>Arte romántico</u></i></b></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
<b><span style="font-size: large;">Charles Gleyre (1806-1874): the Repentant Romantic</span></b></div>
PARÍS (Francia) - Musée d’Orsay<br />
Del 10 de mayo al 11 de septiembre<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhZDHvweevR42yaP0j2vC4zY70csJIQiOoOfL4fdCD0lmBK8POqKN4gbHhrwy6Vwj4rZXvcm-RiPjthsF-o7D1GJ75Be1_5SHxjX31-R8ytyx4ILdhGhtAjeyyWl9wTuAGuGRGGh6x27g/s1600/CharlesGleyre--Ladansedesbacchantes1849.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="242" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhZDHvweevR42yaP0j2vC4zY70csJIQiOoOfL4fdCD0lmBK8POqKN4gbHhrwy6Vwj4rZXvcm-RiPjthsF-o7D1GJ75Be1_5SHxjX31-R8ytyx4ILdhGhtAjeyyWl9wTuAGuGRGGh6x27g/s400/CharlesGleyre--Ladansedesbacchantes1849.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Les Romains passant sous le joug</i>, 1858. Musée cantonal des Beaux-Arts.</td></tr>
</tbody></table>
Se trata de la primera exposición enteramente dedicada al pintor suizo en suelo francés, a pesar de ser bien conocido que por el influyente taller de Gleyre en París pasaron jóvenes artistas como Auguste Renoir y Claude Monet. Más allá de su claro academicismo decimonónico, por el cual ha sido a veces menospreciado, la muestra busca resaltar los elementos pasionales, violentos y orientalistas en medio de sus temas mitológicos, como precedentes de la radicalización de esos mismos elementos en el arte de fines del siglo XIX. Así, en lugar de oponer sencillamente modernismo y Romanticismo, la exposición apuesta por una más sutil línea de continuidad.<br />
<br />
<br />
<b><span style="font-size: large;">City of the Soul: Rome and the Romantics</span></b><br />
NUEVA YORK (Estados Unidos) - Morgan Library and Museum<br />
Del 17 de junio al 11 de septiembre<br />
<br />
<br />
<div style="text-align: left;">
<b><span style="font-size: large;">The Birth of Modernity: the Art of Drawing in the 19th Century from C.D. Friedrich to Van Gogh</span></b></div>
BERLÍN (Alemania) - Kulturforum<br />
Del 23 de septiembre al 15 de enero de 2017<br />
<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<b><i><u>Arte moderno</u></i></b></div>
<div style="text-align: center;">
<br />
<div style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: large;">Andrzej Wróblewski: Verso / reverso</span></b><br />
MADRID (España) - Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía<br />
Hasta el 28 de febrero</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggSAciQujz3G83bnUNyTI0xjsgNsU-xqfM_w__W-2vWLjtuj03P2-x8wg4W2yR5UgKgBKZiMz3tmYNozHixFjGTtlbPSuGhGphbb8UxMeZhh5r57TpXiGXbRUmzsl_eOc-8u3GjhAsCfI/s1600/05._szofer_szofer_niebieski_1948_dzirki_uprzejmoyci_fundacji_andrzeja_wroblewskiego.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="298" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggSAciQujz3G83bnUNyTI0xjsgNsU-xqfM_w__W-2vWLjtuj03P2-x8wg4W2yR5UgKgBKZiMz3tmYNozHixFjGTtlbPSuGhGphbb8UxMeZhh5r57TpXiGXbRUmzsl_eOc-8u3GjhAsCfI/s400/05._szofer_szofer_niebieski_1948_dzirki_uprzejmoyci_fundacji_andrzeja_wroblewskiego.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Chófer (Chófer azul)</i>, 1948. Colección particular, Varsovia.</td></tr>
</tbody></table>
Andrzej Wróblewski (1927-1957) es, a pesar de su corta vida, uno de los artistas polacos más importantes del siglo XX. Esta muestra, la primera retrospectiva fuera de su país, permite contemplar su obra más allá de los tópicos reduccionistas del realismo socialista o del arte periférico, a través de los cuales se ha estudiado hasta época reciente el arte de los países en la órbita soviética. Wróblewski fue un artista capaz de trabajar en los límites entre la abstracción y la figuración, de combinar la invención formal con el análisis de la vida cotidiana y de sus límites –la degradación de la guerra y de la política dictatorial– a partir de un profundo compromiso humano y político. La exposición se centra en sus pinturas de doble cara (pintadas por ambos lados: recto y verso), y en dos periodos diferentes del trabajo del artista: sus inicios a finales de los años cuarenta, cuando busca un lenguaje propio, y el final, cuando desencantado con la política del socialismo real intenta redefinir su obra tanto formal como temáticamente.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<br /></div>
</div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: large;">Matisse y su tiempo</span></b></div>
<div style="text-align: justify;">
TURÍN (Italia) - Palazzo Chiablese</div>
<div style="text-align: justify;">
Hasta el 15 de mayo</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhVArYAoZq5Lw9fXii5O-Pf1JwgyRBglld3Ke6Dq68hxP-_tWozCQabHyNvmWRhrMaX0kaz3Le14Tz5xrNKfsZTXsTMiIU5rNWQazS2qG0wm8aed2ItSsVMKcsoDf9sL9hfgy8NdE_gTI/s1600/matisse-e-il-suo-tempo-2016.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="235" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhVArYAoZq5Lw9fXii5O-Pf1JwgyRBglld3Ke6Dq68hxP-_tWozCQabHyNvmWRhrMaX0kaz3Le14Tz5xrNKfsZTXsTMiIU5rNWQazS2qG0wm8aed2ItSsVMKcsoDf9sL9hfgy8NdE_gTI/s400/matisse-e-il-suo-tempo-2016.jpg" width="500" /></a></div>
<br />
Decía: "Sueño con un arte equilibrado, puro, tranquilo". Matisse pasó por todas las vanguardias, de un modo menos disruptivo que Picasso, pero dejando igualmente obras intensas, en las que el tema ya no es la figura, sino la línea, delgada y limpia, serpenteando naturalmente entre los colores más puros y sensuales. El Centro Pompidou ha seleccionado 50 obras de Matisse para su exposición en Turín, colocadas junto a otras obras de Picasso, Renoir, Bonnard, Modigliani, Miró, Braque, entre otros. Con ello no sólo se reconstruye el contexto del arte en la primera mitad del siglo, sino que se perfila también su influencia en artistas de generaciones posteriores, incluido el expresionismo abstracto.<br />
<br />
<br />
<div style="text-align: left;">
<b><span style="font-size: large;">Theo van Doesburg: una nueva expresión de la vida, el arte y la tecnología</span></b></div>
BRUSELAS (Bélgica) - Palais de Beaux Arts<br />
Del 26 de febrero al 29 de mayo<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh71Ij0yle2aIuD_nUhzwBNpZCInW__mNki7gZdp1QxbKdI9_uRlxNttB5neT4VcwPvVb0fMgJ-jqpP8LhJ3UQ2XBRSPL_jsUCzUn3M1ou-hzSvZyQRqX2djZabCyVsiyY5IjCNXCZaVTY/s1600/axanometry.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="317" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh71Ij0yle2aIuD_nUhzwBNpZCInW__mNki7gZdp1QxbKdI9_uRlxNttB5neT4VcwPvVb0fMgJ-jqpP8LhJ3UQ2XBRSPL_jsUCzUn3M1ou-hzSvZyQRqX2djZabCyVsiyY5IjCNXCZaVTY/s320/axanometry.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Contra-Construction Project, Axonometric</i>, 1923. MoMA.</td></tr>
</tbody></table>
Compañero y también rival de Mondrian, con quien fundó en 1917 el movimiento De Stijl, Theo van Doesburg fue uno de los pilares de las vanguardias de inicios del siglo XX. El Palais de Beaux Arts de Bruselas exhibe una muestra que se propone revalorizar el importante papel artístico y teórico de este incansable promotor de la abstracción, que en París se adhirió a la poesía dadaísta y que en Weimar enseñó nuevos enfoques sobre la belleza a los arquitectos de la Bauhaus, extendiendo su influencia a la pintura, la arquitectura y el diseño de muebles, modas e interiores.<br />
<br />
<br />
<b><span style="font-size: large;">Edgar Degas: a Strange New Beauty</span></b><br />
<span style="text-align: start;">NUEVA YORK (Estados Unidos) - </span>Museum of Modern Art (MoMA)<br />
Del 26 de marzo al 24 de julio<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPHO3Byodiv66kr47O3OgWO9vwQC0u5iKxLwvhE7HF5iAuFHn81_RqRaAF4Uqh8Xm1-ZmNxDUqVt1ZJCyWbb2dkwEUYO92kE1isXtyeu3-JmfXN_FRsjT2a2YL5FrkTTdf0vN_XSiGNhM/s1600/degasimage2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="336" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPHO3Byodiv66kr47O3OgWO9vwQC0u5iKxLwvhE7HF5iAuFHn81_RqRaAF4Uqh8Xm1-ZmNxDUqVt1ZJCyWbb2dkwEUYO92kE1isXtyeu3-JmfXN_FRsjT2a2YL5FrkTTdf0vN_XSiGNhM/s400/degasimage2.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Homme et femme, en buste</i>, c. 1877–1880. British Museum.</td></tr>
</tbody></table>
Degas es más conocido como pintor y cronista de ballet; sin embargo, su trabajo como grabador revela el alcance de su experimentación artística. A mediados de la década de 1870, se introdujo al monotipo, proceso de dibujo en tinta sobre una placa de metal que luego se ejecuta a través de una prensa y que por lo general resulta en una sola impresión. Cautivado por el potencial del monotipo, Degas se sumergió en la técnica con enorme entusiasmo, llevándola a extremos radicales. Así amplió las posibilidades del dibujo, creó superficies con una mayor sensación de tacto e inventó nuevos medios para nuevos temas, desde bailarines en movimiento hasta el resplandor de la luz eléctrica, desde mujeres en situaciones íntimas hasta efectos meteorológicos. El monotipo también le permitió experimentar con imágenes que podía reelaborar. Este proceso de repetición y transformación le sirvió para extender su estudio de la forma, dejando al descubierto un nuevo tipo de obra que no trata de llegar a un término, sino de innovar permanentemente. La exposición incluye aproximadamente 120 monotipos raramente vistos, junto a unos 50 cuadros, dibujos, pasteles, esbozos y grabados en los que Degas buscó capturar el espíritu de la vida urbana, así como maneras nuevas y atrevidas de representar el cuerpo.<br />
<br />
<br />
<b><span style="font-size: large;">Wilfredo Lam</span></b><br />
MADRID (España) - Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía<br />
<div>
Del 5 de abril al 15 de agosto</div>
<br />
<br />
<b><span style="font-size: large;">Paul Klee: la ironía en obra</span></b><br />
PARÍS (Francia) - Centre Pompidou<br />
Del 6 de abril al 1º de agosto<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiAq-C4u0hTDBBLjFQeI5cLng41pGrjDfJqe-TUFA8DuSK4t8nfN8nxzIlzTKMGIrTTMUhXGOICNJu2S6g6azhXo7miwtnJh2hU1Tvta1IVzq-oQQRqF5Fohcl8p0eC6guyhwANz0nnFSg/s1600/650klee-1dbf9.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="197" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiAq-C4u0hTDBBLjFQeI5cLng41pGrjDfJqe-TUFA8DuSK4t8nfN8nxzIlzTKMGIrTTMUhXGOICNJu2S6g6azhXo7miwtnJh2hU1Tvta1IVzq-oQQRqF5Fohcl8p0eC6guyhwANz0nnFSg/s400/650klee-1dbf9.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Insula dulcamara</i>, 1938. Zentrum Paul Klee.</td></tr>
</tbody></table>
Paul Klee (1879-1940) es una de las figuras fundamentales del arte moderno. El Centro Pompidou le dedicará una exposición, en colaboración con el Zentrum Paul Klee de Berna, que gira en torno a la ironía romántica. Entender la obra de Klee a través de este prisma, con sus nociones de sátira y parodia, invita a una lectura sin precedentes de su evolución artística y estética en 250 obras, desde los dibujos satíricos y caricaturas de su infancia hasta sus años de crisis (1935-1940), pasando por el cubismo, el constructivismo y la Bauhaus.<br />
<br />
<br />
<b><span style="font-size: large;">Kandinsky, Marc and Der Blaue Reiter</span></b><br />
BASILEA (Suiza) - Fondation Beyeler<br />
Del 4 de septiembre al 15 de enero de 2017
<br />
<br />
<br />
<b><span style="font-size: large;">Foreign Gods: Tribal Art in the Context of Modernism</span></b><br />
VIENA (Austria) - Leopold Museum<br />
Del 23 de septiembre al 9 de enero de 2017<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzNYcl-nLJgc0jvxtUhgBtQCYH5J_cyLCMgtBRM92nwPCNCAJ6RHZxflKhyphenhyphenBB9yU-bEcMoyqQGY5upD4yek4t_XmaGgRCXeRygPxGjtEfCgIMG0h1kI4amwmEkCSDgAxWL2o9XcJIV-Yc/s1600/3147.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="242" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzNYcl-nLJgc0jvxtUhgBtQCYH5J_cyLCMgtBRM92nwPCNCAJ6RHZxflKhyphenhyphenBB9yU-bEcMoyqQGY5upD4yek4t_XmaGgRCXeRygPxGjtEfCgIMG0h1kI4amwmEkCSDgAxWL2o9XcJIV-Yc/s400/3147.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Max Pechstein, <i>Naturaleza muerta con estatuas negras</i>, 1918. Leopold Museum.</td></tr>
</tbody></table>
El arte tribal ha sido fundamental en el giro que tomó el arte occidental a inicios del siglo XX. Pablo Picasso, Amedeo Modigliani, Emil Nolde, Max Ernst y Max Pechstein, entre otros, fueron notoriamente influenciados por él, tomándolo como un modelo de lo que el arte moderno debía ser o lograr transmitir. El Leopold Museum exhibirá obras de estos artistas en paralelo con 200 objetos de arte tribal de la colección que perteneció a Rudolf Leopold.<br />
<br />
<br />
<b><span style="font-size: large;">Yves Klein</span></b><br />
LIVERPOOL (Reino Unido) - Tate<br />
Del 21 de octubre al 12 de marzo de 2017
<br />
<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<b><i><u>Arte contemporáneo</u></i></b></div>
<div style="text-align: center;">
<br />
<div style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: large;">Carsten Höller: Doubt</span></b></div>
<div style="text-align: justify;">
MILÁN (Italia) - Hangar Bicocca</div>
<div style="text-align: justify;">
Del 7 de abril al 31 de julio</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCYlM8g-_DaThWD72tC247i08xCiSK7keLPZJeqSKGNxDugfHh3VgVfSk0EaKYtlgbK60ZM4UiJWXYfcOwg77otdmkQTrNPeN61EaUGUM-g8DR1lP7LCUsCKQDgpdNYDJLhMlR5o-qzSc/s1600/CH2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCYlM8g-_DaThWD72tC247i08xCiSK7keLPZJeqSKGNxDugfHh3VgVfSk0EaKYtlgbK60ZM4UiJWXYfcOwg77otdmkQTrNPeN61EaUGUM-g8DR1lP7LCUsCKQDgpdNYDJLhMlR5o-qzSc/s400/CH2.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
Carsten Höller (Bruselas, 1961) se inspira en la investigación científica y la experimentación para explorar y transformar el espacio de la exposición a través de instalaciones y esculturas que desafían la percepción del observador y ponen en cuestión la idea misma del arte. <i>Doubt</i> presenta una amplia selección de obras históricas y nuevos proyectos que alteran las sensaciones físicas y psicológicas de los ciudadanos y que desestabilizan las certezas del mundo que les rodea.
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<br /></div>
</div>
</div>
<b><span style="font-size: large;">Peter Fischli y David Weiss</span></b><br />
NUEVA YORK (Estados Unidos) - Solomon R. Guggenheim Museum<br />
Del 5 de febrero al 20 de abril<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1VSoWI9xZjkYT7P0MHATTLYTqU2jHHYtWr8cqnRw44mz_kjn5JcW9Wf8nJKjXPIWW65b8rEiagZBpgJ9m0tHvHXiCVYAb4ni1BN6N_qg8Z006aB6-dX_6i9LAhS_SEIO08B9gR1QLm6I/s1600/fe141a7f-600x408.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="271" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1VSoWI9xZjkYT7P0MHATTLYTqU2jHHYtWr8cqnRw44mz_kjn5JcW9Wf8nJKjXPIWW65b8rEiagZBpgJ9m0tHvHXiCVYAb4ni1BN6N_qg8Z006aB6-dX_6i9LAhS_SEIO08B9gR1QLm6I/s400/fe141a7f-600x408.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">De la serie de fotografías titulada "Equilibres".</td></tr>
</tbody></table>
<br />
<br />
<b><span style="font-size: large;">Marcel Broodthaers</span></b><br />
NUEVA YORK (Estados Unidos) - Museum of Modern Art (MoMA)<br />
Del 14 de febrero al 15 de mayo<br />
<div>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheMTDZZ3p02Twb4VYrsAKAjJM55ZMTRQitPGQWC_jBtgDyEkMIjGR5iReZbOmK_EfxuRnBSF6_DU6jbHfwmlBHM8ZWqpagF2lLakWQRR19kgmtlCFn5Kap9K7DBsMZRiBJOI2KTGiibsE/s1600/marcel.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheMTDZZ3p02Twb4VYrsAKAjJM55ZMTRQitPGQWC_jBtgDyEkMIjGR5iReZbOmK_EfxuRnBSF6_DU6jbHfwmlBHM8ZWqpagF2lLakWQRR19kgmtlCFn5Kap9K7DBsMZRiBJOI2KTGiibsE/s320/marcel.jpg" width="203" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>White Cabinet and White Table</i>, 1965. MoMA.</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Marcel Broodthaers (1924-1976) es uno de los artistas contemporáneos más apreciados por la crítica de arte y por los propios artistas. Sin embargo, es también uno de los menos conocidos por el público en general. En vista de ello, el MoMA ha querido organizar en Nueva York una retrospectiva del artista, cineasta y poeta belga, con alrededor de 200 obras suyas en distintos medios y formatos.
</div>
</div>
<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: large;">Christo: The Floating Piers</span></b></div>
<div style="text-align: justify;">
Lago d'Iseo (Italia)</div>
<div style="text-align: justify;">
Del 18 de junio al 3 de julio</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbhmpRbTqr4JZYcseYEwE5nV7k95oU_Ye99YfREqQPVxHAFhQiSyLTW5LgpRzH2OeqeG428J0T88kTNGu2N4thCcS_j72ebedPIGdNjlqwOuvxsU5pN4g1iDSRyCvoLox99CNwTfD8Zo0/s1600/fc1ebec9ee4da90652c02db422f9c61b.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="257" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbhmpRbTqr4JZYcseYEwE5nV7k95oU_Ye99YfREqQPVxHAFhQiSyLTW5LgpRzH2OeqeG428J0T88kTNGu2N4thCcS_j72ebedPIGdNjlqwOuvxsU5pN4g1iDSRyCvoLox99CNwTfD8Zo0/s400/fc1ebec9ee4da90652c02db422f9c61b.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">The Floating Piers (proyecto para el lago Iseo), 2014.</td></tr>
</tbody></table>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkaKRSi-kkInJ7psIU7kz3OeG3JwEA-kgJQbdFsSy2rv50dx_vRS4iK0t8IzJuMRfy6gXA2dABqTIo4B7m0VxxiOGd9-8idaqxuP1eq-n7aqBR4zDAQUnhyphenhyphenEUCMpc6xTtY0SVl8VWKlso/s1600/501d8ca009edd6a2a515633160d1c8d5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="243" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkaKRSi-kkInJ7psIU7kz3OeG3JwEA-kgJQbdFsSy2rv50dx_vRS4iK0t8IzJuMRfy6gXA2dABqTIo4B7m0VxxiOGd9-8idaqxuP1eq-n7aqBR4zDAQUnhyphenhyphenEUCMpc6xTtY0SVl8VWKlso/s400/501d8ca009edd6a2a515633160d1c8d5.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: 12.8px;">The Floating Piers (proyecto para el lago Iseo), 2014.</span></td></tr>
</tbody></table>
El artista de origen búlgaro, cuyas intervenciones artísticas (creadas con Jeanne-Claude, que murió en 2009) causan no poca sorpresa, especialmente por su carácter efímero, regresa a Italia después de 40 años para hacer un paseo de dos kilómetros en tierra y otros tres en diques flotantes, cubiertos con 90 mil metros cuadrados de tela de poliamida brillante amarilla. Se espera que esta estructura temporal sea utilizable por más de 17 mil visitantes al mismo tiempo.<br />
<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: start;">
<b><span style="font-size: large;">Cy Twombly</span></b></div>
<div style="text-align: start;">
<span style="text-align: justify;">PARÍS (Francia) -</span><span style="text-align: justify;"> </span>Centre Pompidou</div>
<div style="text-align: start;">
Del 30 de noviembre al 24 de abril de 2017</div>
<div style="text-align: start;">
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5_PJSuCZg-MjigxM1Ini8j8g8_e2z2xXr-ysh0uOhVhEjrw1yRdVWCWLMGkuAC4t0llrCxYiDfnA0zj0QyB0InHlViKibnstLFExm8guKrbLZfdHYpzKXm_7GhIaDhqCVNdrbP2AwOTs/s1600/650cy-92864.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="198" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5_PJSuCZg-MjigxM1Ini8j8g8_e2z2xXr-ysh0uOhVhEjrw1yRdVWCWLMGkuAC4t0llrCxYiDfnA0zj0QyB0InHlViKibnstLFExm8guKrbLZfdHYpzKXm_7GhIaDhqCVNdrbP2AwOTs/s400/650cy-92864.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Blooming</i>, 2001-2008. Fondazione Nicola del Roscio.</td></tr>
</tbody></table>
El Centre Pompidou le dedicó en 1988 una retrospectiva y en 2004 realizó una muestra de 50 años de sus dibujos. En 2016-2017 se prevé una gran retrospectiva de toda su obra. Se trazará toda la carrera del artista estadounidense, que murió en 2011, caracterizado por sus garabatos, caligrafías y grafitis de gran formato.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: start;">
<br /></div>
<div style="text-align: start;">
<b><span style="font-size: large;">Robert Rauschenberg</span></b></div>
<div style="text-align: start;">
LONDRES (Reino Unido) - Tate Modern</div>
<div style="text-align: start;">
Del 1º de diciembre al 2 de abril de 2017</div>
<div>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIBIBCMi1vzLv1pz0y5PKe92Pp7PvWnpxWBD8k1coIeqAZgCRNBClxeUTgK4aiVIwFhaVfm_pnEBir7MDrXFN7WxGVp1xEgSRvficuw6jEgRkvoaQmDnQHG4is_y7nEsTQmE4sf5mcrHM/s1600/monogram.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="335" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIBIBCMi1vzLv1pz0y5PKe92Pp7PvWnpxWBD8k1coIeqAZgCRNBClxeUTgK4aiVIwFhaVfm_pnEBir7MDrXFN7WxGVp1xEgSRvficuw6jEgRkvoaQmDnQHG4is_y7nEsTQmE4sf5mcrHM/s400/monogram.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Monogram</i>, 1955-1959. Moderna Museet.</td></tr>
</tbody></table>
Moviéndose entre la pintura, la escultura, la fotografía, la impresión, la instalación y la <i>performance</i>, Robert Rauschenberg se negó a aceptar límites convencionales en su arte y en su vida. El Tate Modern albergará una amplia retrospectiva de toda su trayectoria artística.</div>
<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<b><u><i>Fotografía</i></u></b></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<b><span style="font-size: large;">Martín Chambi</span></b><br />
LIMA (Perú) - Museo de Arte de Lima (MALI)<br />
Hasta el 14 de febrero<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiinBTblEdLwjeFRVIbglNfaAVT2a7txb3KB7kHgOZsNdA6REB2YW14sLJbVKx-b8Y-hqr6YoNHyqCc2NDmMN6vaLxzGqwVrWLVftlXeBbuKecnVbyTEN0fKKQztxcGmfrzFxR_RI7Rmg4/s1600/Victor-Mendivil-and-the-Giant-of-Llusco.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiinBTblEdLwjeFRVIbglNfaAVT2a7txb3KB7kHgOZsNdA6REB2YW14sLJbVKx-b8Y-hqr6YoNHyqCc2NDmMN6vaLxzGqwVrWLVftlXeBbuKecnVbyTEN0fKKQztxcGmfrzFxR_RI7Rmg4/s400/Victor-Mendivil-and-the-Giant-of-Llusco.jpg" width="272" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Víctor Mendívil con Juan de la Cruz Sihuana en el estudio</i>. Cusco, 1925. Copia por Víctor Chambi y Edward Ranney (1978). Archivo Martín Chambi.</td></tr>
</tbody></table>
El MALI exhibe, desde el año pasado, una gran retrospectiva dedicada al notable fotógrafo puneño Martín Chambi (1891-1973). Son cerca de 400 fotografías y documentos que incluyen autorretratos, retratos de estudio, imágenes del Cusco moderno y de sitios arqueológicos como Machu Picchu. A ello se suman registros etnográficos, postales, cámaras fotográficas y documentos de época. Además de mostrar la evolución de su trabajo fotográfico, la exposición logra inscribir a Chambi, con rigor y precisión, dentro del movimiento indigenista de los años 1920 y 1930.<br />
<br />
<br />
<div style="text-align: left;">
<b><span style="font-size: large;">Kurt Klagsbrunn, un fotógrafo humanista en Río (1940-1960)
</span></b></div>
<div style="text-align: left;">
RÍO DE JANEIRO (Brasil) - Museu de Arte do Rio</div>
Hasta el 16 de febrero<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwV-fn51DsmvIjwnzbeyUmUHA6HIvjowgTNPG4FmEkmRXja_rHf94AZxYRsJMvesnLQ1X98aP8usXK4Fjxd-5LJpf5HX1k_Cu09Wc3WRjpqDO0kRZZSGKpfPSiSHU_3vyoHBBZG1BCUsw/s1600/110826_nova_trabalhador_na_pausa_tomando_cafe_sorrindo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwV-fn51DsmvIjwnzbeyUmUHA6HIvjowgTNPG4FmEkmRXja_rHf94AZxYRsJMvesnLQ1X98aP8usXK4Fjxd-5LJpf5HX1k_Cu09Wc3WRjpqDO0kRZZSGKpfPSiSHU_3vyoHBBZG1BCUsw/s320/110826_nova_trabalhador_na_pausa_tomando_cafe_sorrindo.jpg" width="304" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Pausa para o café. Minas Gerais</i>, 1947. Coleção Marta e Victor Klagsbrunn.</td></tr>
</tbody></table>
<br />
<br />
<b><span style="font-size: large;">Daido Moriyama</span></b><br />
PARÍS (Francia) - Fondation Cartier pour l’Art Contemporain<br />
Del 6 de febrero al 29 de mayo<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqMPSle6FngczQ2S99eIIWy2rBY3eR56fXM8wYz20415WSw4MjKDuPaUzyvQOFrRznNx9rcaKFkxGN_PEZeL55cfGg0qWoqj3GZph3baStqLSBLcGfMBYYmJ61KqEEd3FMoZ2bkt_48mg/s1600/d9141dd88a06467d3442f99464a357d6.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqMPSle6FngczQ2S99eIIWy2rBY3eR56fXM8wYz20415WSw4MjKDuPaUzyvQOFrRznNx9rcaKFkxGN_PEZeL55cfGg0qWoqj3GZph3baStqLSBLcGfMBYYmJ61KqEEd3FMoZ2bkt_48mg/s400/d9141dd88a06467d3442f99464a357d6.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
Moriyama es una de las figuras más importantes de la fotografía japonesa contemporánea. Nacido cerca de Osaka, en 1938, fue testigo de los espectaculares cambios que se desplegaron en Japón en las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial e hizo de ello uno de los principales temas de su obra. Pero Moriyama también inventó un nuevo lenguaje visual en sus trabajos a partir de mediados de la década de 1960. Frenético y atormentado, representó una realidad granulada, borrosa y fuera de foco. En 2004, la Fondation Cartier organizó una exposición individual sobre sus trabajos en blanco y negro. Su menos conocida fotografía en color será la protagonista en esta nueva exposición, en la que revela, en su peculiar mirada, los barrios subterráneos de Tokio.<br />
<br />
<br />
<b><span style="font-size: large;">Robert Mapplethorpe</span></b><br />
LOS ANGELES (Estados Unidos)<br />
Del 15 de marzo al 31 de julio - J. Paul Getty Museum<br />
Del 20 de marzo al 31 de julio - Los Angeles County Museum of Art<br />
<div>
<br /></div>
<br />
<b><span style="font-size: large;">Diane Arbus: In the Beginning</span></b><br />
NUEVA YORK (Estados Unidos) - The Met Breuer<br />
Del 12 de julio al 27 de noviembre<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiliB2aBB2j3vcGORQL-DgDDYmkd8PFZa9PlNo2FXsJcTCDM_QxC1eN6rm72RBKr5Tk7i_uEhqvk2HlIc0vSo7-XJuVk_BEE5zp-gGOOnLeY780Cx0t3lFn8eWPtxZdENTdfV4iUz5TmHs/s1600/resize250x347_c591a9ecb17036d7ce7168efbead91f1_60e89269ceef5a6c54656697c23c6c8a1439x2000_quality99_o_1a6lepfsfhc91mvn8a31mad1f59ba.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiliB2aBB2j3vcGORQL-DgDDYmkd8PFZa9PlNo2FXsJcTCDM_QxC1eN6rm72RBKr5Tk7i_uEhqvk2HlIc0vSo7-XJuVk_BEE5zp-gGOOnLeY780Cx0t3lFn8eWPtxZdENTdfV4iUz5TmHs/s320/resize250x347_c591a9ecb17036d7ce7168efbead91f1_60e89269ceef5a6c54656697c23c6c8a1439x2000_quality99_o_1a6lepfsfhc91mvn8a31mad1f59ba.jpg" width="230" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>The Backwards Man in his Hotel Room, N.Y.C.</i>, 1961. The Estate of Diane Arbus.</td></tr>
</tbody></table>
Aunque actualmente es ya una fotógrafa reconocida en todo el mundo, la neoyorquina Diane Arbus (1923-1971) tuvo que lidiar con una estética del retrato fotográfico que en su momento era sumamente limitada, tanto respecto del contenido como formalmente. Basta recordar que un visitante escupió sobre una de sus fotografías expuestas en el MoMA en 1967. Se trataba de su "A young man in curlers at home on West 20th Street" (1966). Incluso intelectuales como Susan Sontag rechazaban su obra calificándola de explotadora, inhumana y anti-patriótica. Inspirada por Brassaï, por Weegee y especialmente por su mentora, Lisette Model, Arbus retrató a gemelos, enanos, prostitutas, albinos, travestis, ciegos, parejas extrañas e incluso a personas comunes y normales capturadas en ese preciso gesto o aspecto que acerca a cualquiera a verse extraño, anormal. Arbus no era explícita y por ello sus retratos no caen en la crudeza ni en el ridículo. Hay más bien algo perturbadoramente ambiguo en sus composiciones, que eran siempre muy cuidadosamente preparadas, y en sus sujetos. Ese trabajo de preparación y edición, que se aprecia en sus hojas de contacto, es generalmente desconocido. Lo es también su obra temprana (1956-1962), compuesta por fotografías de moda y pequeños proyectos personales. Esta exposición tiene por objeto mostrar esos primeros retratos, ya independizada de su marido, en los que se aprecia su disciplinado trabajo en busca de un estilo personal. Son alrededor de 105 fotografías, de las cuales muy pocas han sido antes publicadas.<br />
<br /></div>
Arturo Rivas Seminariohttp://www.blogger.com/profile/03660676138576482748noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3596274268315313096.post-66084908785360331052015-11-01T14:33:00.000-05:002015-11-02T12:20:19.934-05:00La noche embrujada de Charles Ives<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQBQ-alar_Fz8q-OTcRSoQhdorNAM0ieoTGm7NcmpIszrSRVX39r5_FLPMSKdwIgG441vn1UskQ-QhNw844yQaPoZFRp_FaUXrvYfoB6XGPyTahLFzd9DqfGCJNsPW7mg284V82lC9xVQ/s1600/p01l22qb.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQBQ-alar_Fz8q-OTcRSoQhdorNAM0ieoTGm7NcmpIszrSRVX39r5_FLPMSKdwIgG441vn1UskQ-QhNw844yQaPoZFRp_FaUXrvYfoB6XGPyTahLFzd9DqfGCJNsPW7mg284V82lC9xVQ/s400/p01l22qb.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Leonard Bernstein decía que nadie había representado el sonido propiamente estadounidense mejor que aquél que lo fundó a inicios del siglo XX: el poco conocido, estudiado y comprendido Charles Ives. Y es cierto. Ese sonido deudor de la vieja tradición europea pero completamente fresco, libre, explorando territorios desconocidos, salvajes...<br />
<br />
El temor a la brujería es un temor a lo que se esconde debajo de nuestra muy cómoda razón y de nuestra moral. Se le puede llamar inconsciente, si se quiere, pero es sencillamente la nada sobre la cual construimos nuestros castillos. Creemos que hay una sólida roca donde, en el fondo, no hay nada. La mayoría de nosotros necesita escapar de esa nada que nos aterroriza sometiendo al absurdo todas nuestras convicciones, aun cuando eso suponga encerrarnos en una prisión de certezas ficticias, contentarnos con la luz muerta de lo fijo. De vez en cuando, sin embargo, surge un espíritu libre como el de Ives, uno que renuncia a esa prisión autocomplaciente y se sumerge en aquello que no conoce con sus mejores armas. En realidad, no es un espíritu tan libre, porque no tiene opción, como bien sabían los griegos trágicos: no podría hacer algo distinto. Quien está destinado a quebrar las reglas, no dejara de hacerlo aunque ellas le prometan un paraíso y aunque ello sólo pueda llevarlo a quebrarse él mismo. En todo caso, así, bien entendida, la libertad del espíritu estadounidense no es sino ésa, que aparece con claridad y contundencia en el sonido moderno de Ives, ese que se dirige a parques oscuros y preguntas sin respuesta.<br />
<br />
Quizás Ives lo sabía, precisamente, porque su máscara cotidiana era la venta de seguros. Era un vendedor exitoso, por cierto, pero eso debe haberlo ayudado a percibir la fragilidad de todo empeño humano. Lo mejor que uno puede hacer dentro de esa pequeña parcela que se nos concede es jugar con la mayor libertad que podamos. Por eso Ives no busca desconcertar sin más, como puede quererlo cualquier atonalista, sino que lo suyo es hacer que la escucha que nos es familiar se vuelva la menos familiar y cómoda de las escuchas. Tal como le sucedía seguramente a él mismo, a partir de ese viejo sonido de las bandas que escuchó en su infancia, en su Connecticut natal. Este es el sentido de su politonalidad. Su elemento y sus herramientas son clásicas, pero lo que hace con ellas nos conduce a lo que Bernstein llamaba un "auténtico primitivismo"; uno que no puede pasar por ser simple falta de talento, como en muchos otros casos. Cuánto derroche de talento hay, más bien, en su música, Incluso en los poco más de dos minutos que duran aquellos breves e impetuosos sonidos con que nos presenta esa noche que saca a la luz, como una máscara o un disfraz, aquello que no es sino la oscura realidad que negamos y frente a la cual vivimos de espaldas. Lo que creemos real, normal, consciente, domeñable... no son sino otros disfraces que nos ponemos a diario para no encontrarnos de pronto en esa noche: la noche de todos los valores y de todas las reglas.<br />
<br />
Qué cerca está Ives de abismarnos en esa noche, pero ella pasa como si hubiese sólo sido un sueño, una pesadilla, un embrujo, y podemos seguir viviendo. Solamente que, esta vez, un poco más libres. Ives sabía que eso es lo que finalmente importa.</div>
<div style="text-align: left;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/SW0k1RVSqHo" width="420"></iframe>
</div>
<br />Arturo Rivas Seminariohttp://www.blogger.com/profile/03660676138576482748noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3596274268315313096.post-16002472924376903782015-08-15T15:36:00.000-05:002015-08-15T17:26:30.625-05:00Cursos sobre música metal en universidades<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">Los programas académicos sobre música popular están aumentando de modo considerable en los últimos años en diversas universidades, principalmente europeas y norteamericanas, abarcando géneros que, aunque poseen algunas décadas de antigüedad en la historia de la música, no se abordaban al no ser incluidos dentro de las expresiones folclóricas tradicionales. Dentro de ellos, los géneros que cada vez adquieren más presencia son el blues, el rock, el punk y el metal. A continuación ofrezco una lista de algunos de los cursos que se están realizando sobre metal en algunas universidades de todo el mundo. Esta información puede ser útil para quienes pudiesen estar interesados en llevar cursos de intercambio. Por eso sólo se toma como referencia los cursos dictados en los últimos cinco años. La lista, desde luego, no puede ser permanentemente actualizada, pero será ampliada en cuanto tenga información de más cursos.</span></div>
<div>
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi81iKCo2XpCb44ZsDtPv49N5wG57b0G4ZbVR8BRV2-NLZtHgAdhV5BEr2oV5caQmFHU5qjNMtPRm1WXbp137q0XNu2R0SM-6tsuKQnYy39xsahm1Oh-JvUMun-_FLikJw1AcDXOr7DGWc/s1600/flyersmall.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="316" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi81iKCo2XpCb44ZsDtPv49N5wG57b0G4ZbVR8BRV2-NLZtHgAdhV5BEr2oV5caQmFHU5qjNMtPRm1WXbp137q0XNu2R0SM-6tsuKQnYy39xsahm1Oh-JvUMun-_FLikJw1AcDXOr7DGWc/s400/flyersmall.png" width="400" /></a></div>
<br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<b><u><span style="font-family: inherit;">ALEMANIA</span></u></b><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><b>Humboldt-Universität</b> (Berlín)</span><br />
<span style="font-family: inherit;">Thomas Hilder - "Von Joik bis Viking Metal. Was ist 'Nordisch' an nordischer Musik"</span><br />
<i><span style="font-family: inherit;">2015, semestre de verano, seminario (alemán)</span></i><br />
<i><span style="font-family: inherit;">2013, semestre de verano, seminario (inglés)</span></i><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><b>Georg-August-Universität</b> (Gottinga)</span><br />
<span style="font-family: inherit;">Britta Lesniak - "Hardcore, Metal, Punk: 'Harte' Musik aus Perspektive der kulturellen Musikwissenschaft"</span><br />
<i><span style="font-family: inherit;">2014-15, semestre de invierno, seminario</span></i><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><b>Universität Siegen</b> (Siegen)</span><br />
<span style="font-family: inherit;">Florian Heesch - "The Art of Dying: Der Tod im Heavy Metal"</span><br />
<i><span style="font-family: inherit;">2014-15, semestre de invierno, seminario</span></i><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;">Florian Heesch - "Gewalt und Aggressivität im Heavy Metal"</span><br />
<i><span style="font-family: inherit;">2013-14, semestre de invierno, seminario</span></i><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><b>Universität Hildesheim</b> (Hildesheim)</span></div>
<div>
<span style="font-family: inherit;">Thomas Hilder - "Von Joik bis Black Metal. Was ist 'Nordisch' an nordischer Musik"</span><br />
<i><span style="font-family: inherit;">2014-15, semestre de invierno, seminario (alemán)</span></i><br />
<i><span style="font-family: inherit;">2012-13, semestre de invierno, seminario (inglés)</span></i><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;">Stefan Wurz - "Die Musik des Metal"</span><br />
<i><span style="font-family: inherit;">2012-13, semestre de invierno, seminario con prácticas</span></i><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><b>Johannes-Gutenberg-Universität</b> (Mainz)</span><br />
<span style="font-family: inherit;">Thorsten Hindrichs - "Welcome to my Nightmare: Heavy Metal und Theatralität"</span><br />
<i><span style="font-family: inherit;">2014, semestre de verano, seminario</span></i><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><b>Ernst Moritz Arndt Universität</b> (Greifswald)</span><br />
<span style="font-family: inherit;">Martin Loeser - "Heavy Metal"</span><br />
<i><span style="font-family: inherit;">2014, semestre de verano, seminario</span></i><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><b>Westfälische Wilhelms-Universität</b> (Münster)</span><br />
<span style="font-family: inherit;">Magnus Nilsson - "Skandinavischer Heavy Metal"</span><br />
<i><span style="font-family: inherit;">2014, semestre de verano, seminario</span></i><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><b>Hochschule für Musik Franz Liszt</b> (Weimar)</span><br />
<span style="font-family: inherit;">Wolf-Georg Zaddach - "The Number of the Beast. Vom Hardrock zum Extreme Metal von 1970 bis 2013"</span><br />
<i><span style="font-family: inherit;">2014, semestre de verano, seminario</span></i></div>
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><b>Ludwig-Maximilians Universität</b> (Munich)</span><br />
<span style="font-family: inherit;">Angelika Möller - "'This is Spınal Tap': Heavy Metal and Hard Rock in American Popular Culture"</span><br />
<i><span style="font-family: inherit;">2014, curso</span></i><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><b>Universität Köln</b> (Colonia)</span><br />
<div>
<span style="font-family: inherit;">Marcus Erbe - "Extreme Metal: Theoretische Perspektiven auf eine marginale Musikkultur"</span><br />
<i><span style="font-family: inherit;">2013, semestre de verano, seminario</span></i><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;">Marcus Erbe - "Post/Hard/Metal/Death/Core und (k)ein bisschen heavy? Prozesse der Stabilisierung und Destabilisierung musikalischer Genres"</span><br />
<i><span style="font-family: inherit;">2009-10, semestre de invierno, seminario</span></i><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><b>Universität für Musik und darstellende Kunst</b> (Graz)</span><br />
<span style="font-family: inherit;">Charalampos Efthymiou - "Hard Rock und Heavy Metal: Musikhistorische und -analytische Aspekte des 'harten' Sounds der 70er, 80er und 90er Jahre"</span><br />
<i><span style="font-family: inherit;">2012-13, semestre de invierno, lecciones</span></i><br />
<span style="font-family: inherit;"><i>2012, semestre de verano, </i><i>lecciones</i></span><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><b>Folkwang-Hochschule</b> (Essen)</span><br />
<span style="font-family: inherit;">Andreas Jacob - "Hard Rock/Heavy Metal"</span><br />
<i><span style="font-family: inherit;">2012, semestre de verano, seminario</span></i><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><b>Hochschule für Musik Theater und Medien</b> (Hannover)</span><br />
<span style="font-family: inherit;">Florian Heesch - "Seek & Destroy: Aggression und Gewalt im Heavy Metal"</span><br />
<i><span style="font-family: inherit;">2011-12, semestre de invierno, seminario</span></i><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><b>Hochschule für Musik</b> (Colonia)</span><br />
<span style="font-family: inherit;">Dietmar Elflein - "The History of the Beast: Voraussetzungen und Entwicklungslinien des Heavy Metal (Blockveranstaltung)"</span><br />
<i><span style="font-family: inherit;">2011-12, semestre de invierno, seminario</span></i><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><b>Hochschule für Musik</b> (Detmold)</span><br />
<span style="font-family: inherit;">Simon Brinkmann - "'In your fuckin´ face!': Stilanalysen gegenwärtiger Hardcore- und Metalszenen"</span><br />
<i><span style="font-family: inherit;">2009, semestre de verano, seminario</span></i><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<b><u><span style="font-family: inherit;">AUSTRIA</span></u></b><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><b>Universität Wien</b> (Viena)</span><br />
<span style="font-family: inherit;">Nikolaus Urbanek - "Lachenmann auf dem iPod. Metallica im Konzerthaus? Aktuelle Herausforderungen der Musikphilosophie"</span><br />
<i><span style="font-family: inherit;">2014, semestre de verano, seminario</span></i><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<b><u><span style="font-family: inherit;">BRASIL</span></u></b><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><b>Universidad Federal Fluminense</b> (Niterói)</span><br />
<span style="font-family: inherit;">Melina Santos - "Theory of Heavy Metal"</span><br />
<i><span style="font-family: inherit;">2015, curso</span></i><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<u><b><span style="font-family: inherit;">CANADÁ</span></b></u><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<b style="font-family: inherit;">University of Calgary</b><span style="font-family: inherit;"> (Alberta)</span><br />
<span style="font-family: inherit;">Brad Mahon & Ralph Maier - "History of Heavy Metal"</span><br />
<i><span style="font-family: inherit;">2013, semestre de invierno, curso</span></i><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><b><u>FINLANDIA</u></b></span><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><b>University of Helsinki</b> (Helsinki)</span><br />
<span style="font-family: inherit;">Paolo Ribaldini - "Heavy Metal Music in Contemporary History and Society"</span><br />
<span style="font-family: inherit;"><i>2015, curso</i></span><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><b><u>UK</u></b></span><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<b>New College Nottingham</b> (Nottingham)</div>
<div>
<span style="font-family: inherit;">Heavy Metal Degree</span><br />
<span style="font-family: inherit;"><i>Desde 2013, carrera de dos años</i></span><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><b><u>USA</u></b>
</span><br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><b><br /></b>
<b>Miami University</b> (Ohio)</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">Brian Kirkmeyer - "Metal on Metal: Engineering and Globalization in Heavy Metal Music"</span><br />
<i><span style="font-family: inherit;">2009-2015, curso</span></i><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><b>Columbia University</b> (Nueva York)</span><br />
<span style="font-family: inherit;">Juliet Forshaw - "Heavy Metal: A Music, Culture, and Philosophy of Negativity"</span><br />
<span style="font-family: inherit;"><i>2013, seminario</i></span><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
</div>
</div>
Arturo Rivas Seminariohttp://www.blogger.com/profile/03660676138576482748noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3596274268315313096.post-37533202735888394952015-05-21T14:34:00.000-05:002015-05-24T10:34:11.201-05:00La respuesta de Toscanini (Kleiber) a Celibidache desde el Paraíso<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="215" src="https://www.youtube.com/embed/-mbEbNAqsg0" width="320"></iframe>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: x-small;"><i>Scherzo</i> de la Tercera de Bruckner, en la inmejorable versión de Celibidache</span></div>
<br />
Son bien conocidas las opiniones, no precisamente lisonjeras, con que el gran director Sergiu Celibidache se refería a casi la totalidad de sus colegas. Declarado seguidor del budismo zen (véase al respecto el documental <i>Le Jardin de Celibidache</i>, dirigido por su hijo), el director rumano no se reservaba sus severos juicios cuando se los pedían. Muchos de ellos constan en una entrevista que dio en 1989 a la revista <i>Der Spiegel</i>. Allí dijo que Herbert von Karajan, sin duda el más afamado director del siglo pasado, que le ganó con una jugada astuta la sucesión de Furtwängler en Berlín, era "horrible, o es un hombre de negocios o es que no puede oír". Hans Knappertsbusch, que para algunos tiene la mejor versión de la tetralogía wagneriana, le parecía un escándalo, "la negación de la música hasta lo inconcebible". A Karl Böhm, dirigiendo a Mozart, lo calificó como "un saco de patatas, no ha dirigido una sola nota de música en su vida". Del italiano Arturo Toscanini pensaba que fue "una mera fábrica de notas". Claudio Abbado era para él un director absolutamente falto de talento, "un tormento", a lo que agregaba que él podía sobrevivir tres semanas sin comer pero que, con tres horas en un concierto de Abbado, le daba un infarto de miocardio. Riccardo Muti le parecía en cambio algo talentoso, pero un ignorante. A Zubin Mehta y Leonard Bernstein los consideraba ajenos a su mundo. E incluso de un filósofo, de Theodor W. Adorno, opinaba que había sido el mayor charlatán de la historia.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUaTHUI998yK1SHKeqyv_uF8ScMhnloVaJ_5yQgdvz333HXW__XyKmQ70CN6vAQBQt-mgw7zLI_YFGuhCRSZzIt9C8W8I7dcn5anre1R65KlIpFJSuu0lbvZvtUSSiLZA1K4UIVjtHgX4/s1600/sergiu_celibidache.gif" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" /></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Sergiu Celibidache</td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUaTHUI998yK1SHKeqyv_uF8ScMhnloVaJ_5yQgdvz333HXW__XyKmQ70CN6vAQBQt-mgw7zLI_YFGuhCRSZzIt9C8W8I7dcn5anre1R65KlIpFJSuu0lbvZvtUSSiLZA1K4UIVjtHgX4/s1600/sergiu_celibidache.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="color: black;"></span></a></div>
<br />
Al menos en lo de Adorno tenía razón (y es entendible la discrepancia desde su aproximación fenomenológica a la música en general y a la dirección orquestal en particular), pero, volviendo sobre los directores, uno al que Celibidache no se refirió y que era no menos radical y perfeccionista, aunque sí mucho más reservado, el alemán Carlos Kleiber, dejó su habitual silencio <a href="http://www.spiegel.de/spiegel/print/d-13493443.html" target="_blank">para enviar una respuesta al <i>Der Spiegel</i></a>. En ella afirmaba haber recibido un telegrama desde el Paraíso, dirigido a Celibidache y firmado por Toscanini. Sin más, el texto de dicho telegrama era el siguiente:<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhq9vE3cV6AvpG2MSa5AFRpBx4pPvuo19ZbEM2eSsRvngHfenBJgR5eJ8sqEx5PyYbWyaoc63s8rJy_gav7PhPqTLDdUWWtWJaKX6161GHO_tw6KtGmrObvhs7h7FfhwkrNsCLghPjqlEE/s400/Arturo-Toscanini-ritratto1.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" width="272" /></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Arturo Toscanini</td></tr>
</tbody></table>
<br />
<blockquote class="tr_bq">
Télex de Toscanini (Cielo) a Celibidache (Munich) </blockquote>
<blockquote class="tr_bq">
¡Querido Sergiu!</blockquote>
<blockquote class="tr_bq">
Hemos leído de ti en <i>Der Spiegel</i>. Eres irritante, pero te perdonamos. No nos queda otro remedio: el perdonar aquí pertenece al buen tono. </blockquote>
<blockquote class="tr_bq">
Charlie-Sacodepatatas (1) ha levantado algunas objeciones, pero cuando Kna (2) y yo le hemos asegurado que él es musical, ha dejado de lamentarse.
Wilhelm (3) se obstina ahora en afirmar de improviso que jamás ha oído tu nombre. Papá Joseph (4), Wolfgang Amadeus (5), Ludwig (6), Johannes (7) y Anton (8) dicen que ellos prefieren los segundos violines en el lado derecho, y que tus <i>tempi</i> son todos erróneos. Pero realmente eso les importa una mierda. Aquí arriba no pueden a uno importarle esas cosas una mierda, el Jefe no lo quiere. </blockquote>
<blockquote class="tr_bq">
Un viejo maestro zen que vive aquí al lado dice que has entendido el budismo zen del todo equivocadamente. Bruno (9) se ha puesto medio malo de la risa leyendo tus observaciones. Tengo la sospecha de que comparte en secreto tu juicio sobre mí y sobre Charlie. Para variar, quizá podrías decir también algo ordinario sobre él, si no, va a sentirse excluido.</blockquote>
<blockquote class="tr_bq">
Lamento decírtelo, pero aquí todos andamos locos por Herbert (10), los directores están incluso un poquito celosos de él. Apenas vamos a poder aguardar quince o veinte años para darle cordialmente la bienvenida. Pero se dice que allí donde irás se cocina mejor, y que allá abajo las orquestas ensayan innecesariamente. Incluso hacen pequeñas faltas adrede, con lo que podrás corregirlas por toda la eternidad. Estoy seguro de que eso te gustaría, Sergiu.</blockquote>
<blockquote class="tr_bq">
Aquí arriba todos los ángeles leen directamente de los ojos de los compositores, y nosotros, los directores, sólo tenemos que escuchar. Sólo Dios sabe cómo he llegado yo hasta aquí.</blockquote>
<blockquote class="tr_bq">
Te deseo que lo pases muy bien, con todo afecto,</blockquote>
<blockquote class="tr_bq">
Arturo </blockquote>
</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhq9vE3cV6AvpG2MSa5AFRpBx4pPvuo19ZbEM2eSsRvngHfenBJgR5eJ8sqEx5PyYbWyaoc63s8rJy_gav7PhPqTLDdUWWtWJaKX6161GHO_tw6KtGmrObvhs7h7FfhwkrNsCLghPjqlEE/s1600/Arturo-Toscanini-ritratto1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="color: black;"></span></a></div>
(1) Karl Böhm (2) <span style="text-align: justify;">Knappertsbusch (3) </span><span style="text-align: justify;">Furtwängler (4) Haydn (5) Mozart (6) Beethoven (7) Brahms (8) Bruckner (9) Bruno Walter (10) Karajan</span><br />
<span style="text-align: justify;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4ux2avGgdqkK9Rj2XG5256Ey0itlyYQwkKuxNoISStjauUWLlXFuQfZpNd0kQikHe_4v4mBiz8YsWBznP0_6tXrm1IiA1xYeI-pUmmt4KG-jb4tjxk0qpOBN8DF0xwMNIzrRD3KqGc04/s1600/maxresdefault.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4ux2avGgdqkK9Rj2XG5256Ey0itlyYQwkKuxNoISStjauUWLlXFuQfZpNd0kQikHe_4v4mBiz8YsWBznP0_6tXrm1IiA1xYeI-pUmmt4KG-jb4tjxk0qpOBN8DF0xwMNIzrRD3KqGc04/s400/maxresdefault.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Carlos Kleiber</td></tr>
</tbody></table>
<span style="text-align: justify;"><br /></span>Arturo Rivas Seminariohttp://www.blogger.com/profile/03660676138576482748noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3596274268315313096.post-12387164424513212492015-03-15T12:28:00.000-05:002015-03-15T22:32:26.132-05:00Compositoras contemporáneas (1)<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWUaSFdtyS5Zy3lrwVy4BhuULzkGVL0XWsqLwWBCMIoWiHFlmWwqOglX5kkyJMWr0kwxzfNKkhflEYDXAxLmHCrT9vGxct9YVb2frer0FFHltqdNsSdKfblGBcQL24At2lnJtyQKm7KOk/s1600/delianmode-illus-by-brigitte-archambault.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWUaSFdtyS5Zy3lrwVy4BhuULzkGVL0XWsqLwWBCMIoWiHFlmWwqOglX5kkyJMWr0kwxzfNKkhflEYDXAxLmHCrT9vGxct9YVb2frer0FFHltqdNsSdKfblGBcQL24At2lnJtyQKm7KOk/s1600/delianmode-illus-by-brigitte-archambault.jpg" height="390" width="500" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Delianmode", ilustración de Brigitte Archambault en homenaje a Delia Derbyshire</td></tr>
</tbody></table>
<br />
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Uno de los espacios donde las mujeres han sido tradicionalmente excluidas es el de la Historia de la música académica. Evidentemente, tal exclusión es consecuencia también de que por mucho tiempo se les negase toda capacidad para componer música, así como en ocasiones incluso para ejecutarla. En plena modernidad, en 1686, el papa Inocencio XI dictaba aún que "ninguna mujer [...] con ningún pretexto debe aprender música [...ni] tocar ningún tipo de instrumento musical" porque la música afectaba a "la modestia que corresponde al sexo femenino, porque las mujeres se distraen de las funciones y las ocupaciones que les corresponden". El prejuicio era tanto contra la sensualidad de la música como contra la sensibilidad de la mujer: ambas juntas, desprovistas del orden racional que era exclusivamente masculino, estaban perdidas. La idea de que las mujeres eran por naturaleza (es decir, inevitablemente) dominadas por sus sentimientos iba perfectamente asociada con aquella de que la música debía seguir un orden racional, un canon que ellas no podían distinguir armónicamente, sino a lo más de un modo intuitivo dejándose llevar por la melodía. A pesar de ello, hubo innumerables casos de compositoras relevantes que no han sido reconocidas por un prejuicio que expresó muy bien a inicios del siglo XX el director inglés sir Thomas Beecham: "No hay compositoras, nunca las hubo y posiblemente nunca existirán".<br />
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Esto, afortunadamente, ha cambiado. No sólo porque, más allá de tesis tan cuestionables como la de que habría sido Anna Magdalena Bach quien escribió las mejores obras de Johann Sebastian (<a href="http://www.theguardian.com/music/musicblog/2014/oct/29/why-bach-wife-cannot-take-credit-for-his-cello-masterwork" target="_blank">acá se refuta eso sólidamente</a>), cada vez se graban más obras de compositoras antiguas, sino también porque cada vez hay más nuevas compositoras. La igualdad de género es una lucha contemporánea, y es allí donde debemos preferentemente dirigir la mirada: hacia la música contemporánea. Precisamente una de sus virtudes es que en ella las mujeres están mejor representadas que en los anteriores 400 años de historia musical. Y es en ella donde tienen un horizonte de posibilidades creativas mucho más abierto que el de los viejos sistemas occidentales de la tonalidad y de la atonalidad.</div>
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Entre las compositoras que estoy siguiendo me gustaría referirme a las siguientes:</div>
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<span style="font-size: large;"><b>Meredith Monk</b></span><br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/CsefAgYbdX8?rel=0" width="460"></iframe>
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Junto al ensamble que formó, siguiendo el modelo de los que tenían sus colegas Steve Reich y Philip Glass, la neoyorquina Meredith Monk ha explorado nuevas y muy amplias texturas y formas vocales, cercanas a las texturas instrumentales minimalistas. Su primer álbum incluye a <i>Dolmen Music</i> (1979), obra que nos muestra con claridad y fuerza su sonido tan antiguo como moderno. Es como estar en la India y Nueva York a la vez. Lo suyo son técnicas vocales extendidas en las que se desenvuelve con maestría y que por eso suenan tan naturales y esenciales.<br />
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<b><span style="font-size: large;">Galina Ustvolskaya
</span></b><br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/TvELcETEtQg?rel=0" width="460"></iframe>
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Elogiada por Ligeti, la rusa Galina Ustvolskaya decía estar de acuerdo con Schumann en que "el mejor método para hablar sobre la música es guardar silencio acerca de ella". Su música, ciertamente, impone el silencio. Es brutal, exasperantemente atractiva. Su <i>Poema Nº 1</i> (1958) es más próximo a Shostakovich, que le enviaba sus más recientes composiciones para su aprobación y que le propuso matrimonio al parecer más de una vez. Por esos años, ellos iniciaron un juego de reconocimiento mutuo con un ida y vuelta de citas en torno a un motivo de la primera y no publicada versión de la <i>Sinfonía Nº 9</i> de Shostakovich. Con el tiempo, Ustvolskaya se distanció de él para desarrollar un sonido propio de melodías trágicas y acordes martillados que escuchamos, por ejemplo, en su <i>Sonata para piano Nº 6</i>.<br />
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<b><span style="font-size: large;">Kaija Saariaho</span></b></div>
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/wkmzXHTrixI?rel=0" width="460"></iframe>
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Alumna de Brian Ferneyhough y asociada al IRCAM (fundado por Pierre Boulez), la finlandesa Kaija Saariaho buscó nuevos sonidos mediante el análisis científico de los sonidos instrumentales y de los timbres, obteniendo música electrónica a partir de instrumentos clásicos o en diálogo con ellos. No obstante, lo que nos brinda no es mera música de laboratorio, sino que logra desarrollar atmósferas de tanta extrañeza y originalidad como también de exuberancia y belleza. Con el tiempo, le ha dado un mayor lugar a la melodía en sus composiciones, que incluyen obras para orquesta y destacadas óperas.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIqZB-rISAimROlWY25hPO8GNE8qr0m282Vhyphenhyphenwj7IvHgUHR4d_BN7rVsQE6jqQ8kaEh9Tg4UK8cSEKr0OOG6fB_TDJC862hcH3DWGDhGC9WYwZMytMpd5z8f7HuW-rMXxYJH7oiLvPpY0/s1600/C85oc7Ae98VktrxabfLwxuGD.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIqZB-rISAimROlWY25hPO8GNE8qr0m282Vhyphenhyphenwj7IvHgUHR4d_BN7rVsQE6jqQ8kaEh9Tg4UK8cSEKr0OOG6fB_TDJC862hcH3DWGDhGC9WYwZMytMpd5z8f7HuW-rMXxYJH7oiLvPpY0/s1600/C85oc7Ae98VktrxabfLwxuGD.jpeg" height="320" width="319" /></a></div>
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<b><span style="font-size: large;">Delia Derbyshire</span></b><br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/K6pTdzt7BiI?rel=0" width="460"></iframe>
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Cuando la inglesa Delia Derbyshire solicitó un puesto de trabajo en Decca Records, le contestaron que ellos no contrataban mujeres para sus estudios de grabación. Poco importaba que se acabara de licenciar en matemáticas y música. Derbyshire fue una compositora de música concreta, influida por Pierre Schaeffer, pionera en la música electrónica y la escultura sonora. Conocida por el tema musical de la serie televisiva <i>Doctor Who</i>, sus obras cubren un panorama muy amplio de experimentación con voces, instrumentos en cintas magnetofónicas, generadores de ruido blanco, osciladores de válvulas, filtros, grabadores de cinta abierta, montajes de sonidos..., y analizando las frecuencias, los ritmos, las tonalidades, los parciales, etc. Varias de sus creaciones en el Taller Radiofónico de la BBC fueron censuradas, ya que la emisora las consideraba lascivas y lujuriosas. <i>Love Without Sound</i> (1969) es el primer tema del álbum <i>An Electric Storm</i>, creado junto a David Vorhaus y Brian Hodson a partir de la manipulación de cintas analógicas y de sonidos obtenidos del sintetizador VCS3 Synthi EMS.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOrvMaie4XJyOdHH4Ey3U3DRnqdgIHzE3VXv4kwMdmeOrD3lBGrgYEPJgbptzV7NvTzca_ZtXRo_LZuCNQK-VdXxsc2C1Jrb2epC2edJcnprHAKBOO2lWUe9irFwqfZE6dnRTOxQmQxjk/s1600/deliaderbyshire.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOrvMaie4XJyOdHH4Ey3U3DRnqdgIHzE3VXv4kwMdmeOrD3lBGrgYEPJgbptzV7NvTzca_ZtXRo_LZuCNQK-VdXxsc2C1Jrb2epC2edJcnprHAKBOO2lWUe9irFwqfZE6dnRTOxQmQxjk/s1600/deliaderbyshire.jpeg" height="320" width="256" /></a></div>
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<b><span style="font-size: large;">Olga Pozzi Escot</span></b><br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/NrxIQlExd2c?rel=0" width="460"></iframe>
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La peruana (a su pesar) Pozzi Escot es una de las compositoras americanas de mayor reconocimiento mundial. Inició su formación musical en Lima, perfeccionándose luego en los Estados Unidos y Alemania. Junto a Robert Cogan escribió <i>Sonic Design: The Nature of Sound and Music</i>. Su prestigio como musicóloga, además de como compositora, le ha llevado a ser editora en jefe de la revista <i>Sonus</i> y a ser conferenciante invitada en Harvard, Columbia, Princeton, y otras universidades de los Estados Unidos y Europa.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicErcO2XPCG9PXU8z_g_zsG7CCOvL1ZEeoXhLlRMEn48487Bx1o9ZMqq4VWNVJTFGlyWxdNMkeHD2QdCckplQRVq6T6I_-sH3lxNsS3lckznvutOzZN87pIm1qMbmsy1aVjb_yYvhDgxg/s1600/pozzi+escot.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicErcO2XPCG9PXU8z_g_zsG7CCOvL1ZEeoXhLlRMEn48487Bx1o9ZMqq4VWNVJTFGlyWxdNMkeHD2QdCckplQRVq6T6I_-sH3lxNsS3lckznvutOzZN87pIm1qMbmsy1aVjb_yYvhDgxg/s1600/pozzi+escot.jpg" height="320" width="265" /></a></div>
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<b><span style="font-size: large;">Judith Weir
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/JJIyzDTWmp8?rel=0" width="460"></iframe>
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A la escocesa Judith Weir le gusta contar historias épicas de grandes dimensiones (incluso si se basan en pequeños cuentos populares, como <i>Miss Fortune</i>), pero lo hace reduciendo sus ideas musicales y dramáticas a lo absolutamente esencial. Ella se concentra en unidades rítmicas, melódicas y armónicas mínimas. <i>La saga del rey Harald</i>, por ejemplo, es una ópera en tres actos que trata sobre la fallida invasión de Inglaterra por parte del rey Harald en 1066 y que implica la participación de miles de personajes, incluyendo al ejército noruego, pero que se basta con una soprano que va interpretando los diversos roles en poco más de diez minutos. Esa mezcla de sutileza y expresividad concentrada se destaca en todos sus dramas musicales y también en sus piezas instrumentales, como su <i>Piano Concerto</i>. En sus palabras: "Desde que nació el piano moderno, la composición de los conciertos para piano ha estado en un espiral inflacionario, y ahora es una forma musical asociada con el aspecto chocantemente fuerte de la música, que no es en general el tipo de música que me gusta escribir".</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJtChnH6tGVQahoZm-WojfHFNbARYYq2Ov_7rRr6R6Wlu-3jIvKIEal4HOsx5CzhiNN_D_xu35zHyqTfVZQAhuyYSiuqsCOYJB0zhG6Ru67Afw5IY5-EDib6oN89UIbPSbDx5r93LXv44/s1600/Composer-Judith-Weir-008.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJtChnH6tGVQahoZm-WojfHFNbARYYq2Ov_7rRr6R6Wlu-3jIvKIEal4HOsx5CzhiNN_D_xu35zHyqTfVZQAhuyYSiuqsCOYJB0zhG6Ru67Afw5IY5-EDib6oN89UIbPSbDx5r93LXv44/s1600/Composer-Judith-Weir-008.jpg" height="240" width="400" /></a></div>
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<b><span style="font-size: large;">Bebe Barron</span></b><br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/dwaaY34OQaM?rel=0" width="460"></iframe>
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Junto a su esposo Louis, Bebe Barron (Charlotte May Wind) fue pionera de la música electrónica para cinta magnética. Nacida en Minneapolis, estudió junto al compositor y musicólogo experimental Henry Cowell. Tras casarse en 1947, la pareja se mudó a Nueva York, donde recibieron como regalo de bodas una grabadora de cintas, con la que empezaron a practicar en música concreta. Allí abrieron uno de los primeros estudios de música experimental en América, grabando a Henry Miller, Tennessee Williams, Aldous Huxley y Anaïs Nin leyendo sus obras, con lo que lanzaron la serie <i>Sound Portraits</i> en su sello <i>Contemporary Classics</i>. Mientras que Louis pasó la mayor parte de su tiempo construyendo circuitos, Bebe se concentró en la composición, cortando y pegando las cintas durante horas. Se hicieron especialmente conocidos a causa de su mezcla de sonidos que parecían provenientes de otro mundo y que componen la banda sonora de la película <i>Forbidden Planet</i> (1956). En su estudio, John Cage grabó su primera composición para cinta, <i>Williams Mix</i>, así como su <i>Music for Magnetic Tape</i> junto a Morton Feldman, Earle Brown y David Tudor. En una entrevista, la propia Bebe declaró que Cage les dio el sentimiento de que no tenían por qué haber reglas y que, junto a Varèse, los animaron haciéndoles notar que lo suyo era música y no sólo efectos sonoros.</div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZP0paUAe8McyU6fM_DgcDvKZZTaMf5mHOo_YgB1bHR_8f_4NbPq1c9MYf3cEGWgZALzyMI5Gj1QO-_rQ2akf5cqzQmc4ztnltqWEZQvJaxbgBETScTuc9WNWJncrYqkUDmBn2I1w5ejY/s1600/louis_and_bebe_barron_again.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZP0paUAe8McyU6fM_DgcDvKZZTaMf5mHOo_YgB1bHR_8f_4NbPq1c9MYf3cEGWgZALzyMI5Gj1QO-_rQ2akf5cqzQmc4ztnltqWEZQvJaxbgBETScTuc9WNWJncrYqkUDmBn2I1w5ejY/s1600/louis_and_bebe_barron_again.png" height="320" width="308" /></a></div>
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<b><span style="font-size: large;">Olga Neuwirth</span></b><br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/vMk6oYte-Jc?rel=0" width="460"></iframe>
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Discípula de Luigi Nono y del espectralista francés Tristan Murail, la austriaca Olga Neuwirth es una destacada creadora de piezas orquestales y obras de cámara en las que mezcla con precisión y un sello personal muy diversas influencias a las que la compositora alude continuamente. Así, por ejemplo, <i>No More</i> resulta ser un viaje inesperado en el que se juntan Wagner, Schönberg, Varèse, Frank Zappa y otros referentes. Y el <i>Concierto para trompeta <span style="color: #333333; font-family: Guardian Text Egyptian Web, Georgia, serif;"><span style="background-color: white; line-height: 24px;">"</span></span>Miramondo Multiplo"</i> tiene alusiones, muy cuidadosamente enlazadas, a Mahler, Händel, Stravinski y Miles Davis, entre otros. Neuwirth se apropia, pues, de la tradición en un sentido pleno. Una de sus obras más conocidas es su ópera <i>Lost Highway</i>, basada en la película homónima de David Lynch.</div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjRx6Zy-gpWk6gAr3TA66FVeFfs-FQD1AmDeQbF5fqo100VG8iSU7s-B55nLs5SUqk0JTKRfa4oF3SkKWifPAHpol4eq1Dy3w8SNJDSOs6KrvwtWTGJyv_FSprFtiV8cZ3PYx3yY1uD570/s1600/olga-neuwirth.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjRx6Zy-gpWk6gAr3TA66FVeFfs-FQD1AmDeQbF5fqo100VG8iSU7s-B55nLs5SUqk0JTKRfa4oF3SkKWifPAHpol4eq1Dy3w8SNJDSOs6KrvwtWTGJyv_FSprFtiV8cZ3PYx3yY1uD570/s1600/olga-neuwirth.jpg" height="208" width="320" /></a></div>
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<b><span style="font-size: large;">Sofía Gubaidulina</span></b><br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/qkKEhh_5gOQ?rel=0" width="460"></iframe>
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<div style="text-align: justify;">
La rusa Sofía Gubaidulina ha afirmado que "No hay ocupación más importante que la recomposición de la integridad espiritual a través de la composición musical". Su música, en efecto, forma parte de lo mejor de la música sacra contemporánea, que tiene otros destacados exponentes en Messiaen, Pärt, Gorecki y Penderecki. El presupuesto temático de su fe, acaso por su vertiente mística, no ha sido óbice para que su música posea gran originalidad y angustia.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjfbO_0IgdtknpProiA2W_G_FSkyaYq1BOTHm6MM0rDk6qAq614xxiTbP4g65FFAEfCPRnatJMFPBVvb9PEWT_uV1KXFr1nMAMGk16Z1ta_sW2L_6wx4coS1sP0-o-yzvpE2vituIwBhY/s1600/MUSICA-2-a_0.articulo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjfbO_0IgdtknpProiA2W_G_FSkyaYq1BOTHm6MM0rDk6qAq614xxiTbP4g65FFAEfCPRnatJMFPBVvb9PEWT_uV1KXFr1nMAMGk16Z1ta_sW2L_6wx4coS1sP0-o-yzvpE2vituIwBhY/s1600/MUSICA-2-a_0.articulo.jpg" height="262" width="320" /></a></div>
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Arturo Rivas Seminariohttp://www.blogger.com/profile/03660676138576482748noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3596274268315313096.post-47821099485571724892015-01-15T12:16:00.000-05:002015-01-15T12:16:44.951-05:00X Conferencia Regional Latinoamericana y III Conferencia Regional Panamericana de Educación Musical<br />
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<div style="text-align: justify;">
Si la educación es, en general, un asunto difícil, cuánto más no lo es la educación artística, sobre todo si se asume que lo propio del arte es su indeterminación desde todo punto de vista conceptual o científico, expresada por ejemplo en la imposibilidad de enseñar eso que llamamos genio, y especialmente con la música, que es la menos representacional, la más abstracta de todas las artes. Son muchos, pues, los cuestionamientos que salen a luz. Por ejemplo: ¿qué y cómo comunica la música?, ¿cómo puede lo esencial de la música o de un músico ser enseñado?, ¿hasta qué punto el oído musical se educa o es un don natural?, ¿cómo puede influir la educación en la creatividad?, ¿son las instituciones educativas clásicas medios idóneos para la creatividad?, ¿qué tanto dependen esas instituciones de cánones artísticos demasiado ortodoxos?, ¿cuál es la relación de la escuela musical con la realidad musical de la sociedad? Estas y muchas otras preguntas podrán ser discutidas en la próxima Conferencia Regional de Educación Musical que se llevará a cabo por primera vez en el Perú.</div>
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<b>Evento:</b> X Conferencia Regional Latinoamericana y III Conferencia Regional Panamericana de Educación Musical<br />
<b>Tema:</b> "Educación musical en las Américas: Situación actual y desafíos para el futuro"<br />
<b>Institución:</b> Sociedad Internacional de Educación Musical (ISME)<br />
<b>Fechas:</b> 4 al 7 de agosto de 2015<br />
<b>Lugar:</b> Pontificia Universidad Católica del Perú<br />
<b>Idiomas:</b> Castellano, inglés y portugués<br />
<b>Deadline:</b> Envío de ponencias hasta el 31 de marzo de 2015<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6DCqYGHZk-RKBxN9FfNUyECneUix_-QqoRZzT8IoVQA1D1ceLM3ccomdpY8XtJIP3qO23caPtA4bpgpdnV8PuFzlgnDO0FRrGzhyNc62L4fAyLTNQG5Zcb1nhIbGavRQNYN6EKUntOfQ/s1600/1240417_360774994093769_4728829568749636003_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6DCqYGHZk-RKBxN9FfNUyECneUix_-QqoRZzT8IoVQA1D1ceLM3ccomdpY8XtJIP3qO23caPtA4bpgpdnV8PuFzlgnDO0FRrGzhyNc62L4fAyLTNQG5Zcb1nhIbGavRQNYN6EKUntOfQ/s1600/1240417_360774994093769_4728829568749636003_n.jpg" height="276" width="600" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b>Convocatoria para la presentación de trabajos</b></div>
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<div style="text-align: justify;">
La Facultad de Artes Escénicas, a través de la Especialidad de Música de la Pontificia Universidad Católica de Perú, PUCP, tienen el agrado de convocar a la X Conferencia Regional Latinoamericana de Educación Musical y la III Conferencia Regional Panamericana de Educación Musical de la Sociedad Internacional de Educación Musical (ISME).</div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
En ambos eventos se buscará articular la reflexión y el debate, a partir de la presentación de trabajos de investigación, relatos de experiencias, conferencias plenarias, conciertos y talleres, en los cuales se aborde desde diferentes perspectivas la situación actual y los desafíos de la educación musical en América.</div>
<br />
Los eventos se articularán a partir de los siguientes temas específicos:<br />
<ul>
<li>Prácticas de enseñanza en educación musical</li>
<li>Formación de profesores en educación musical</li>
<li>Educación musical, ciudadanía y comunidades</li>
<li>Educación musical y políticas educativas</li>
<li>Educación musical e interdisciplinaridad</li>
<li>Fundamentos teóricos para la educación musical</li>
<li>Educación musical, tecnología y nuevos medios</li>
<li>Educación musical y mercado de trabajo</li>
</ul>
<br />
<b>Presentación de trabajos</b><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Los participantes tendrán la posibilidad de exponer trabajos de investigación en curso, investigación concluida, relato de experiencia, reflexión teórica, taller, curso o actividad artística, enmarcado en uno de los ejes temáticos del evento. Las modalidades de presentación son las siguientes:</div>
<br />
<b><i>1) Comunicaciones orales</i></b><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Las propuestas de comunicación oral deberán ser enviadas a través de un texto con un máximo de 2000 palabras (sin contar resumen y referencias bibliográficas). Este documento debe utilizar la fuente Times New Roman 12, interlineado 1.5, todos los márgenes a 2 cm, en un archivo de Word, rtf o pdf. El texto tendrá que explicitar un problema, objetivos, referencias teóricas y métodos utilizados; además, debe informar los principales resultados obtenidos.</div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Las propuestas aprobadas serán presentadas durante 25 minutos, considerando 15 minutos para la presentación del trabajo y 10 minutos para recibir preguntas y comentarios. Tanto el lugar, fecha y hora serán definidos especialmente por el Comité Organizador. Para la presentación, deberá estar presente al menos uno de los autores del trabajo seleccionado.</div>
<br />
<b><i>2) Posters</i></b><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Las propuestas de presentación de póster deberán ser enviadas a través de un texto con un máximo de 2000 palabras (sin contar resumen y referencias bibliográficas). Estas deben utilizar como fuente Times New Roman 12, interlineado 1.5, todos las márgenes 2 cm, en un archivo de Word, rtf o pdf. El texto tendrá que explicitar un problema, objetivos, referencias teóricas y métodos utilizados; además, debe informar los principales resultados obtenidos.</div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Los posters serán presentados en el lugar, fecha y hora definidos especialmente por el Comité Organizador. Para la exhibición del poster, deberá estar presente al menos un participante por trabajo.</div>
<br />
<b><i>3) Simposios</i></b><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Las propuestas de simposios deberán ser enviadas a través de un texto que reúna la presentación de tres participantes, con un máximo de 6000 palabras (sin contar resumen y referencias bibliográficas), o tres textos con un máximo de 2000 palabras cada uno. Del mismo modo, estos documentos deben utilizar Times New Roman 12, interlineado 1.5, todos los márgenes 2 cm. Asimismo, serán propuestos en un archivo de Word, rtf o pdf. El texto —o los textos— tendrá que explicitar un problema, objetivos, referencias teóricas y métodos utilizados. De igual manera, informará acerca de los principales resultados obtenidos.</div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Cada simposio será presentado durante una hora y veinte minutos (60 minutos para las presentaciones y 20 minutos para discusión, preguntas y comentarios) en el lugar, fecha y hora definidos por el Comité Organizador. Para la presentación de un simposio, deberán estar presentes al menos dos participantes.</div>
<br />
<b><i>4) Talleres o cursos</i></b><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Las propuestas de talleres o cursos deberán ser enviadas a través de un texto con un máximo de 2000 palabras. Este utilizará la fuente Times New Roman 12, interlineado 1.5, todos las márgenes 2 cm, en un archivo de Word, rtf o pdf. El documento contendrá los siguientes elementos: un resumen del trabajo a desarrollar que incluya los objetivos del taller, los contenidos y metodologías, y las referencias bibliográficas que fundamenten la propuesta. Además, un breve curriculum (200 palabras) de los investigadores que guiarán la actividad, la población destinataria, el número mínimo y máximo de participantes, y la indicacion de los elementos técnicos que requeriría para su implementación.</div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Cada taller o curso será realizado durante tres días. En total debe durar cuatro horas y media (una hora y media por día). Tanto el lugar, fecha y hora serán definidos especialmente por el Comité Organizador.</div>
<br />
<b><i>5) Actividad artística</i></b><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Las propuestas para la realización de actividades artísticas durante el evento deberán ser enviadas a través de un texto, con un máximo de 700 palabras. Como en los casos anteriores, el documento empleará la fuente Times New Roman 12, interlineado 1.5, todos los márgenes 2 cm. Debe enviarse en un archivo de Word, rtf o pdf. La propuesta debe contener los siguientes elementos: un resumen de la actividad, objetivos, repertorio y número de participantes. Finalmente, la propuesta contendrá un breve curriculum de los participantes individuales o del grupo (300 palabras) así como una grabación en MP3 de su oferta artística.</div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Las actividades artísticas deberán durar máximo quince minutos. Por razones de espacio físico, se restringe hasta veinte participantes por grupo. Se dará preferencia a presentaciones acústicas, sin uso de aparatos electrónicos como amplificadores, micrófonos y otros de esta naturaleza. Cada presentación contará con un lugar, fecha y hora definidos por el Comité Organizador.</div>
<br />
<b>Idiomas</b><br />
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<div style="text-align: justify;">
Los idiomas oficiales de la conferencia son el español, portugués e inglés. Los participantes pueden presentar sus trabajos en el idioma de su preferencia, pero se sugiere que la presentación en diapositivas sea elaborada en otro idioma para ser exhibida en pantalla. Esta sugerencia busca ampliar la comunicación hacia una mayor cantidad de participantes, describiendo los aspectos esenciales de cada ponencia. La sugerencia de idiomas se presenta en la siguiente tabla:</div>
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<b><i>Idioma del texto Idioma de exhibición en pantalla</i></b><br />
Español Inglés<br />
Portugués Inglés o Español<br />
Inglés Español<br />
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<b>Envío de trabajos</b><br />
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<div style="text-align: justify;">
Las propuestas de todas las modalidades deberán ser enviadas, entre los días 15 de febrero y 31 de marzo de 2015, a través de la plataforma de ponencias que se encuentra disponible en el sitio web: http://congreso.pucp.edu.pe/isme/ y siguiendo las instrucciones de uso de dicha plataforma.</div>
<br />
<b>Notificación de los trabajos aceptados</b><br />
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Todos los trabajos aceptados serán informados el dia 1º de mayo de 2015 en la página web del evento: http://congreso.pucp.edu.pe/isme/ en la sección respectiva, y mediante correo electrónico enviado a los participantes seleccionados.</div>
<br />
<b>Inscripción de participantes</b><br />
<br />
A partir del día 1 de mayo de 2015 estarán abiertas las inscripciones para el evento.<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Los participantes que tuvieran trabajos aprobados deberán realizar su inscripción a más tardar el día 30 de mayo de 2015 para que aseguren que sus trabajos sean publicados en las memorias de la conferencia.</div>
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<div style="text-align: justify;">
La ficha de inscripción estará disponible en la página web del evento con todas las instrucciones para el envío.</div>
<br />
Para cualquier información adicional o consultas, escribir a: <a href="mailto:isme2015@pucp.pe">isme2015@pucp.pe</a><br />
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Arturo Rivas Seminariohttp://www.blogger.com/profile/03660676138576482748noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3596274268315313096.post-6582748258558085752014-11-22T22:58:00.000-05:002014-11-23T14:05:18.556-05:00John Cage como músico: 4'33'' y la intencionalidad del silencio<div style="text-align: justify;">
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQsO19A1uw0ICIsXW3ZY_KGQ1AFJr9sKc87CISrDJSq-iiz51zmEIWwzJBA1cNUicrh6VnxGTVaHVRBjHeKCWNtnsSERJ0V4nZq7b_PU3D_fhRUTJe-E1hXRLr4KyeKEDvtSLZFB-iBxk/s1600/john-cage-433-in-his-own-hand.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQsO19A1uw0ICIsXW3ZY_KGQ1AFJr9sKc87CISrDJSq-iiz51zmEIWwzJBA1cNUicrh6VnxGTVaHVRBjHeKCWNtnsSERJ0V4nZq7b_PU3D_fhRUTJe-E1hXRLr4KyeKEDvtSLZFB-iBxk/s1600/john-cage-433-in-his-own-hand.jpg" height="500" width="371" /></a></div>
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Así como la concepción tradicional de la música excluye al sonido de una puerta abriéndose, el ruido del avión que pasa o los ladridos de mi perro, y así como nuestra actitud natural frente a la música académica es la de considerar un tosido en el teatro como ruido extramusical que enturbia la escucha pura de Mozart, así también el silencio es habitualmente entendido como no-musical, como ausencia de música, imprescindible pero en contraste absoluto con el sonido por la sencilla y evidente razón de que no se escucha nada, que parece algo así como un estado de total pasividad. Pero, ¿realmente hay tal pasividad en el oír y no se escucha música cuando se está en silencio? Volvamos sobre <i>4'33''</i>, la experimentación más radical de John Cage con el silencio.<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="//www.youtube.com/embed/9RAgthGA-9Q?rel=0" width="420"></iframe>
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<br /></div>
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<br /></div>
Desde luego que quien está esperando que el músico toque el piano no deja de escuchar sonidos: eso es claro. El asunto es que lo que escucha -por ejemplo, los tosidos del que se sienta al lado, la melodía en MIDI de un celular, su propia respiración agitada, las risas de unos niños, etc.- no son para él sonidos que formen parte de la representación musical. "Música" es, en esa circunstancia, una idea que restringe el horizonte sonoro sólo a lo que debe proferir ese instrumento cuando el músico lo toque (y aun así habría que ver qué toca, porque después de Fluxus ya no se sabe qué hará esta gente loca con los instrumentos). Ahora bien, esa idea de música no se aprende en la escuela, sino que está plenamente naturalizada en nuestras vidas cotidianas (por eso, además, las vanguardias no son tan populares): enciendo la radio y escucho música, la apago y ya no escucho música. Parece algo simple y sin complicaciones. En cierto modo hay que aceptar esa actitud natural, pues no carece de todo sentido (volveremos sobre esto) y el filósofo sólo puede pretender describir lo que pasa en ella sin acudir a una instancia sobrenatural, pero no es en vano advertir reflexivamente aquello de lo que Cage se dio cuenta: justamente que detrás está operando esa delimitación ideal, estableciendo los márgenes dentro de los cuales algo puede escucharse como música; una delimitación ciertamente constituida y, por lo mismo, contingente, cambiante, con la que no pocas veces en la historia de la música se ha calificado como ruido a lo que otros consideraban musical. Incluso cuando tal idea sufrió variaciones estructurales importantes, como en el paso del sistema de la tonalidad al atonalismo, lo que se entendía por obra y por instrumento musicales era básicamente lo mismo; es decir, el cambio se producía dentro de la susodicha restricción. Schaeffer y Cage fueron quienes llevaron -no exclusivamente, desde luego, pero sí con una radicalidad inusitada- mucho más lejos a la música. Schaeffer, ampliando lo que se entendía por objeto musical. Cage, relativizando los límites entre música y silencio.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkLCEhzfBWLQg6YeqridYO_bz5kU_crHo1mie5TpS7e58c2kf3FWDqQL0rhiFc7WuOwpFwHChZ0ZESfZSOqz0wGtWJLRUtYCgcoVQoEf9u-eV68GQFTaoFJhH5m5U9R0Xmsizhtmnx8VA/s1600/Cage-excerpt.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkLCEhzfBWLQg6YeqridYO_bz5kU_crHo1mie5TpS7e58c2kf3FWDqQL0rhiFc7WuOwpFwHChZ0ZESfZSOqz0wGtWJLRUtYCgcoVQoEf9u-eV68GQFTaoFJhH5m5U9R0Xmsizhtmnx8VA/s1600/Cage-excerpt.png" height="193" width="480" /></a></div>
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Lo que intuitiva y artísticamente entendió Cage fue que <b>el silencio es intencional</b>. Expliquemos esta intencionalidad primero con lo que sin problemas concebimos como musical. Toda la vida de nuestra conciencia está estructurada sobre una correlación intencional que, en el caso de la música, es la correlación entre la escucha (la vivencia misma) y la onda sonora (el objeto trascendente pero siempre y únicamente <i>tal como se le da</i> a esa conciencia) tal como es escuchada (lo que ocurre con perspectivas distintas en el curso del tiempo). Si bien esta correlación se da con todo tipo de vivencias, hay dos peculiaridades con la música: <b>1)</b> Es intencionalidad en su forma más pura. <b>2)</b> Se trata de una intencionalidad esencialmente estética.<br />
<br />
Aun cuando la experiencia de la escucha no esté aislada del resto de sensaciones, ni de emociones, valoraciones, etc., ella misma, en tanto música, es la forma menos determinada de esa correlación; la intencionalidad en su forma más pura, podría decirse. La intencionalidad implica sucesión temporal. El flujo temporal con todas sus coloraturas sonoras (lo que en general puede llamarse melodía) es la base mínima e ineludible de toda experiencia musical. Por eso mismo, en la reducción que requería <i>4'33''</i> para abrirle lugar al silencio, Cage tituló a su experimento refiriéndose sólo a su duración. Tiempo que se escucha: eso es básicamente la música, o, para ser más precisos, conciencia interna del tiempo que se percibe en la escucha, de manera independiente al material sonoro que la componga, así como también al instrumento (que Cage deja al arbitrio del ejecutante). El puente entre la música y el silencio es esa misma estructura intencional pura. Si ponemos <i>en suspenso</i> nuestras ideas habituales de música y de silencio -esa <i>epojé</i> estética es la que demanda intuitivamente la ejecución de <i>4'33''</i>-, nos quedamos con la misma estructura intencional, y, por lo tanto, no podemos insistir en la diferencia. Lo que ocurre al escuchar el <i>Concierto para piano Nº 2</i> de Brahms, ocurre también con <i>4'33''</i>. La experiencia del silencio allí no es la de un vacío, la de dejar de escuchar, sino que, como con la música, mantenemos la correlación entre la vivencia de la conciencia que escucha y el objeto sonoro tal como se le da a esa conciencia en su sucesión temporal. Se trata en ambos casos de escuchar <i>música</i>. El silencio entonces no sería más silencio, sino música. Pero en esto debemos detenernos un poco más, porque, aunque eso es cierto, lo que ha hecho <i>4'33''</i> es abrir, con la <i>representación</i> del silencio, nuestro horizonte musical.<br />
<br />
El piano incide en la ilusión de estar escuchando silencio, así como toda la <i>performance</i> involucrada, pero en realidad ha perdido su efecto como instrumento musical; es ineficaz en ese sentido y en este contexto específico. Cualquiera que fuese el instrumento o conjunto de instrumentos, es igual: Cage depone al instrumento tradicional y al intérprete, que tienen allí una presencia tanto más vacía en la medida en que nuestra atención se dirija más a la música natural que ese instrumento e intérprete no pueden producir. Esto es lo que nos abre al silencio como no-silencio, es decir, como música. El efecto de silencio se produce porque nuestra atención está dirigida al sonido artístico. Teniendo en cuenta y alimentando esa expectativa, la obra de arte calla. El silencio no se produce por ausencia de representación, sino que es la representación misma que Cage pone en juego. Con ella nos demanda dirigir la atención al sonido natural que no calla, que no había callado nunca y que sólo habíamos decidido ignorar acentuando la diferencia entre la experiencia estética natural y la experiencia estética artística. En <i>4'33'' </i>hay, desde luego, una tensión que se parece a la de esos incómodos momentos de silencio entre dos personas que esperan que algo sea dicho. Evidentemente, en esos silencios algo está siendo dicho a otro nivel; algo que quizás no podría decirse con palabra alguna. Es similar lo que ocurre con <i>4'33''</i>. Cage juega con la modificación de nuestra sensibilidad, que no es la misma según se esté en actitud natural (cotidiana) o en actitud estética. En esta última, la imaginación se desenvuelve de un modo menos lógico, menos realista, más desprejuiciado, más abierto a los diversos sentidos, a las ambigüedades, etc. El silencio de Cage está inmerso en una representación que nos saca de como cotidianamente le atendemos y usamos. En tanto que representación, es artístico. En tanto que su demanda está esencialmente dirigida al oído, es musical. Algunos sostienen, poniendo énfasis en la <i>performance</i> para negar luego su musicalidad, que <i>4'33''</i> está centrada en la actuación, pero se equivocan; para demostrarlo basta con cambiar su medio a uno menos visual y menos inmediato, y que, sin embargo, mantenga la representación como tal y su efecto. Eso ocurre, por ejemplo, si se escucha la obra en un disco compacto. Por otro lado, quienes afirman que no hay "obra" porque sólo hay inacción, pasividad y no hay representación sonora, encontrarán seguramente una refutación certera por parte de usted, amable lector, que, llegado a este punto, sabrá seguramente responderles. Por eso, yo también me callo.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRlAiCeRHPjcjKdfiP5EMkM3hvnzOnTi1-WK3luPS2EDemPmMgSXA6cunCaWJlu_ZdyphhnRQrhvpMlh91Zwn52zVWcVKiGBjpmrnPqoMCgd2YPJL9zxe5fiP027FdCJ4T8YN2Hnrs4aE/s1600/John-Cage-1983-011.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRlAiCeRHPjcjKdfiP5EMkM3hvnzOnTi1-WK3luPS2EDemPmMgSXA6cunCaWJlu_ZdyphhnRQrhvpMlh91Zwn52zVWcVKiGBjpmrnPqoMCgd2YPJL9zxe5fiP027FdCJ4T8YN2Hnrs4aE/s1600/John-Cage-1983-011.jpg" height="280" width="440" /></a></div>
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Al menos por un instante, porque hay un par de aspectos más que valdría la pena resaltar.<br />
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Cage no apela en <i>4'33''</i> a cualquier objeto intencional. Quizás se haya intuido ya su complejidad. El objeto intencional del silencio ya no es esa unidad identificada como nota musical, ni una melodía en sentido clásico; tampoco es el resultado del contacto con el instrumento (como lo era aún la destrucción de pianos de Fluxus). Con <i>4'33''</i>, Cage nos descoloca artísticamente frente a la idea de arte (cumple así con la propiedad artística fundamental: su capacidad negadora de nuestra relación naturalizada con las cosas) y nos plantea una situación de máxima indeterminación, tanto en los contenidos sonoros que pueden tomar lugar como, sobre todo, en la indistinción entre sonido artificial ("música") y sonido natural (simple sucesión de sonidos). Lo que se quiere mostrar es que, bajo cierta condición <i>subjetiva</i>, es decir, bajo cierta modificación de la conciencia que consiste en un giro y una apertura atencional (que, dicho sea de paso, es central en estéticas orientales como la budista), apago la radio y sigo escuchando música. La escucho en los ladridos del perro, el avión que pasa, los gritos de los vecinos, el canto de los pájaros, el tráfico de la ciudad..., incluso en el tono de mi voz mientras pienso esto que escribo en "silencio", etc. Esto significa que abro mi oído a la percepción de toda sucesión de sonidos como tal, sin que importe la cualidad de dichos sonidos. Más allá de que ellos sean producto natural o humano, esto es, de que tengan o no una intención deliberada de ser música en su origen, yo puedo percibirlos como música. Ahora bien, no menos cierto es que nuestra primera y habitual relación con el mundo de los sonidos no es esa. Lo que hace el arte es facilitarnos ese cambio de sensibilidad y hacerla asimismo más potente. Si se dijo antes que la actitud natural debía ser aceptada, es porque, como es obvio, no podemos estar permanentemente en actitud estética, ya que incluso ésta se hace más significativa por su contraste con la actitud natural. Si no contásemos con su diferenciación supuestamente clara entre silencio y música, el juego mismo de Cage no sería posible.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPomeQMn6TZGHHDOV7YDfJvOTnDZp_sfW_SEQcyo61Ah8-LW5vGUjuUEaOaRPuPDUXHzGf-a-s3Bvm3PVy_QjDAI4PUFbCUnRsrXNDcIqngC2GEd3mFRMxIjoN8MaqNDh0CvnGNad09yw/s1600/Detail-from-John-Cages-HV-001.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPomeQMn6TZGHHDOV7YDfJvOTnDZp_sfW_SEQcyo61Ah8-LW5vGUjuUEaOaRPuPDUXHzGf-a-s3Bvm3PVy_QjDAI4PUFbCUnRsrXNDcIqngC2GEd3mFRMxIjoN8MaqNDh0CvnGNad09yw/s1600/Detail-from-John-Cages-HV-001.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: white; color: #666666; font-family: arial, sans-serif; font-size: 12px; line-height: 16.2840003967285px; text-align: start;">John Cage, <i>HV2, No 17b</i> (John Cage Trust)</span></td></tr>
</tbody></table>
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Percibir la musicalidad absoluta del silencio (es decir, la última antes de que se hunda en el límite de nuestras capacidades auditivas) requiere una exigencia sobre la que gira todo <i>4'33''</i>: es necesario, como se ha dicho, suspender el preconcepto "música", que es lo que crea la tensión y que impide el libre juego orientado hacia la percepción de la música en su mayor amplitud. Para ese cambio de actitud se precisa de una cierta reflexividad que, en el cuestionamiento del Arte, enriquece nuestra experiencia estética. Cuando eso ocurre, los límites entre silencio y música se relativizan, se reducen a la diferencia entre una musicalidad y otra, <i>casi</i> como quien distingue entre la música de The Cure y la de Bob Dylan. Tan indeterminado como parece, ya que el oyente espera una determinación musical según su idea naturalizada, el silencio tiene como efecto, precisamente, abrir el oído a un cúmulo de sonidos que en actitud natural consideramos "extramusicales" y que, con la libertad y la habilidad de un músico como Cage, pasan a representársenos como musicales. No obstante, esa apertura se da en su musicalidad misma; esto es, sin arreglo a una idea o concepto que la predetermine. Para que la intencionalidad de la atención se amplíe -de estar dirigida a ese fragmento, ese escorzo de toda la escucha que se consideraba musical, se dirija luego a todo el horizonte sonoro-, no es necesaria una explicación. Quizás nuestra contemporánea hiperconceptualización del arte nos desvíe a la búsqueda de razones, que es por lo que algunos consideran que <i>4'33''</i> es concepto y no música, pero debemos confiar en que la gente utilice todavía sus oídos. Morton Feldman ha destacado el carácter no-conceptual de <i>4'33''</i> en oposición a Duchamp (con quien, en algún momento, se le comparó): "el interés que suscitó Duchamp (...) se debe a que llevó la experiencia fuera del ojo, fuera de la retina, y la convirtió en un concepto. Cage la sacó fuera del aspecto conceptual desinteresado por lo auditivo que primaba en el pasado y la puso directamente en el oído. Eso es absolutamente diferente" (Friedman, B. H. (ed.), <i>Give My Regards to Eighth Street. Collected Writings of Morton Feldman</i>, Cambridge: Exact Change, 2000).<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEAOs4VRE3MD7oVa_rsmVsXn2EckcQlz-PTIEgR1iELoP6wJUSfFGDEPkw30ta0RRrn8A5_d59E46EMTfHYWnBTVxQEcdpxqzkYF4be6KE8-J3G0tVPAGqDitfO8aSGelozLAPmgmakJI/s1600/12-John-Cage-during-the-rehersals-02-e1324997307123.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEAOs4VRE3MD7oVa_rsmVsXn2EckcQlz-PTIEgR1iELoP6wJUSfFGDEPkw30ta0RRrn8A5_d59E46EMTfHYWnBTVxQEcdpxqzkYF4be6KE8-J3G0tVPAGqDitfO8aSGelozLAPmgmakJI/s1600/12-John-Cage-during-the-rehersals-02-e1324997307123.jpg" height="388" width="400" /></a></div>
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Hay quienes concluyen, apresuradamente y manteniendo un rezago de realismo en sentido negativo, que el silencio entonces no existe. En realidad, habría que precisar: Primero, que el silencio, en la actitud natural (que no hemos en absoluto descartado), existe, y justamente porque existe, es decir, porque lo constituimos en nuestra percepción habitual con una <i>posición de realidad</i>, es que podemos cuestionar su distinción desde un plano representacional, sacándolo de esa naturalidad. En segundo lugar, el silencio en la actitud estética no deja de "existir"; desde luego que no en el mismo sentido, porque se le ha desprovisto allí de dicha posición de realidad, pero sí en la medida en que tiene caracteres propios que hacen que no deje, incluso como representación, de percibírsele como distinto. Lo que <i>4'33''</i> muestra es que, dado que escuchamos ininterrumpidamente en un continuo temporal, no podemos escapar del horizonte de la música: nuestra escucha entera es musical en ese sentido. Pero el silencio no puede ser considerado sin más como música. Tiene una peculiaridad que es precisamente la que nos abre hacia ese horizonte ampliado en el que, como decía Cage, "todo es música". Lo mismo quería decir Nietzsche cuando afirmaba: "la vida, en tanto que ésta es música,...".<br />
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Arturo Rivas Seminariohttp://www.blogger.com/profile/03660676138576482748noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3596274268315313096.post-61428793505379754182014-11-13T14:14:00.001-05:002017-09-10T14:29:37.456-05:008'37'': Asociación, (in)determinación y música absoluta a propósito de una obra de Penderecki<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFD9ZvE8dB2W9Jbg7l4bkPqSBs-pMpa3mfE5qTjry60H3M1imp7KzPwOGdfAT4vs9YUCrxk8okylGWaHiAh1qkB6icl9-qEuqvukZcYZV7U_YeaipU_GA8vIXtalErvoqU-7C6E6wZlh8/s1600/Krzysztof-Penderecki-007.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFD9ZvE8dB2W9Jbg7l4bkPqSBs-pMpa3mfE5qTjry60H3M1imp7KzPwOGdfAT4vs9YUCrxk8okylGWaHiAh1qkB6icl9-qEuqvukZcYZV7U_YeaipU_GA8vIXtalErvoqU-7C6E6wZlh8/s1600/Krzysztof-Penderecki-007.jpg" /></a></div>
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<div style="text-align: justify;">
Sí, <i>8'37''.</i> No los 4 minutos y 33 segundos de silencio compuestos por Cage, sino los 8 minutos y 37 segundos de una música que, a su manera, también desconcierta a la mente y libera al oído.</div>
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<div style="text-align: justify;">
Cuando Penderecki compuso esta obra no quería, como se cree comúnmente, representar el estallido de la bomba atómica sobre Hiroshima. La dedicó luego a sus víctimas cambiándole el nombre, de <i>8'37''</i> a <i>Treno para las víctimas de Hiroshima</i>, algo que cierta crítica juzgó como un acto de oportunismo. Pero lejos de entrar en ese tipo de discusiones bizantinas, lo importante es llamar la atención sobre el hecho mismo de que su creación no haya sido propiamente representacional. Desde luego que sí lo es en la medida en que toda obra de arte (y todo acto estético, en contra de lo sostenido por Scruton de que la música no lo sería) es representacional; es decir, en el paso de una conciencia natural, cuyo anclaje está en la percepción de la realidad externa, a una conciencia estética que depone el peso de la percepción en servicio de la mayor libertad de la imaginación y de los objetos que así crea. Este tránsito es posible justamente por una modificación hacia la representación. En la escucha inclusive, pero con mayor nitidez en la creación artística, la percepción modifica sus caracteres determinantes a los de la representación. Pero ésta, así entendida, no tiene por qué ser vista como una copia o estar directa, clara o figurativamente vinculada a una realidad específica. Esto, digamos, al menos por tres motivos:<br />
<b><br /></b>
<b>1)</b> Porque la actitud estética supone un desenfocamiento, una abstracción -en menor o mayor medida- de esa realidad. Esto hace que en ningún caso, por más figurativa que pueda ser una obra y directo su vínculo con una realidad concreta, la representación artística sea equivalente a esa realidad percibida; hay un sustrato puramente estético que le guarda de toda equiparación (pretendida especialmente por los moralistas de turno).<br />
<b><br /></b>
<b>2)</b> Porque el sentimiento de placer o displacer (y el juicio involucrado) respecto de la obra de arte, y sobre todo de la obra musical, únicamente requiere de esa representación en su potencia expresiva; es decir, su contenido intrínseco no tiene por qué representar un objeto externo, especialmente al ser comunicada a un oyente de un contexto distinto al de su origen, a no ser que sea mediante un acompañamiento figurativo o verbal (por ejemplo, con el videoclip o el título), o con una explicación histórica externa, pero incluso ellos son sólo representaciones.<br />
<b><br /></b>
<b>3)</b> Porque la representación artística, como lo demostraba Kant, no es mera sensación pero tampoco concepto; tiene un tipo peculiar de juicio (el juicio reflexionante, dirigido no al conocimiento objetivo sino al sentimiento subjetivo), que, aun cuando no se hagan las separaciones radicales que hacía Kant en sus análisis, sigue sin empezar por la significación, sino por la percepción y por el juego estético (el "libre juego" kantiano entre la imaginación y el entendimiento - no la razón). La música sin tema, afirmaba Kant, es lo que más se puede reducir a ese libre juego. Si lo traducimos a lo que aquí queremos señalar, diríamos que <i>8'37''</i> era, antes de que el propio Penderecki la asociara con Hiroshima (e incluso después), una representación sin representación.</div>
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Se ha mencionado a Kant, pero podría haberse mencionado a varios otros filósofos, músicos y teóricos de la música, porque lo que está detrás es básicamente la empresa moderna por dotarle a la música de autonomía frente al realismo y el idealismo estéticos. Para no quedarnos en la filosofía, podemos acudir al brillante director Leonard Bernstein:</div>
<blockquote class="tr_bq">
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"No importa cuánto la gente les cuente historias acerca de lo que la música significa, olvídenlas. Las historias no son de lo que la música trata en absoluto. La música no es nunca acerca de nada. La música sólo es".</div>
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("¿Qué significa la música?", concierto didáctico para jóvenes)</blockquote>
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"Mi bemoles y fa sostenidos". De eso se trata, dirá Bernstein pensando un poco en Wittgenstein y un poco en Chomsky: de una gramática musical tomada en sí misma. El modernismo fue con fuerza sobre la forma del arte; por ejemplo con la brillante explosión de expresión y formas en la vanguardia rusa. El Romanticismo, en el siglo previo, hizo también lo suyo por darle al arte no sólo autonomía, sino el lugar más elevado entre todas las actividades humanas, incluyendo a la filosofía. Y si la música tenía un privilegio entre las demás artes era precisamente por su indeterminación. Su aparente falta de representabilidad era la garantía de su acceso sentimental (expresivo) a lo incondicionado. Arthur Schopenhauer lo afirmaba así:</div>
<blockquote class="tr_bq" style="text-align: justify;">
"La música no es, a diferencia de todas las demás artes, <b>una representación</b> de las ideas o grados de objetivación de la voluntad, sino la <b>expresión directa</b> de la voluntad misma; lo cual explica su acción inmediata sobre la voluntad, es decir, sobre los sentimientos, las pasiones y las emociones del oyente, exaltándolos rápidamente o transformándolos.<br />
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Admitido que la música, lejos de ser un mero auxiliar de la poesía, es un <b>arte autónomo</b>, más aun, la más poderosa de todas las artes y capaz, por tanto, de alcanzar sus objetivos <b>con sus propios recursos</b>, es también indudable que no necesita las palabras de una canción o la acción de una ópera. La música, en cuanto tal, conoce sólo los tonos pero no las causas que los producen. Por eso, la <i>vox humana</i>, original y esencialmente, no es para la música otra cosa que un sonido modificado, como el de un instrumento...".<br />
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(<i>El mundo como voluntad y representación</i>, vol. II, cap. 39, negrillas propias)</blockquote>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrEOAa86Jr6KiDsTNAiY9O8BJvq66vDmrGVgj8sKeZQHuX5SIxMnXgiMOA2k036tq5IHSTnZaYSDWrVKXgOCmksRXHWNCcIyG1TXJa5aRWegTnzcc6-5MYbPeg8wWrgkGPdAireZhHbMM/s1600/SchopNiet.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrEOAa86Jr6KiDsTNAiY9O8BJvq66vDmrGVgj8sKeZQHuX5SIxMnXgiMOA2k036tq5IHSTnZaYSDWrVKXgOCmksRXHWNCcIyG1TXJa5aRWegTnzcc6-5MYbPeg8wWrgkGPdAireZhHbMM/s1600/SchopNiet.jpg" /></a></div>
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La pugna de Schopenhauer no era otra que la de la música absoluta (que se entiende por sí misma) contra la música programática (que se entiende por su referencia a algo extramusical). Nietzsche acusará en Wagner, asimismo, que someta la música a la idea (<i>cf. Nietzsche contra Wagner</i>). La música absoluta quiere lo menos posible de determinación extramusical. Sin embargo, ninguna música está totalmente determinada por sí misma. Es la relación tirante entre ambos impulsos -el de su autonomía y el de su heteronomía- la que mueve siempre los hilos de toda obra musical. Lo que, no obstante, ha marcado a la estética moderna, tomada incluso como disciplina, es la defensa de esa autonomía frente a los intentos por reducir los sentidos y valoraciones del arte a la sola consideración lógica, y la imaginación a la sola consideración realista (desde el realismo de las ideas de Platón hasta el realismo de la estructura social marxista -y postmarxista-), que le quieren forzar a admitir, como esenciales, criterios que le son enajenantes. Esta autonomía tiene que ver íntimamente con su temporalidad; más precisamente, con su devenir. Puede pensarse nuevamente en Nietzsche (su rescate del devenir), así como en las razones por las que Rousseau consideraba a la melodía como la esencia vital de la música. El fenomenólogo Roman Ingarden lo decía así: "El <i>continuum</i> de coloraciones temporales de la obra está determinado <b>únicamente</b> por los elementos de la obra misma" (Ingarden, R., <i>Qu'est-ce qu'une ceuvre musicale?</i>, p. 90). Y es que la obra musical, para Ingarden (siguiendo a Husserl y de modo análogo a lo sostenido por Kant), no es ni un objeto ideal (como el ente matemático), ni un objeto real (como el perro que va por la calle), sino un objeto <i>puramente</i> intencional; es decir, la más pura correlación entre la vivencia de la conciencia (la escucha) y el objeto (la onda sonora) tal como se le da a esa conciencia (tal como se escucha). Ya Husserl había dicho (en su famosa carta al poeta Hugo von Hofmannsthal) que el arte implica una suerte de reducción como la fenomenológica, sólo que de manera más intuitiva que reflexiva (y esa es precisamente su ventaja).<br />
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Kant lo tenía claro: se entiende la música al escucharla, sin que sea necesario para ello conocer (ya que es más bien conveniente desconocerlo) el arduo trabajo que puede estar detrás o las reglas que están siendo puestas en juego. Esto quiere decir también que los sentidos de la música no son reducibles al lenguaje verbal y tampoco al técnico o al matemático. Por eso Schopenhauer rechazaba lo dicho por Leibniz, a saber, que la música es, en el fondo, sólo aritmética. Leibniz no podía dejar de verla como un modo de conocimiento (en última instancia divino), algo que Kant compartía pero a lo que contrapuso la necesidad del sentimiento vital (<i>Gemüth</i>) y del espíritu (<i>Geist</i>) (y con ello el privilegio del hombre como único capaz de tener un juicio estético). Todo músico profesional podría quizás darle la razón a Leibniz dada la necesaria formalización de la música para su estudio, pero, como afirmaba Nietzsche: quien escucha a Bach como un maestro del contrapunto y del arte fugado, pierde la experiencia musical, lo grande que allí ocurre (<i>cf. El paseante y su sombra</i>).<br />
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Esta cierta <i>reducción</i> a lo específicamente musical no hay que entenderla como un reduccionismo o un empobrecimiento del complejo entretejimiento de nuestras experiencias musicales y no musicales, porque lo que se quiere evitar con ella es más bien que una sola idea, que una sola representación, que una determinación teórica o naturalista se imponga sobre los distintos sentidos que abre la experiencia musical bajo la peculiaridad de la conciencia estética. Además, la especificidad en el arte se ha buscado históricamente siempre con una intención liberadora, con la intención de ampliar las capacidades perceptivas e imaginativas, poniendo de lado las <i>ideas</i> habituales sobre lo que es (o debe ser) arte. Un caso paradigmático en la música reciente es el de la música concreta; es decir, el modo como Pierre Schaeffer, aplicando precisamente la reducción fenomenológica, rompió con el uso exclusivo de determinados sonidos e instrumentos musicales, dependientes de una idea abstracta de música, para incorporar a todo sonido y todo objeto como potencialmente musicales. Ese fue un caso radical de apertura dentro de las vanguardias musicales del siglo pasado.<br />
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Volvamos sobre <i>8'37''</i>. Hemos ya apuntalado su indeterminación en términos representacionales, reduciéndole a su temporalidad, que es algo que ese primer título mostraba en imitación de lo hecho por Cage con su <i>4'33''</i>. (Como la temporalidad es menos explícita en el arte plástico, allí se suele colocar más bien: "Sin título".) Pero queda volvernos sobre la música misma; es decir, sobre su contenido concreto. <i>8'37''</i> ofrece, como es evidente (incluso para los finos oídos de mi perro), particularmente en las cuerdas pero también con la percusión, un sonido perturbador. Para decirlo con mayor propiedad: un sonido que agrada precisamente porque desagrada, porque incomoda, porque nos conduce a un terreno que reconocemos bastante bien y que nos intriga y gusta experimentar, pero en el que estamos indefensos, lejos de toda certeza armónica y sin una melodía cobijadora. Ni Schönberg ni Mozart pueden protegernos.<br />
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El sentimiento que se corresponde con tal condición es naturalmente el miedo, la angustia atemorizante. No sorprende por ello la asociación de varias piezas de Penderecki con el cine de terror: <i>Polymorphia</i> (1961) y <i>Canon</i> (1962) fueron ambas utilizadas por Kubrick para <i>El resplandor</i> (1980) y por Friedkin para <i>El exorcista</i> (1973). Este último usó también fragmentos del <i>Concierto para cello Nº 1</i> (1966-67), la ópera <i>Los demonios de Loudon</i> (1968-69) y el <i>Cuarteto de cuerdas Nº 1</i> (1960). Kubrick se sirvió además de <i>De Natura Sonoris I</i> (1966) y <i>II</i> (1971), y de <i>Utrenja</i> (1969-71). Más recientemente, Scorsese tomó <i>Fluorescencias</i> (1961-62, basada en <i>8'37''</i>) para <i>La isla siniestra</i> (2010), así como el <i>Passacaglia</i> de su <i>Sinfonía Nº 3</i> (1988-95) que, en una escena en particular, contrasta radicalmente con el sereno <i>Cuarteto para piano en la menor</i> de Mahler que los doctores oyen en el fonógrafo. En todos estos casos la asociación entre lo que se ve y lo que se oye es adecuada, pero no porque la condición del sonido y de la imagen sean iguales, sino más bien porque no lo son. El sonido comunica de un modo mucho más sensible, lo que hace que dirija más fácilmente al espectador hacia una atmósfera o una disposición afectiva, y a la vez es mucho más indeterminado, con lo cual apoya a lo que se ve acentuando su carácter perturbador desde esa indeterminación y no sólo por la asociación misma. Por otro lado, si la asociación en los casos mencionados es tan intuitiva, es porque no se trata en última instancia del terror que nos puede ofrecer la realidad, que es tanto más insoportable, sino que es un terror representado y esa representación le aporta cierta adecuación, nos hace tener cierto control, aunque sea mínimo como puede serlo con una representación angustiante o terrorífica. En el fondo, Kant se refiere a esto mismo cuando confronta la fealdad en la naturaleza con su representación artística (<i>cf. Crítica de la facultad de juzgar</i>, parágrafo 48); y esa es la "eminencia" del arte, nos dice. Es como cuando uno ve una película de terror: ella le asusta porque la atención está dirigida esencialmente a la representación misma, como si fuese natural, pero la percepción y la realidad que ella constituye como natural se mantienen en la medida en que ella nos recuerda, de modo "inconsciente", que es sólo una película. La distinción entre fantasía y realidad no deja de estar presente. Incluso cuando una persona con esquizofrenia pinta el monstruo que ha "visto", hace esa distinción entre el monstruo "real" y el de su representación. Pero claro, esa distinción se debilita en la experiencia estética y eso permite también que lo que la obra de arte representa se asocie con la realidad natural, especialmente con la vivencia personal dado el carácter subjetivo (reflexionante, en términos de Kant) de dicha experiencia.<br />
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Cuando Penderecki asoció <i>8'37''</i> con lo ocurrido en Hiroshima generó cierta resistencia. Más allá de las mezquindades, lamentablemente tan usuales entre los hombres, hay razones para ello. En primer lugar, porque una cosa es asociar dos representaciones, que como tales se mueven en un mismo ámbito (la conciencia estética), en el que las analogías fluyen fácilmente, y otra distinta es asociar una representación con una realidad determinada. No es que la asociación sea disfuncional, porque en este caso sí se adapta bien al <i>horror</i> que uno se representa ante el estallido de la bomba atómica. El asunto es sólo que el vínculo es menos fuerte y, en ese sentido, menos evidente. Además, la experiencia de <i>8'37''</i>, como se ha dicho, es una experiencia de inadecuación, la obra te descoloca sin que, en su puro devenir, puedas aferrarte a nada; pero con Hiroshima, si bien podemos imaginarnos cómo nos descolocaría, tenemos en claro y bien determinadas una serie de cosas, empezando por el juicio moral que está íntimamente involucrado. No quiero, al señalar esto, rechazar o menospreciar en forma alguna la asociación, que además, como con las películas, refuerza en cierto modo (de un modo menos intuitivo y más reflexivo) el juicio moral contra el uso de bombas atómicas y tributa a las víctimas a manera de memorial. El punto está en que tal asociación se maneja a otro nivel que el de los casos anteriores.<br />
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Parte importante de la experiencia de las vanguardias fue, como se ha dicho, abrirnos a la experiencia "pura" del arte; en este caso, de la música. Si volvemos sobre ello, el título original del que ahora conocemos como <i>Treno para las víctimas de Hiroshima</i> puede ser un título significativo. Ahora bien, ya sea que le asociemos con la realidad histórica que el nuevo título sugiere, o que sólo pensemos en <i>8'37''</i>, lo cierto es que Penderecki logró su cometido de "transformar la experiencia del siglo entero".<br />
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Arturo Rivas Seminariohttp://www.blogger.com/profile/03660676138576482748noreply@blogger.com0